LA LINEA

ADIÓS, ETTA.

2012-01-20T21:11:00.003+01:00

Etta James, en sus primeros años musicales.

La vida pasa en un instante; sobre todo, cuando ese instante ya viene cargado de décadas. Es una reflexión que me hago cada día y más aún, cuando mis ídolos musicales, del cine o, en suma, los iconos que han ido marcando mi trayectoria vital se me van marchando. El último hace muy poco: Etta James.

Recuerdo que allá por 1967 (poco más o menos), mi hermano tenia entre sus vinilos uno de esta cantante californiana naciada en Los Ángeles en enero de 1938 y me quedé asombrado de su potencial vocal. Como muchas otras muchachas negras norteamericanas, sus comienzos fueron en los coros de sus iglesias interpretando golpel. Con cinco años cantaba en la radio y con 14 (cuando se había trasladado a San Francisco) realizó su primera audición con el profesor y director de orquesta Johnny Otis. Su primer éxito lo alcanzó en 1955, con el tema "Dance whith me, Henry" y cuando The Peaches se disolvió como grupo, Etta James continuó grabando para Moderns Records, el sello que había registrado esa canción.

Pero lo mejor de Etta James (nombre de guerra de Jamesetta Hawkins) llegaría en la década de los 60 del pasado siglo XX. Fueron diez años de éxitos y magníficas grabaciones, que llegaron tras cambiar de compañía discográfica. Leonar Chess se dio cuenta que Etta poseía un enorme potencial para las baladas y por ello, la arropó de unas orquestaciones magníficas. Pero Etta James seguía teniendo su lado "salvaje" que caminaba entre el soul, el rock y el jazz; tres estilos básicos en la vida del pueblo negro norteamericano. Y así, la cantante de Riverside grabó piezas en esa línea como "Something's Got A Hold On Me", "In The Basementcon", "Tell Mama" o una pieza auténticamente dramática como "I'd Rather Go Blind".

Cuando Leonard Chess falleció, Etta James permaneció en su discográfica hasta 1975 dando muestras de estar más cerca del rock, que de ningun otro movimiento musical tal vez más propio de su condición. Tras unos años dificiles, el regreso a los estudios de grabación fue en 1988 con "Seven Year Itch" reafirmándose como una auténtica estrella del denominado "soul sureño". Más tarde llegarían otros discos en la década de los años 90. Su última grabación, "The Dreamer", data del pasado 2011, estando ya diagnosticada gravemente de leucemia; enfermedad que, finalmente, ha acabado con su vida terrenal. Una vida que siempre estuvo llena de problemas con su lucha contra la obesidad y su adicción durante años a la heroína. En los últimos tiempos, Etta James se fue deteriorando y el pasado viernes fallecía en un hospital de Los Ángeles, a la edad de 73 años. Su música y su impronta en los escenarios queda entre todos nosotros. Tal vez, uno de los mejores homenajes que podemos rendirle sea volver a escuchar la balada "At last", que le catapultó al éxito definitivo en 1961. Después de ella, Etta James logró acaparar seis premios Grammy. Descanse en paz.

"MONDIANA", LO NUEVO DEL MONDA TRÍO

2012-01-16T14:23:00.003+01:00

El Monda Trío el pasado viernes13, durante su concierto.

"La música es el alimento del alma". Esta es una afirmación que hemos escuchado o leído infinidad de veces, pero hace mucho tiempo que llegué a la conclusión de que es cierta. Y el pasado viernes, 13 de enero del recién estrenado 2012, tuve la ocasión de reafirmarme en esa conclusión. Porque al reencontrarme con mis compañeros del alma del MONDA TRÍO y escuchar las nuevas creaciones de Miguel Ángel "Monda", también me reafirmé -como le indiqué a su hermano José "Cañas"- en que todas y cada una de las piezas que nos ofreció el trío atienden al momento anímico del músico.

El concierto, tal y como explicó Sebastián Mondéjar (percusión) antes de que las notas musicales sonaran, se planteó como el adelanto de lo que será el segundo cd del trío (el primero salió al mercado el pasado año, bajo el título de "Líneas en el mapa"), al que titularán "Mondianas" en honor al creador de todas las partituras que lo conformarán.

Miguel Ángel "Monda", líder del trío y compositor del repertorio.

"Mi oasis" rompió esa especie de "barrera" que existe en todo inicio de cualquier concierto entre los músicos y el público, con unas armonías que nos dejaban gratamente sorprendidos ante el momento creativo que atraviesa no ya su compositor, si no el trío. A renglón seguido, el propio Monda explicaba que el siguiente tema tenía que haber conformado -por razones obvias- parte del primer cd del grupo pero que, finalmente, se quedó fuera. No era otro que "Líneas en el mapa" que con la próxima grabación del nuevo cd sí quedará registrado para la posteridad.

Andrés Santos, clarinete, melódica y flauta travesera.

El concierto entró, en ese momento, en unos temas que no habiendo sido grabados aún sí que son conocidos por los asiduos al Monda Trío. Me refiero al que Miguel Ángel escribió para su hermano José, "De paseo con el Cañas", "Cosicas buenas" o "Pan session". Temas que vienen interpretando en sus últimos conciertos y que ya avanzaron en los que dedicaron a presentar su primer disco. Tras ellos, se produjo la anécdota de la noche de manera natural, como su protagonista: Suena un móvil y resultó ser el de Sebatián Mondéjar. Sin cortarse lo más mínimo, Sebastián descolgó y en público indicó a su amistad que le había pillado "en pleno concierto" y que le llamaba más tarde. Ni que decir tiene que todos acogimos con una gran sonrisa el momento, incluido el propio Sebastián Mondéjar como recoge la foto de Goio Villanueva.

Las fotos, como es habitual en este blog, son obra de GOIO VILLANUEVA.

Sebatián Mondéjar contesta al teléfono en pleno concierto.

Bueno, anécdotas aparte, la actuación del Monda Trío ya nos había situado absolutamente en su dinámica para no perder el hilo conductor del concierto. Por eso, tanto Monda como Mondéjar alternaban los breves comentarios de presentación de las nuevas creaciones como "Médano", "Mudanzas" (aquí también intervino Andrés Santos, para explicar que se compuso en un momento en el que los tres músicos estaban mudándose de vivienda) o "Amanece".

Las composiciones de Miguel Ángel "Monda" son pequeñas "Suite", que te trasladan a mundos de alegrías, tristezas, melancolías o placeres. Mi tocayo, Andrés Santos, explicaba tras la actuación que "cada uno de ellos imprime a cada creación su toque personal. Un toque que en cada momento puede derivar hacia el jazz, la denominada música clásica o simplemente una fusión de corrientes que armonicen esa pieza en su conjunto". Tal vez sea ésta, la explicación más aproximada del resultado final que nos presentan Monda Trío.

"Ritual y "Abalorios" fueron las dos composiciones que finalizaban el programa oficial. Naturalmente, no fueron las últimas. Porque los que allí nos dimos cita queríamos más y en buena lógica, compañerismo y amistad el Monda Trío nos regaló "En sus ojos" y Atrápalo".

En definitiva, que la vena creativa de Miguel Ángel Monda continúa en plena forma como quedó patente en este concierto ofrecido por su trío, en la Asociación Artística y Cultural "La Azotea", situada en una de las esquinas de acceso a la popular Plaza de San Juan, de Murcia capital. Para el mes de marzo o abril próximos, el nuevo cd de este trío bajo el título de "MONDIANAS" verá la luz. Y para el lector diré que no dude en hacerse con él, si pretende disfrutar de algo más de una hora de buena música y mejores sensaciones. Créanme que no les miento.

Sebastián Mondéjar y parte de su "laboratorio" de percusión.

Y EL ALMA SE NOS QUEDÓ SIN MÚSICA

2012-01-12T17:47:00.000+01:00

Cartel de la pasada edición del ciclo

Hace tan sólo unas semanas, el fotógrafo y amigo Goio Villanueva y el que suscribe comentábamos lo raro que era el que San Javier no nos hubiera convocado a la presentación del XII Músicas del Alma. Mucho más, cuando un mes atrás de esta conversación, el propio Alberto Nieto nos confirmaba que la edición de este año 2012 sería muy corta: cuatro conciertos.

Bueno, no estába mal si el ciclo sobrevivía a tanto recorte presupuestario ocasionado por ese enorme cajón de sastre llamado "CRISIS". O lo que es lo mismo, las cantidades enormes de dinero que las Arcas Públicas están pagando a las entidades bancarias, para resarcirlas de su "mala cabeza" en cuanto a sus "inversiones".

Hay que joderse. Que los que ninguna culpa tenemos de haber llevado a cabo "empresas importantes en las finanzas", ahora tengamos que ser los que pagamos a los bancos sus "descalabros financieros" porque no "vieron el peligro" de invertir en bonos muy poco fiables. Jodidos, pero es lo que hay. Y lo que hay es que las Administraciones Públicas han tenido, tienen y no sabemos si continuarán así por mucho más tiempo que "meter la tijera", para recortar gasto público. ¿Y por dónde comenzamos? Pues por donde siempre: la Cultura. Es la que lo "aguanta todo" y se queja poco. ¡Qué gran equivocación de la clase política, Señor!

En la página oficial del ciclo, se puede leer la escueta nota sobre estas afirmaciones que les traslado. En estos momentos, el que estas líneas escribe desconoce si en algún momento de la Hisotoria futura regresará Músicas del Alma. Ojalá que la respuesta sea afirmativa, porque la "sangría" cultural de festivales y ciclos musicales o de otra índole es ya extensísima. Y aquí también "hay que cortar por lo sano", como a nuestro actual Presidente del Gobierno de España le gusta decir cuando es preguntado por las duras medidas económicas que "se ha visto obligado" a tomar.

Mucho ánimo para ese Equipo de San Javier, que no solamente han colocado a esa población española a orillas del Mar Menor en el mundo, si no que su trabajo se ha visto recompensado con el reconocimiento de músicos, público y crítica hacia el ahora suspendido ciclo Músicas del Alma y el confirmado en su continuidad Festival de Jazz de San Javier; uno de los más prestigiosos del continente europeo.

Alberto Nieto, Director de Músicas del Alma y del Festival de Jazz de San Javier. (Foto de Goio Villanueva)

ADIÓS A LA REINA DE LOS PIES DESCALZOS

2011-12-17T22:28:00.000+01:00

No sé muy bien si ella misma atisbaba que su final andaba cerca, pero su anuncio en Paris (en septiembre pasado) de que abandonaba los escenarios por motivos de salud no auguraba nada bueno. Hoy, su corazón se ha parado para la vida terrenal pero ha rejuvenecido para la inmortalidad. La Reina de los Piés Descalzos (actuaba así para denunciar la pobreza de su pueblo) nos ha dejado. Nos quedan sus recuerdos de conciertos memorables, íntimos, irrepetibles. Sus discos, sus canciones, su manera de interpretar y vivir la vida.

Otra voz se ha apagado casi finalizando un año para el olvido: 2011. Su fusión de fado portugués, modinha brasileña, lamento angoleño y tango argentino constituyó su identidad musical. Ha sido, como cada quien, irrepetible. Su viejo corazón se ha parado este 17 de diciembre de 2011, a los 70 años de edad. La música -ella misma la afirmaba- era su vida. Descanda en paz, Cesaria.

UNA NOCHE CON CHET BAKER

2011-12-14T22:39:00.001+01:00

Maracaibo en un momento del musical

La Red Municipal de Auditorios del ayuntamiento de Murcia es, sin duda alguna, una ampliación de la oferta cultural del municipio, con unas posibilidades fascinantes. Lo importante de ello para que ese amplio abanico pueda desplegar todo su potencial se ciñe, como casi todo en el terreno de la administración pública, a la dotación presupuestaria.

Personalmente, el panorama lo contemplo como adecuado dado los momentos económicos que se viven. Y las diferentes programaciones que se vienen desarrollando en este último año se pueden calificar como bastantes aceptables, teniendo en cuenta los delicados momentos a los que antes hacía referrencia. Aún así, los responsables de estas parrillas le han echado imaginación y han puesto en práctica una experiencia que puede ayudar a que el arco de ese abanico llegue a ser todo lo amplio que la mayoría deseamos. Me estoy refiriendo a la colaboración con algunas iniciativas privadas, a las que se les presta la infraestructura municipal y ellas se encargan de todo lo demás. Las pocas experiencias que se han llevado a cabo en el Auditorio de Algezares hasta el momento, no han resultado mal del todo. Pero ya se sabe que los comienzos se hacen difíciles y los obstáculos a librar son diversos, aunque uno opina que se salvarán. Todo es cuestión de un poco de tiempo para su desarrollo.

Les cito toda esta larga introducción, para anunciarles que este sábado, 18 de diciembre de un año que está cercano a su término, el Auditorio de La Alberca ha programado "La larga noche de Chet Baker", a cargo del grupo ilicitano MARACAIBO. Su historia arranca en 1996 en la ciudad alicantina de Elche, con una clara vocación de futuro. A lo largo de todos estos años desde entonces, MARACAIBO se ha hecho con un curriculum más que interesante y entre sus muchos montajes, nos encontramos con éste que podremos presenciar en el Auditorio Municipal de La Alberca, pedanía muy cercana a Murcia capital.

Se trata de un espectáculo en el que se fusionan música en directo, teatro, cabaret, danza, videoarte y, en definitiva, toda una mezcla de disciplinas escénicas y artísticas para lograr un resultado espectacular. Es, como ellos mismos adelantan en su presentación, "una convivencia elegante entre el jazz y la poesía en un homenaje al trompetista norteamericano, Chet Baker, y a los poetas que tomaron el jazz como fuente de su inspiración". A todo esto se le añaden unas pinceladas de la denominada "Generación de Poetas Beat", como fueron Kerouac, Ginsberg o Cassady entre otros.

Si yo fuera usted, no me lo pensaría y acudiría a presenciar este montaje tan sugerente y fresco, a pesar de que pueda parecer añejo. La cita, recuerdo, es este sábado 18 de diciembre de 2011 en el Auditorio Municipal de La Alberca (pedanía cercana a Murcia capital), a partir de las 21:00 horas. La entrada sólo cuesta 5 €.

JAZZ SAN JAVIER EN "7 REGIÓN DE MURCIA" Y RADIO 3 (RNE)

2011-11-29T13:15:00.000+01:00

Los seguidores de JAZZ SAN JAVIER estamos de enhorabuena. La televisión autonómica murciana, "7 Región de Murcia" y RADIO 3, de Radio Nacional de España, están ultimando la transmisión de los conciertos ofrecidos durante el pasado verano en el escenario del Parque Almansa.

Así, la televisión autonómica arranca este próximo viernes, día 2 de Diciembre, con el pianista gaditano, Sergio Monroy, que tan grato recuerdo dejó entre los que allí estuvimos a través de su fusión de ritmos flamencos con bases jazzísticas. En adelante -y en un horario de comienzo que oscilará entre las 12 y 12:30 de las noches de estos próximos viernes-, "7 Región de Murcia" continuará con el concierto que protagonizaron la cantante norteamericana Carla Cook, acompañada por el trío del pianista catalán Albert Bover.

Por su parte, RADIO 3, de Radio Nacional, está acabando de perfilar sus Especiales de Navidad y dentro de ellos, se dedica uno al XIV Festival de Jazz de San Javier. El horario de emisión aún no está concretado, pero sí los primeros conciertos que sonarán por su Frecuencia Modulada. Serán los de René Marie Quartet; Joe Louis Walker; Hiromi y su Trío Proyect, además del matrimonio Peterson y su blues, conformado por el organista, guitarrista y cantante, Lucky, y su sensual esposa, Tamara.

En suma, que con las cercanas fechas de Navidad y Año Nuevo los aficionados al jazz contaremos con una cita ineludible: Jazz San Javier, a través de la televisión y la radio. ¿Se puede pedir más? Pues si se puede, lo solicitaremos.

JAYME MARQUES: HISTORIA VIVA DE LA "BOSSA NOVA"

2011-11-02T01:47:00.001+01:00

El guitarrista Jayme Marques, en La Puerta Falsa

El pasado día 28 de octubre del año en curso, el mítico local murciano "La Puerta Falsa" ofreció el concierto del legendario músico brasileño afincado en España, Jayme Marques, que regresaba a este local tras más de diez años sin hacerlo. La sala registró una más que interesante respuesta a su propuesta, que Jayme Marques supo premiar con un concierto grandioso y, a la vez, muy pedagógico.

Jayme Marques decidió fijar su residencia en España hace ya de ello casi 52 años. Y de cómo desde nuestro país, se convirtió en el mayor introductor del “bossa nova” no sólo en España, sino en toda Europa. Porque ese ha sido el gran y magnífico legado –además de sus composiciones y su maestría indiscutible como músico- del brasileño, Jayme Marques, cuyo nombre está impregnado de un halo especial, para todos aquellos que en España hemos sido y somos amantes del “nuevo brote” musical surgido en Río de Janeiro hacia finales de la década de los 50 del siglo XX: la “bossa nova”.

Pregunta.- Jayme, tú formaste parte de todo aquel movimiento surgido en Río de Janeiro, porque tu familia se traslada allí desde Campo Grande, la capital del estado Mato Grosso del Sur, cuando tenías 14 años. ¿Cómo fue aquel “brote nuevo” en Río?

Respuesta.- Cuando llegué a Río de Janeiro, lo primero que detecté es que la música que allí se escuchaba y practicaba era mucho más sensual que en el resto de Brasil. En São Paulo, Bahía y en casi todo el país, el “samba” era la seña de identidad por así decirlo. Pero en Río de Janeiro todo era diferente; incluso el “samba” interpretado allí es diferente. La ciudad mantiene un “algo”, un ambiente que te impregnas de él y te envuelve haciéndote flotar en el espacio. La atmósfera y su paisaje te condiciona absolutamente; la sensibilidad es la protagonista de sus habitantes y desde que llegué ese ambiente se apoderó de mí. Cuando mi familia llega a Río de Janeiro yo no era aún un músico profesional. Sí tocaba la guitarra, pero no fue hasta llegar a Río cuando ya tomé más conciencia de lo que deseaba hacer y trabajaba, estudiaba solfeo y guitarra y durante los fines de semana tocaba con una orquesta, que me proporcionó el tomar contacto directo con los músicos profesionales. El nacimiento de la “bossa nova” no partió de estos músicos, sino de personas de mi edad, universitarios de los barrios de Copacabana e Ipanema, que fueron los verdaderos impulsores del nuevo movimiento musical. Era una fusión entre el “samba” y el jazz norteamericano, pero con esa sensualidad a la que antes hice referencia. No obstante, tanto estos universitarios como los músicos profesionales con los que yo tocaba los fines de semana en Río habíamos mamado todos de las mismas fuentes.

Cuando cumplí los 20 años, me trasladé a São Paulo y es allí donde verdaderamente nace, de manera oficial, lo que después hemos conocido como “bossa nova”, que no era otra cosa que la música que se tocaba habitualmente en los clubs de Río de Janeiro. Esto es, samba y jazz pero siempre improvisando lo que podríamos denominar como “jazz brasileño” y que fue bautizado como “bossa nova”. Y fue en São Paulo con la aparición de Joao Gilberto cantando el primer “bossa nova”, “Chega de Saudade”, cuando este nuevo movimiento musical tomó carta de naturaleza. Ese es el comienzo oficial de la “bossa nova”. Y es halagador para mí, cuando los aficionados me escuchan interpretar ésta u otras canciones o creaciones musicales de este género y me dicen que aquellos creadores “tocan igual que yo”. Ciertamente, esto es muy confortable para mí pero también es cómo suena y se toca la música carioca. Cómo se interpretaba por aquellos días en aquellos clubes, destinados a gente privilegiada con “posibles” (me refiero a que tenían cierto nivel económico) porque aquellas salas eran muy caras para una gran mayoría. Todo aquel ambiente produjo un choque entre el samba más tradicional, el de la tierra, y la bossa nova a la que calificaron como un “samba americanizado”, muy desafinado y otras críticas más. Al final, el acercamiento total se llevó a cabo y hoy en día la “bossa nova” es inequívocamente carioca.

Uno de los momentos del concierto.

P.- Pero ha sido más bien al revés, ¿no? Han sido los norteamericanos los que se acercaron a la “bossa nova” y no ésta al jazz.
R.- Efectivamente. Mira, te voy a contar algo que nunca he contado en ninguna de las entrevistas que me han realizado en toda mi vida. Cuando nos trasladamos a Europa hicimos nuestra primera parada en Portugal. Después de asistir a un concierto de la orquesta de Quincy Jones –que por entonces había ganado el Premio a la Mejor Banda del Año- y estaba realizando una gira en la primavera de 1960. Bien, pues después de asistir a su concierto en el teatro Roma el director del “Hot Club” nos dijo si después del concierto de la orquesta de Quincy estaríamos dispuestos a ir al local, para tocar la música que interpretábamos, que habíamos traído de Brasil la orquesta “Orfeo Negro”. Le contestamos que sí y hacia el “Hot Club” nos marchamos. Cuando la banda de Jones finalizó su actuación, nuestra orquesta subió al escenario y comenzó a tocar la “bossa nova”. A los quince minutos, los músicos de Quincy se abalanzaron sobre nosotros pidiéndonos que les dejáramos tocar a ellos esa música. Se habían contagiado totalmente y teníamos al saxofonista, pianista, en fin, a todos los músicos de Jones tocando con los de nuestra orquesta salvo su guitarrista que me indicó: “No, tú continúa porque la guitarra es el eje de esta melodía”. Y efectivamente, la guitarra es la que marca esa sensualidad de la “bossa nova”.
P.- Durante todos estos años has recibido muchos y variados homenajes y premios. Quiero detenerme en el que protagonizaste en 2009, en el Club “Vinicius”, en el barrio de Ipanema en Río de Janeiro, merced a María Creuza, como divulgador y conservador de la “bossa nova” tal y como se concibió. Supongo que ese reconocimiento ha sido uno de los más entrañables para ti.
R.- Fue muy bonito. Durante 15 días estuve con María Creuza tocando en el club “Vinicius”. Fue muy emocionante.

Un momento de la entrevista.

P.- Nos has relatado cómo nace la “bossa nova”, pero dentro de ella han existido iconos sin los que, tal vez, esta nueva música no hubiera llegado a ser lo que ha logrado. Por ejemplo, el propio Vinicius de Moraes. Sin él, las letras no habrían tenido el peso que tuvieron o no se habría descubierto a tanto músicos como el propio poeta descubrió para esta música.

R.- Exactamente. Creo que no habría sido así. Vinicius era un hombre que cantaba desde dentro, que su poesía estaba muy pegada al pueblo. Por eso, todo lo que describía en sus letras estaba absolutamente identificado con el pueblo llano. Tal vez por esa cercanía, la academia de los poetas tardó muchos años en admitirle como tal. Decían de él que era el “poeta vagabundo” por sus letras, su adicción al whisky, su filosofía de la vida… Era una persona culta y preparada ya que estudió la carrera diplomática, pero lo dejó todo para dedicarse a descubrir valores en Brasil y proyectarlos por todo el mundo. Y así descubrió a voces y artistas como María Creuza, María Bethania, Caetano Veloso, Gilberto Gil; todos ellos bahianos que pasaron por el filtro de Vinicius de Moraes aunque más tarde cada cual continuó su trayectoria según sus gustos y preferencias. Pero Vinicius –a pesar de cantar mal, porque no afinaba bien- cantaba sus letras tan reales y con una fuerza tan aplastante, que suplía todo lo demás.

P.- Pero es que la poesía de Vinicius de Moraes era como un pilar de la “bossa nova”. Se podría definir, tal vez, como una parte imprescindible de esa escuela y una muestra inequívoca, creo yo, fueron las grabaciones de “La Fusa”, en Argentina.
R.- Pues sí. Mira, a lo largo de mis viajes por el mundo me ocurrió, en Finlandia y Japón, que la gente venía con discos de vinilo de esas grabaciones hasta mi camerino para que se los firmara. Imagínate la situación. Mi armonía está en la línea de Jobim y, sin embargo, el público me ve más Vinicius cuando canto. Y puede ser así, porque siento a Vinicius cuando utilizo la voz porque esas canciones, en sus letras, dicen mucho. Nos hablan del amor y del desamor; incluso en algunos de esos textos se podía descubrir cierto tinte “machista”. Y sin embargo, las mujeres decían: “Es encantador”. Así era Vinicius de Moraes.

P.- Después de tantos años en España se puede observar que Jayme Marques conserva los músicos con los que inició sus grabaciones discográficas y sus conciertos. Me refiero a Manolo Heredia, Horacio Icasto, Juan Carlos Mendoza… Eres amigo de tus amigos.
R.- Todos, todos. Mira, en Brasil los músicos me apoyaron mucho porque, según ellos, encontraron en mí un valor que yo siempre pensaba que no merecía porque pensaba que no estaba al nivel de ellos. Y yo hice lo mismo con muchos músicos aquí en España. No les enseñé a tocar, pero sí les enseñé cómo tocar. El paso de los años te van enseñando cómo llegar al público con sencillez. Es la belleza de lo sencillo, pero sin olvidar lo que has aprendido. Porque yo puedo estar cantando un tema de Vinicius o de Jobim más o menos bien, pero si hay alguien que entienda de guitarra o armonía podrá comprobar que la técnica al interpretar con la guitarra es la correcta y está ahí mientras canto. Es poner en práctica todo el conocimiento de mis estudios como apoyo para expresar de la manera más sencilla posible. Entonces estos músicos que has citado continúan conmigo, porque hemos cultivado esa amistad y manera de expresar la música. Como muestra, te citaré el Brasil Project que se emite en Antena 3; el Brasil Blues Project, en Telecinco; y para las autonómicas grabamos el Brasil Funky Project. En estas tres formaciones no canto, si no que soy guitarrista y hacemos “jazz Brasil”, con el sonido típico de los quintetos, sextetos de jazz de mi país igual al que sonaba en la década de los 60 del pasado siglo XX. En definitiva, que utilicé la técnica que estudié en Berkeley a través de la cual aprendes la teoría de la armonía para después ponerla en práctica.

P.- En tu concierto aquí en Murcia, te has traído tu disco “50 años de Bossa Nova” y te he escuchado afirmar que la “bossa” es la esencia de toda la música brasileña.
R.- Y es así. Mira, a la gente les doy un consejo (que no es correcto, pero Internet está ahí para utilizarlo y tener acceso a la música, entre otras muchas cosas): que se bajen, por ejemplo, un encuentro en Río de Janeiro –un homenaje a Antonio Carlos Jobim- realizado por Herbie Hancock, Gonzalo Rubalcaba, el contrabajista Ron Carter y otros músicos más, tremendos todos ellos, también recuerdo a Oscar Castro Neves a quien conocí en Madrid cuando dirigía la orquesta para el programa de TVE “Directísimo”, y Castro Neves me aconsejaba que no dejara de tocar la guitarra. Recuerdo cuando abandoné la orquesta “Orfeo Negro” para montar mi propio grupo, además de conservar una tremenda amistad hasta su muerte, tuve el aval del recordado Tete Montoliú; de Pedro Iturralde o Augusto Algueró (también fallecido) que era un músico fabuloso. Entonces cuando necesito un músico para mi grupo acudo, por ejemplo, a Jorge Pardo que comenzó conmigo tocando el flautín. Sus padres me decían “Jayme, cuídalo”. Otro músico que conocí con 14 años fue a Paco de Lucía, que me decía le enseñara los acordes de la música brasileña, que asimiló y trasladó al flamenco enriqueciéndolo pero sin perder su esencia. Quiero decir con todas estas pequeñas historias que te recuerdo ahora, que la gente debe acudir a las fuentes en las que nació la “bossa nova”, para poder conocer esa esencia e historia de esta música y una vez conocida saber dónde encontrarla en la actualidad.

P.- Probablemente, muchos se pregunten el por qué una persona de 75 años continúa por los escenarios interpretando la música de su vida. La actuación en directo, el subirse a un escenario para mantener ese contacto con el público ¿es como una especie de droga?
R.- Sí. Lo necesitamos. Los músicos necesitamos el contacto directo con el público. Mira con mis 75 años de edad, me siento como si tuviera ahora 30, a nivel interior; sobre todo, cuando estoy en el escenario. Quiero decir con ello que la música, me da vida. La necesito y, por lo general, se puede comprobar en todos los músicos veteranos que esto es así. Pero quiero volver a hablar del disco “50 Años de Bossa Nova”. Ese disco fue grabado en directo, en el desaparecido “Whisky Jazz”, de Madrid, en 1988 y hoy, en 2011, continúo tocando igual que entonces (tal vez con un poco menos de técnica ahora). Quiero decir que esa grabación ha quedado como una demostración clara de la conexión entre el público y mi música, mis músicos, a los que indicaba cómo había que tocar en cada tema. Hoy, aquí en “La Puerta Falsa” de Murcia, me ha ocurrido lo mismo con el pianista cubano, Gallego Rivas, al que no conocía y he tocado con él tres piezas indicándole previamente cómo había que hacer los tres solos de piano. Igual él ya lo había entendido así, pero yo tenía que recordárselo para que luego, en el concierto, resultase como yo creo que hay que tocar la “bossa nova”. Por cierto, que Murcia es una de las ciudades y regiones por las que he dejado mi música durante todos estos años y me siento como en mi casa. Quiero que lo sepan los aficionados y seguidores de mi trayectoria en esta zona de España. Es, siempre, un placer venir a tocar por aquí.

Así es y se muestra Jayme Marques. Un enorme músico que hace 51 años llegó desde Brasil, para difundir la música que casi acababa de nacer en su país y a la que llamaron “bossa nova”. Su concierto del pasado 28 de octubre del año en curso en el mítico club “La Puerta Falsa” de Murcia capital ha sido, como en ocasiones anteriores, un auténtico placer y una clase magistral de una persona que sabe trasladar todo el espíritu de ese género con una tremenda sencillez. En este primero de noviembre, la sala “Clamores”, de Madrid, le ha incluido en un concierto homenaje a los mejores, junto con Rafa López, Jorge Reyes ''El Gato'', Rolando Columbie y Pepe Ébano. Felicitaciones para todos ellos y, en especial, para Jayme Marques: el gran difusor de la “bossa nova”, del “jazz de Brasil”, en toda Europa.

Todas las fotos de esta entrevista son obra de GOIO VILLANUEVA.

Jayme Marques volvió a deleitarnos con su música.

JAZZ Y BOSSA NOVA EN MURCIA

2011-10-25T14:28:00.006+02:00

Cartel del concierto en Jazzazza

Desde luego, en esta nuestra "bendita" Murcia o no llegamos o nos pasamos. Y me explico. O tenemos una falta casi absoluta de conciertos interesantes (y no es que los que se dan a cargo de los músicos locales o regionales no lo sean, que no es eso), o las diferentes salas los programan casi todos a la vez. Es decir, que nos coinciden en día y casi la misma hora. Eso es lo que nos ocurre con este viernes, 28 de octubre de 2011 y a continuación verán el por qué.

En la pedanía murciana de Algezares se ubica JAZZAZZA; una sala que como su slogan indica "Esto no es un bar", a lo que yo añadiría "Es un club de Jazz". Pues bien, su dueño, el conocido "Jota", viene realizando verdaderos esfuerzos económicos por impregnar su local -pero al tiempo, a Murcia- de una atmósfera auténtica en este género musical y con un alto distintivo de calidad. Creo que es conocido por una mayoría de los lectores de la zona su programación de años atrás hasta estos momentos pero para los que desconocen la misma, les aconsejo que pinchen el nombre del local y les dirigirán a su blog donde podrán ponerse al día.

El caso es que para este viernes, día 28 de Octubre del año en curso, nuestro amigo "Jota" se ha hecho con uno de los dos únicos conciertos que el cuarteto del saxofonista inglés afincado en Nueva York, Will Vinson, va a ofrecer en España y dentro de su nueva Gira por Europa. Vinson está considerado en estos momentos, como una de las más firmes y prometedoras promesas del género; sobre todo, muchos otros músicos le consideran como un saxofonista alto increíble y muy novedoso e innovador. Junto a él, le acompañan Orlando Le Fleming, al contrabajo, y el baterista, Jochen Rueckert. El cuarteto se completa con la invitación de Vinton a su amigo Mike Moreno, a la guitarra. Para los que amamos el jazz, la ocasión es única. Esto es, o acudes a Jazzazza a verlos o tienes que hacerte un hueco y viajar un día antes hasta Valencia. Lo dejo al gusto de cada cual.

El guitarrista, compositor y arreglista brasileño Jayme Marques

E insisto en lo anteriormente expuesto, porque este mismo viernes 28 de Octubre de 2011 y a la misma hora, once de la noche, el mítico local del jazz por excelencia en Murcia desde la década de los 80 del pasado siglo, La Puerta Falsa, ha logrado traerse al no menos mítico guitarrista brasileño afincado en España, Jayme Marques. Como lo están leyendo.

Jayme Marques llegó a España hacia 1960, con una orquesta muy recordada llamada Orfeo Negro de la que Marques fue su guitarrista y posterior director musical. Con ella, el músico nacido en Mato Grosso introdujo en nuestro país el "bossa nova"; ese nuevo ritmo nacido en Río de Janeiro y Bahía que como el propio Jayme Marques ha definido "es una música increíble, ya que fusiona el samba y el jazz".

Jayme Marques ha visitado Murcia en varias ocasiones pero, personalmente, desde 1977 ó 1978 no tenía el inmenso placer de verle en directo (entonces ofreció un increíble concierto en la desaparecida "Carroza" de Murcia), en unos años en los que llevaría a cabo una de las etapas más fructíferas de su producción discográfica (por entonces se había editado con el sello RCA, su LP "So much feeling", en el que se integraba, entre otras composiciones, la "Carta a Tom", por Antonio Carlos Jobim).

Pues bien. Ya tenemos la polémica servida. O te marchas a Jazzazza para ver al cuarteto del saxofonista Will Vinton o, por el contrario, te decides por la veteranía del brasileño Jayme Marques en La Puerta Falsa. ¿Qué hacer? Ese es un dilema que usted mismo, querido lector y aficionado, tiene que dilucidar en solitario o con el consejo de sus allegados. Me parece que la elección es difícil, pero hay que elegir. Y el que suscribe, por razones de añoranza y fidelidad a un amigo de muchos años, ha decidido acercarse a saludar a Jayme Marques y disfrutar un buen rato de su música y su conversación. Ustedes hagan lo que mejor vean, que nadie les va a reprochar nada. Si acaso, yo insistiré en que las salas de Murcia capital y alrederores se pongan de acuerdo (siempre que las agendas de los músicos se lo permitan), para no coincidir en día y hora con sus programaciones. Los aficionados se lo agradeceremos y los músicos (insisto, siempre que puedan) también.

MÚSICA PARA UNOS CUANTOS "SOLIDARIOS"

2011-10-04T23:27:00.001+02:00

Ramón Climent, pianista y líder del grupo.

Este lunes, 3 de Octubre de 2011, se ha celebrado en el Hotel Amaltea de Lorca, la Cocina Solidaria por Lorca; un evento que ha reunido a un selecto grupo de prestigiosos "artesanos de los fogones" quienes de una manera altruista han puesto sus conocimientos culinarios al servicio de todas aquellas personas que eligieron ser solidarias.

Las diferentes propuestas fueron muy bien acogidas (lógicamente, unas más que otras), que fueron acompañadas por excelentes caldos de la Región de Murcia, mejores postres y no digamos el "stand" dedicado a los cafés: extraordinarios. Todo aquello obedecía a incrementar los fondos que ayuden a las familias afectadas por el terremoto que dejó una buena parte de Lorca en ruinas. El complemento a esta cena, lo puso el nuevo grupo del prestigioso músico murciano, Ramón Climent, al que ha denominado JAZZTET. Es un concepto con una base sobre la que ampliar o reducir esta formación. La que acudió a la mencionada Cocina Solidaria por Lorca fue extensa: ocho músicos. Además de Ramón Climent al piano y dirección, estaban Inge Sunde, trompeta y fliscorno; Bernt Brinck-Johnsen, saxos tenor y barítono; Sara Zamora y Pedro Luis Hidalgo, voces; Sergio Valcárcel, contrabajo; Raúl García, batería y el que suscribe, percusión.

Pedro Luis Hidalgo, voz.

La experiencia fue muy satisfactoria y gratificante. Espero repetir en el futuro, porque estoy empeñado en retomar mi faceta como músico después de haberla abandonado por el Periodismo. De momento, las ocasiones en las que mis amigos músicos me han invitado a subir al escenario han sido un regalo y he disfrutado muchísimo. Pero no quiero hablar de mi (que es lo menos importante), sino de esa formación que lidera Ramón Climent: JAZZTET. Quédense con ese nombre y sigan las evoluciones de este grupo de excelentes músicos, en los que se mezclan la veteranía con la juventud adobadas ambas por la experiencia contrastada. Es un lujo escucharlos y pueden convertirse en una cita ineludible en un corto plazo de tiempo. Luego no me reprochen que no les advertí.

Bernt Brinck-Johnsen, saxos, e Inge Sunde, trompeta y fliscorno.

Sara Zamora, una belleza de voz y de espíritu.

Sergio D. Valcárcel, contrabajo.

Raúl García, batería.

El que firma esta crónica, como invitado, percusión.

A todos los que asistieron a este acto y nos mostraron su apoyo y admiración, GRACIAS. Y hasta la próxima, que esperemos sea muy pronto. Y una vez más, nuestro más grandioso agradecimiento a otro excelente amigo de todos nosotros, Goio Villanueva, por sus fotografías. Él también fue "solidario".

CENA SOLIDARIA POR LORCA, CON MÚSICA DE FONDO

2011-09-26T20:29:00.001+02:00

Los devastadores efectos que dejó el terremoto del pasado mes de Mayo en la ciudad murciana de Lorca vienen movilizando a diversos colectivos particulares, que organizan eventos en su ámbito natural al objeto de recaudar fondos para los damnificados. Una de esas instituciones es EURO-TOQUES. Comunidad Europea de Cocineros, que se ha "movilizado" para agrupar a varios de sus componentes españoles y preparar una "Cena Solidaria por Lorca".

El lugar elegido para ello es el Hotel Amaltea, en la Ciudad del Sol, el próximo lunes, 3 de Octubre del año en curso. En el transcurso de este acto se compartirán mesas, manteles y excelentes platos cocinados por nombres tan reconocidos como Raimundo González; la última "Estrella Michelín" de la Región de Murcia, Pablo González-Conejero, así como Mario Sandoval, Susi Días y Paco Torreblanca que forman parte de la representación de reconocidos restauradores que cocinarán esa noche de manera altruista. Ovbiamente, la recaudación íntegra de esta Cena Solidaria irá a esos damnificados lorquinos.

Igualmente durante este acto, se va a galardonar a la Federación de Asociaciones de la Prensa de España, como representante de los medios de comunicación nacionales en los que se reconoce el trabajo y su labor informativa en todo este suceso. También se galardona al Colegio de Periodistas de la Región de Murcia, como representación y en reconocimiento del trabajo de los profesionales murcianos de estos medios. Junto a ellos, se reconoce la disposición de la Cooperativa Agrofer, que puso sus instalaciones a disposición de todo el operativo que se habilitó a raíz de tan lamentable suceso para recepcionar las ayudas que llegaban, así como a la Asociación Profesional de Hosteleros de Lorca, Hostelor, por la impagable labor reconfortante que desplegó en aquellos momentos.

Y todo ello, se va a "decorar" con música de fondo. Sus protagonistas serán los componentes del grupo que capitanea el veterano Ramón Climent, quien de manera amable me ha invitado a su grupo para intervenir en algunas de las piezas que allí sonarán. Será una experiencia más en mi regreso a la música, que ya he repetido con Ramón Climent en tres ocasiones anteriores. La última -y más reciente- ha sido el pasado sábado en el Bar Piscina Lago Jardin, de Torrevieja, como muestra la instantánea del fotógrafo de conciertos, Goio Villanueva, quien también inmortalizará con sus cámaras los diversos momentos del acto en Lorca.

Y un aspecto muy importante para alcanzar el objetivo de esa Cena Solidaria por Lorca: dónde dirigirse para poder adquirir sus reservas. Pues a Antonio Rodríguez Campuzano, delegado de Euro-Toques en la Región, al teléfono 654 705 800. También en www.euro-toques.es .

Ramón Climent y parte de su grupo, al que fui invitado.

REGRESO A LAS "JAM"

2011-09-26T15:33:00.003+02:00

Curro García (batería) y Andrés Lizón (contrabajo).

El verano 2011 ha finalizado y con la nueva estación, también han regresado las sesiones "jam" a La Puerta Falsa. La primera de esta nueva temporada -que organiza la Asociación ZARANGOJAZZ- tuvo lugar el pasado 22 de septiembre del año en curso, con Smart Set Quartet como grupo base integrado por Javier Bermejo, al piano; Lolo García, saxo tenor; Andrés Lizón, contrabajo, y el baterista, Curro García.

Javier Bermejo, piano

Como bien saben los aficionados, una "jam session" es la reunión de músicos de jazz que acuden a una actuación para participar en ella dando rienda suelta a sus conocimientos musicales. Esto es, a la improvisación. La verdad es que son, por lo general, bastantes interesantes ya que durante su transcurso podemos disfrutar con los diferentes músicos que suben al escenario, comunicándonos con ellos a través de la música.

Lolo García, saxo tenor.

Andrés Lizón, contrabajo.

La "jam" del pasado día 22 de septiembre en La Puerta Falsa murciana fue una de esas ocasiones. El Smart Set Quartet es una consolidada formación cuyos integrantes están a caballo entre las provincias de Murcia y Alicante, que siempre te dejan una excelente sensación tras escucharlos. Piezas del "Real Book" (es decir, estándares), al objeto de que los diversos músicos que fueron sumándose pudieran ser conocedores de los temas y, sobre ellos, dejar que la libertad musical tomara el protagonismo en cada momento. La primera sorpresa de la noche fue la que nos procuró Bernt Brindx-Johnsen; un buen saxofonista noruego que él mismo se presentó como "nuevo en estas jam y espero que todo salga bien y les guste". Y nos gustó. Bernt es un veterano músico (y se nota), que tiene su ritmo más en el "tempo" norteamericano que en el europeo (algo más lento) pero que sabe adaptarse rápidamente al momento y circunstancias. La verdad es que sus solos fueron limpiamente ejecutados, al tiempo que "adornaba" la melodía cuando el quinteto la desarrollaba.

Bernt Brindx-Johnsen, saxo alto

Bueno, más tarde llegarían otras historias como "Stan by me" que cantó María Dolores Jaraba. O tres de los componentes de Traffic Jam (de Cartagena), acompañados por el "incombustible" contrabajista Andrés Lizón (así le denominó el Maestro de Ceremonias, Sebastián Mondéjar). Por cierto, que en esta "jam" del 22, los allí presente descubrimos nuevas facetas en algunos de los músicos que pisaron el entarimado: la desnudez de sus piés. Después descubrí el motivo; llevaban chanclas y ese "calzado" para tocar el piano o la batería no es apropiado. Así que mejor descalzarse para evitar males mayores. Goio Villanueva (el autor de todas estas fotos) recogió una muestra de ello.

Los piés desnudos de un pianista.

Víctor Díaz, guitarra.

Israel Martínez, batería.

Le siguieron un trío de jóvenes músicos (están comenzando y creo recordar que la del pasado jueves era su debut), para interpretar dos "clásicos" del género acompañado al piano por el cubano Gallego Rivas. No estuvo mal. Y después, lo que he denominado "el momento de los veteranos". Esto es Chema Espejo, Sebastián Mondéjar, Brindx-Johnsen, Claudio Ramón González, Gallego Rivas y el que suscribe. Unas piezas de "soul y rhythm & blues". Bueno, la cosa quedó que no es poco para éste que lo es.

En definitiva, que con el Otoño las "jam sessions" que organiza la Asociación "Zarangojazz" han regresado a La Puerta Falsa y con ellas, los momentos de diversión, amistad y buena música en un no menos sensacional ambiente. ¿Qué más se puede pedir? Pues al personal en general que acude a estas sesiones, que intenten respetar el trabajo de los músicos cuando están tocando. Es decir, que bajen bastante más el volumen de sus conversaciones, mientras los músicos tocan las piezas. Sería muy deseable por parte de una mayoría de los que allí nos citamos. Es un consejo y, a la vez, una modesta petición. Lo agradeceríamos mucho.

Las fotos de esta crónica son obra de GOIO VILLANUEVA, cuyos enlaces puedes pinchar en la columna de la derecha de este blog.

El grupo de "veteranos" en acción.

PLANETROX O LO QUE PARECIÓ UN AMAÑO EN LA FASE ESPAÑOLA

2011-08-26T18:21:00.004+02:00

Cartel de Promoción del PLANETROX

ENVOL ET MACADAM es una empresa que lleva 15 años dedicada a promocionar y descubrir bandas de música alternativa. En este año de 2011 pusieron en marcha el "PlanetRox", cuyo objetivo es descubrir (en este primer año) a las mejores bandas de diferentes países tales como Canadá, USA, Francia, Bélgica, UK, Alemania, Noruega, Irlanda, Italia, España, Japón, China, Malasia, Filipinas y Korea. Un total de 15 bandas que ganada la fase de su país disputarán el Primer Premio de este también primer "PlanetRox", en el Festival Envol et Macadam a celebrar el próximo mes de septiembre, en la ciudad canadiense de Quebec cuyo ayuntamiento colabora con el evento. Es el festival de música alternativa más importante de los que se celebran y cuenta con un prestigio internacional muy importante. Pero lo que verdaderamente me ha movido a escribir este artículo han sido las circunstancias "tan enormemente curiosas" (cuando menos), que acaecieron durante la final de la fase española celebrada el pasado día 19 de agosto de este 2011, en la sala "Old School" situada en la pedanía murciana de El Puntal. El relato de los diversos acontecimientos de "la noche de aquel día" son diversos y variados, que paso a detallarles a continuación, tras un trabajo de campo con parte de los protagonistas de esa "terrible" noche desorganizada e improvisada a todas luces, como convendrán conmigo cuando lean lo que les cuento seguidamente.

El grupo Plastificated durante su actuación

Semanas previas a esta final española, el organizador de esta fase en nuestro país publicitó a través de Facebook (PlanetRox Spain) los cinco grupos que habían quedado finalistas (ovbiamente, meses antes se había promocionado el evento, para captar a todos aquellos grupos que desearan participar en el mismo) y detallando que de los ocho resultantes, cinco serían los que disputarían esa final en España. Para ello, los votos del público serían los que determinarían esos cinco finalistas. La manera de hacer llegar el voto era a través de Internet, previo registro del votante. Finalmente fueron elegidos los grupos Inner Zest, Plastificated, Corelyn, Chocolate Mama y Chechu y Los Impresentables; estos últimos, gallegos, no pudieron trasladarse a Murcia por, según ha explicado el propio Chechu en la página de Facebook, problemas de economía que sufragara el viaje y la estancia aunque lo intentarán el próximo año. Hasta aquí, todo correcto. Pero nos situamos en el día 19, la fecha elegida para desarrollar los conciertos de esa final española de la que saldría el grupo español que representaría a nuestro país en la final mundial de Quebec.

Desde PlanetRox Spain (así se anunciaba en Facebook), se explicaron los porcentajes de votos: el 50% desde el público asistente y el otro 50% del Jurado nombrado al efecto.El precio de la entrada era de //0'0€// (es decir, libre). A pesar de lo que se publicitó en el web, a las bandas -lejos de cumplir con lo indicado en las bases del concurso- no se les había indicado la hora de las pruebas de sonido ni se les informó del "backline" que la organización ponía a su disposición para la actuación. Alguno de los grupos tuvieron que preocuparse de preguntar la hora de las pruebas de sonido y se les cita a las 18:00 horas, para tal fin. Todos actuarían con el mismo "backline" o lo que es lo mismo, con igual equipo de sonido. Las puertas de la sala "Old School" se abrirían a las 21:00 horas y los conciertos comenzarían a las 22:00 horas hasta su término. Cada grupo disponía de 20 minutos para su actuación. Bueno. También hasta aquí (con la salvedad de la prueba de sonido y el "backline"), todo clarito y sin ninguna contrariedad. Lo malo fue después.

Cuando el público comenzó a llegar entre las 21 y 22 horas, se encontró con la sorpresa de que todavía no se habían llevado a cabo las pruebas de sonido (primera en la frente). Se nos anuncia que en lugar de comenzar a las 22:00 horas, se hará a las 23:00 (bueno, una hora pasa pronto y unas cervezas no venían mal, para aplacar el sofocante calor de Murcia en agosto). Se nos informa de que están esperando al grupo gallego para una media hora más tarde indicarnos que, finalmente, no vienen. A las 23:25 horas me dirijo al organizador español (un viejo conocido del que suscribe) y le pregunto qué está ocurriendo y me contesta que "esto es rock y ya sabes lo que ocurre". ¿...? Le argumento que no tienen por qué ocurrir estas tropelías, que tiene a los grupos allí desde las 18:00 horas y que casi seis horas después -ya que se habían realizado las pruebas de sonido-, aquello tenía que comenzar de inmediato. También me explicó que había tenido un problema con el "backline" y, bueno, que comenzaban enseguida como así fue: a las 23:40 horas. Pero antes de ello, cuál no sería nuestra sorpresa cuando se nos invita a todos a salir del local y adquirir la entrada-voto al precio de //3'-€// y sin derecho a consumición. Según explicó este mismo promotor español, él conocía esa circunstancia que imponía la organización internacinal del PlanetRox pero, curiosamente, NO LA HABÍA INDICADO EN LA WEB. Creo que ese matiz acabó con la paciencia del personal que sin dudarlo, se mostró muy molesto y crítico con la organización, toda vez que por Internet se había publicitado justamente lo contrario. Bueno y ante aquello, los asistentes reaccionaron de diferentes maneras. Algunos se dispusieron a comprar votos a 3€, para poder apostar por su grupo. Otros recibieron la consigna de no comprar ni un solo voto ya que se someterían a la decisión del Jurado. Y el resto no compraba votos, pero sus entradas y salidas al local para adquirir sus consumiciones eran casi incesantes. Y mientras actuaban los dos últimos grupos, el organizador español LLEGÓ A REGALAR ESOS VOTOS. Es decir, que no cobró por ellos con lo que hizo un GRAVÍSIMO AGRAVIO COMPARATIVO en relación a los primeros que SÍ PAGARON ESE VOTO. ¡Madre mía, cuánto despropósito y qué vergüenza ajena teníamos todos!

Un momento de la actuación de Inner Zest

Una vez realizado el sorteo previo, el escenario acogió al primer grupo: los murcianos de Plastificated, que contaban con un buen número de seguidores y derrocharon ganas y talento durante sus 20 minutos de gloria. Tras ellos, los catalanes de Corelyn, con un estilo diferente a sus predecesores y que también intentaron agradar al público que allí se dio cita. Más tarde llegó el turno para otros murcianos: Inner Zest. Nada que ver con la música de los dos grupos anteriores, en una línea que recuerda las influencias de muchas y buenas bandas de los 70 y 80 aunque sus temas poseen personalidad y son originales del grupo, como todos los que allí sonaron (obligados por la organización). Y, finalmente, los cartageneros de Chocolate Mamá; tal vez, los que más posibilidades tenían, junto a Inner Zest, de alzarse con el triunfo final por su música y puesta en escena. En suma, que la suerte estaba echada.

Bueno, pues tocaba esperar a que se realizara el recuento de los votos del público que sumados a la decisión del Jurado nos darían los resultados. Ni que decir tiene que el público se había calmado un poco con los conciertos, pero no así con ese pequeño "atraco" de los 3 € y, encima, más cabreo porque a los que después se dispusieron a comprar papeletas de voto, se las regalaron. Los primeros no podían evitar tener una amarga sensación de "primos" y es lógico. Y llegaron los resultados. Bueno, eso es mucho decir. Más bien, el resultado. Porque el organizador español accedió al escenario cuando no había casi nadie en la sala y en tono muy balbuceante (y claramente ebrio) anunció al grupo ganador: Corelyn. Tan escasamente se le entendió, que tuvo que repetir el nombre del ganador. Pero eso no fue todo. ¿Dónde estaba el grupo ganador? ¿Y los gritos y saltos de alegría de los ganadores? ¿Y el público, que se mostró absolutamente serio e impasible, como el que escucha llover? Aquello más que el anuncio alegre del ganador parecía el vertido de un gran jarro de agua fría sobre todos los asistentes, incluidos los grupos participantes. Y, por cierto, los componentes de CORELYN SÍ ESTABAN ALLÍ, aunque no dentro de la sala. Lo que indica la señora Ouellet de que "habían salido a cenar" es incierto ya que lo habían hecho antes del concierto. Sí estaban fuera de la sala, señora Ouellet.

Los años de profesión me han agudizado el pabellón auditivo y escuchaba comentarios tales como "Esto estaba amañado de antemano". "¿Por qué no han dado el recuento de los votos del público y la suma de éstos con los del Jurado?". Y otros comentarios de más público: "Mira tío, matemáticamente no es posible que hayan ganado estos chicos, porque apenas tenían votos del público a tenor de lo que he controlado en la entrega a la organización". Los integrantes de Chocolate Mamá enviaron esa misma noche un correo electrónico, en el que mostraban todas estas cuestiones que entendían gravísimas irregularidades consentidas no ya por el organizador español (del que conocían su escasa reputación y seriedad en esta lides), si no de la representante de ENVOL ET MACADAM que, curiosamente, resultó ser la misma persona a la que se le remitió el correo: Virginie Ouellet. Se pueden imaginar que en su contestación, la señora Ouellet "tergiversó" algunos aspectos (se me ha facilitado esa contestación), que nada tienen que ver con lo realmente allí sucedido. Si tan "legal" es esta señora, lo que debería hacer es proyectar los vídeos que ella misma filmó en la sala y se comprobarán muchas de las cuestiones que aquí se indican y denuncian.

Chocolate Mamá

El resumen de todo esto nos deja varias interrogantes para el futuro PLANETROX 2012. ¿Por qué una empresa que se autopublicita como la más seria en la organización de música alternativa, como es ENVOL ET MACADAM, no se informa de manera adecuada antes de contratar o ceder la organización de su fase española, haciéndolo con una persona que posee una escasa y no muy brillante "prensa" en este mundillo y que, además, no es ni por asomo el exponente de profesionalidad, seriedad y solvencia que SÍ SE TIENE EN NUESTRO PAÍS? Les recomiendo que hablen con los organizadores de GBOB. Allí le conocen bastante bien. Esta empresa internacional, ENVOL ET MACADAM, con su actitud y "manipulación" de los hechos ocurridos en pasado 19 de Agosto en la sala murciana "Old School" (insisto, según refleja la propia Virginie Ouellet en el correo de contestación a las denuncias del grupo Chocolate Mamá) resqurebraja su imagen de 15 años de solvencia y deja en el aire un ambiente de "razonables dudas" sobre el cumplimiento de sus propias normas en PLANETROX, además de una escasa fiabilidad sobre el proceso de votaciones del concurso del que si tomamos el ejemplo del pasado 19 de agosto en Murcia, se demostró (¡Qué cosas!) "claramente oscuro".
Mucho tendrán que cambiar para la segunda edición de PLANETROX en España la empresa organizadora, si pretende que las bandas o grupos españoles concursen en la edición 2012. Y tendrán que demostrar la solvencia, profesionalidad y seriedad de la organización española para convencer y animar a los grupos de este país a participar, pagar sus cuostas correspondientes y tener la absoluta seguridad de que, en efecto, se elegirá al mejor de los finalistas. Porque aún habiendo estado bien en sus actuaciones respectivas los cuatro finalistas españoles de 2011, en el ambiente ha quedado la certeza de que antes de esta final "todo estaba amañado" y elegido de antemano el grupo que representará a España en Quebec. Esa sensación y la de varios incumplimientos por parte de la organización de sus propias normas, como fue admitir cambios sustanciales en la banda ganadora o lo que muchos de los asistentes calificaron como "timo" en la compra de las papeletas de votos (unas pagadas y otras regaladas). Una lástima que hayan quedado más tinieblas que luces en esta fase española. Esperemos -al menos, ellos así lo han expresado- que Corelyn ponga a España en un magnìfico lugar en esa final de Quebec. Se lo deseamos de todo corazón.

Los catalanes CORELYN representarán a España en Quebec

NUEVA REVISTA MUY INTERESANTE

2011-08-17T19:47:00.000+02:00

Cabecera de la nueva revista

Hace unos días tuve conocimiento de la publicación del número uno de una nueva revista: BATERÍA Y PERCUSIÓN MAGAZINE. Como su propio título indica está dirigida, especialmente, a aquellos lectores interesados en estas parcelas concretas de la música. Pero también a cualquiera que le guste leer sobre música e instrumentos o, simplemente, leer.

El primer número ha dedicado una entrevista al baterista inglés, Simon Phillips, quien, precisamente, forma parte del trío que acompaña a la pianista japonesa HIROMI, presente en la recientemente clausurada XIV edición de JAZZ SAN JAVIER. Junto a esta entrevista, nos encontraremos con otra realizada al baterista español, Pedro Barceló, así como artículos sobre materiales, solfeo, etc. También un especial dedicado a Dave Weckl.

En definitiva, que aplaudo desde este blog esta nueva publicación que seguiré y que recomiendo desde ahora mismo. Para que no tengáis que buscar por ahí os dejo, en la columna de la derecha, el enlace directo para que visitéis su web.

LA MIRADA DE GOIO VILLANUEVA

2011-08-09T14:32:00.000+02:00

El fotógrafo de conciertos, Goio Villanueva, cuelga durante todo el mes de agosto una selección de su obra en la Sala "Mengolero", ubicada en el entorno Cuevas del Rodeo, en la alicantina población de Rojales. Cuevas del Rodeo es un enclave cultural en el que, como su propio nombre indica, una serie de cuevas están dedicadas a diversas materias artesanales, pintura, salas de exposiciones y algun que otro bar-cafetería. En ésta última, por cierto, el guitarrista y cantante murciano, Miguel Bañón, ofreció un recital acústico el pasado viernes, día 5 de agosto del año en curso; fecha en la que Goio Villanueva inauguraba esta muestra de su ya extensa obra fotográfica.

No es la primera exposición (aunque sí de las primeras que lleva a feliz término) del artista bilbaíno. En esta ocasión, el marco es inigualable. Rojales recuperó para la Cultura este enclave de Cuevas del Rodeo, construídas por unos mineros murcianos en el siglo XVIII llegados hasta Rojales para trabajar en labores agrícolas. El oficio de picapedreros, les llevó a construir estas cuevas en la montaña de Rojales creando, de esta manera, una verdadera trama urbana subterránea que más tarde, ante la precariedad de las casas de cañas y barro, constituyó el hogar de generaciones posteriores hasta principios del siglo XX. Este curioso núcleo arquitectónico delimita a Rojales por el sur y constituye un interesante atractivo, que el turista no debe olvidar visitar en su paso por el municipio. Se ubican en este entorno, el Ecomuseo del Hábitat subterráneo y el Zoco artesanal.

Pues, como indicaba, en tan incomparable marco, el fotógrafo Goio Villanueva nos vuelve a impresionar con parte de su trabajo realizado durante el transcurso de los muchos y diversos conciertos de los protagonistas de su obra. La muestra nos da a conocer esos gestos o detalles del músico, mientras lleva a cabo su trabajo frente al público (que es, como Villanueva, donde más se arriesga).

En ocasiones posteriores he destacado la "facilidad de ver la foto" que posee este artista vasco afincado en la Vega Baja del Segura. Como ejemplo, les aconsejo que cuando visiten la exposición hagan un alto en Wynton Marsalis; se puede comprobar el momento de satisfacción y deleite del trompetista de Nueva Orleans, mientras la Lincoln Center Jazz Orchestra interpreta una pieza de su amplio repertorio jazzístico. O esa otra de la cantante Lizz Wright (obtenida durante su concierto en Cartagena), que parece querer detener la intensa luz de los focos de escenario, sin perder la compostura escénica.

En definitiva, que les aconsejo la visita a esta exposición de Goio Villanueva ya que, además de pasar un magnífico rato, también saldrán con la sensación de haber empleado muy bien una parte de este tiempo de verano muy propicio para dedicarlo a otras actividades que, por lo general, el tiempo laboral nos lo impide en muchas ocasiones. Espero que lo disfruten tanto como mi familia y yo lo hicimos el pasado viernes.

BRILLANTE Y ESPECTACULAR CLAUSURA DEL XIV JAZZ SAN JAVIER

2011-08-02T13:13:00.004+02:00

El auditorio del Parque Almansa volvió a llenarse para ver la clausura de Jazz San Javier 2011.

La jornada de clausura del XIV Festival de Jazz de San Javier ha resultado grandiosa, festiva y absolutamente musical en toda la extensión de la palabra. Los protagonistas de tales resultados fueron el septeto parisino, Pink Turtle, y el cantante inglés, Chris Farlowe que vino acompañado por The Norman Beaker Band. Una clausura que volvió a registrar otro lleno absoluto del auditorio del Parque Almansa, sede de este festival a orillas del Mar Menor en la Región de Murcia.

Alberto Nieto reiterando que el público es el valor añadido más importante de esta cita anual con el jazz en San Javier.

Previamente a que ambas formaciones salieran al escenario para ofrecernos sus conciertos, el director de Jazz San Javier, Alberto Nieto, se dirigió al público para agradecerles el apoyo que desde la primera edición ha venido recibiendo y sin el que Jazz San Javier no sería lo que es hoy por hoy, como tampoco hubiera sido posible el alcanzar esas cotas de popularidad y prestigio del que goza. Al tiempo, Nieto hizo votos porque el Festival de Jazz de Murcia capital vuelva a celebrarse para que no se pierda ninguno de los tres con que ha venido contando esta comunidad autónoma. Para Nieto "no sobramos ninguno", concretó.

Tras ello, Nieto anunció a Pink Turtle; un septeto de músicos franceses que tienen una bien y reputada fama en el mundo del jazz, merced a las versiones de éxitos del pop y el rock tan originalmente adaptadas a las diversas corrientes que el género tiene. La formación (por lo que se había podido comprobar en los diversos vídeos que circulan por internet) llegaba a San Javier con unas tremendas ganas de agradar y producir una hora y media de auténtica diversión para el auditorio. Y vaya que lo consiguieron. Su aparición en escena ya indicaba el tremendo sentido del humor de estos magníficos músicos de Paris. El primero fue el baterista Stephane Roger, quien con un semblante muy ceremonioso se dirigió al público pidiendo que iluminaran el auditorio. El fin no era otro que poder fotografiar, de manera adecuada, a todos los allí presentes tras lo que dio las gracias. Y a renglón seguido, los primeros compases de batería dieron paso al resto de la formación integrada por el saxofonista y clarinetista, Pierre-Louis Cas; Jean-Marc Montaut, piano; Michel Bonnet, trompeta; el contrabajista, Laurent Vanhee; Christophe Davot, guitarra; y el trombonista y flautista, Patrick Bacqueville.

Pink Turtle al completo.

Una vez todos en el escenario atacaron “Sledghammer”; pieza con la que iniciaban su concierto que les sirvió también para dar las buenas noches en un perfecto español. Y ya todo fue un continuo desarrollo de los temas que conformaron su actuación en Jazz San Javier. “Take a walk”, “How deep is your love” (conocida pieza de los no menos conocidos Bee Gees), “Get up stand up”, “Hotel California” (dedicada al fotógrafo de conciertos, Goio Villanueva), éxito flamante, resplandeciente o radiante como quiera el aficionado denominarlo del grupo norteamericano Eagles. La diversión era constante y crecía a cada nueva interpretación de este magnífico grupo de instrumentistas parisinos.

Patrick Bacqueville, Michel Bonnet y Pierre_Louis Cas.

El público –que se había entregado por completo- se divertía al máximo. Y ciertamente, además de poder escuchar a unos buenos músicos con un mejor repertorio, también es importante la diversión. Porque la música también proporciona esos momentos, entre otros muchos. Con Pink Turtle en el escenario, nadie podía negar nada de lo que les cuento. Y lo siguieron demostrando con piezas como “Highway to hell”, una increíble versión del éxito de The Beatles, “A hard days night”, “Give a Little bit” o “Imagine”, de John Lennon.

Laurent Vanhee.

Y entonces apareció una de las sorpresas que esta formación siempre guarda para terminar de animar sus conciertos. Al primero que adivinara el título de la canción y el grupo que “se la robó” a Pink Turtle ganaría el último cd de los músicos galos. Eran unos minutos más para el humor, que completaba a la perfección el batería Roger haciendo de “azafata”. Lo adivinó un señor de las primeras filas. Y no era fácil debido al arreglo inicial. Se trataba del éxito de Abba, “Money, Money, Money”. Tras ello, el pianista Jean-Marc Montaut presentó a la banda. Pero ahí no había acabado todo, porque una característica de esta formación originaria de Paris es que incorporan al público a su repertorio. Esto es, que le hacen participar de manera destacada, como lo demostraron con otra canción “original”, que les robó un cantante francés llamado Patrick Hernández, que se convirtió en éxito discotequero en la década de los 80: “Born to be alive”. Una pieza que interpretó el baterista, Stephane Roger, a ritmo de bossa nova, con la mitad del auditorio haciendo el ir de las olas de Copacabana y la otra mitad, el venir de esas mismas olas. Deliciosos y divertidísimos. Todo ello, sin perder ni una sola nota ni fallar en su ejecución.

Stephane Roger interpretando "Born to be alive"

Stephane Roger.

Como indicaba, el público ganó su protagonismo en la última etapa del concierto haciendo los coros de “Smoke on the water”, que aprovechaban para escenificar las danzas de una tribu india norteamericana. Y para finalizar su programa oficial, otro éxito de The Beatles a ritmo de New Orleans: “Hey jude”. Aquello fue fantástico. El público “se los comía” y no querían que se marcharan tan pronto. Coreaban “La, la, la, la, la, la, la Hey jude” y ellos aplaudían a modo de acompañamiento. La locura, para qué les voy a contar más. Tanto insistieron desde las butacas repitiendo el coro de “Hey jude” y silbando, que tuvieron que regresar al escenario para regalar más piezas. Lo primero fue ponerle la música a ese coro y acabar así el tema de The Beatles.

Jean-Marc Montaut.

Y a continuación, como ocurrió a lo largo de toda su actuación, sonó con fuerza la versión de un exitazo del muy recordado Michael Jackson: “Billy Jean”. Bueno, aquello fue el “acabose” que diría un lugareño. La fiesta se había extendido incluso fuera del recinto del auditorio. En el Parque Almansa la gente bailaba al son de esas notas que se escuchaban desde fuera. Hasta los grillos y cucarachas (animalitos propios del verano) danzaban al compás de “Billy Jean”. Para arreglarlo, el guitarrista se recorrió las gradas tocando su solo y resultó “la caña”. ¡Cuánta diversión y música, por Dios! Y un regalo más a cappella: “Los sonidos del silencio”. Dios mío, esta gente alegra la vida al más serio del mundo mundial. Grandiosos y magníficos. Bastantes comentarios rezaban “tienen que volver otro año”. Esperemos que así sea.

Christophe Davot, entre el público de San Javier.

El segundo concierto de esta jornada de clausura del XIV Jazz San Javier tuvo otros aires y decorados centrados en el rhythm & blues anglosajón. Sus protagonistas fueron el cantante Chris Farlowe &The Norman Beaker Band. Músicos veteranos que datan de finales de los años 50 pero, sobre todo, con un protagonismo más acusado en los años 60 y 70 del pasado siglo en los que tanto Chris Farlowe como la banda de su acompañante, Norman Beaker, cobraron un protagonismo que les colocó en lo más alto del racking.

Norman Beaker & Chris Falowe.

Chris Farlowe (cuyo verdadero nombre es John Henry Deighton) nació en Londres en 1940 y ya desde muy joven intervino en diversas bandas del denominado estilo “skiffle”, hasta que a principios de los 60 se pasó al rhythm & blues y se colocó al frente de los Thunderbirds. Una formación que acogió a músicos desconocidos, como él, en aquellos años tales como Albert Lee (que estuvo este año en la jornada inaugural), el bajista Ricky Chapman o más tarde, el baterista Carl Palmer que en la década de los 70 formaría el trío Emerson, Lake & Palmer. Con ese y otros bagajes, Chris Farlowe fue conformando durante estas últimas seis décadas su vida musical que ha sido variada e intensa. Su concierto en San Javier se inició con “Look what you made me do” y “When the fat lady sings”, ambas piezas compuesta por el guitarrista Norman Beaker.

Kim Jun Nishikawara.

Tras dar las gracias por la acogida al auditorio del Parque Almansa y al festival por traerles a esta edición, Farlowe pidió un aplauso para Pink Turtle por su estupendo concierto. Se quejó del calor de San Javier que es, dijo, muy pegajoso y atacó “Blues as blues cant get”. La voz de este cantante londinense de 71 años aún suena con fuerza y es magníficamente arropado por la banda que lidera el guitarrista Norman Beaker y que se completa con David John Baldwin, en los teclados y Hammond B3; Kim Jun Nishikawara, en el saxo y flauta (tal vez, los más jóvenes de toda la banda); el bajista John David Price y el batería, Stephen Harold Gibson, quien también hacía fotos al público entre tema y tema.

Stephen Harold Gibson.

Ni que decir tiene que el repertorio que Farlowe preparó para la clausura del XIV Jazz San Javier estaba cimentado en el blues y, en definitiva, en la música que desde siempre ha puesto en escena y por la que logró llegar al estatus del que siempre ha gozado. Más temas de ese corte fueron “Ain’t no big deal”, “I’ll sing the blues for you” y “All or nothing”. Cuando escuchas con atención a Chris Farlowe te das cuenta de que una parte importante de la música británica está delante de ti y es entonces cuando, de manera inequívoca, repasas esos 60 años de música que el británico atesora en su trayectoria. Como lo demostró con una versión tremenda del viejo éxito de James Brown “Shaky ground”, que puso al público del foso y al de las gradas en estado de “shock”. Ciertamente, nadie podía creer lo que allí estaba comprobando. De cómo una voz de esa edad puede sonar todavía con tanta contundencia, vitalidad y afinamiento. Y es que cuando estos “viejecitos” se ponen las pilas, a los que no lo somos tanto nos ganan por goleada (recuerden, sin ir más lejos, lo que les contamos del concierto de Eric Burdon; otro “veterano” británico, que ha recibido el Premio de esta XIV edición).

Nishikawara y John David Price.

Aunque hay que tener momentos para el sosiego, como los que proporcionó con otra versión increíble de “Loving arms” o “Handbags and gladrags”, que nos dieron un poco de respiro para apartarnos algo de ese calor meteorológico que en esta noche del 30 de julio caía sobre las templadas aguas del Mar Menor. Tras otra pieza más para la tranquilidad como “The guitar don’t lie”, Chris Farlowe dijo “esto es un festival de jazz y blues. ¿Queréis más blues?”, a lo que el público contestó con una única voz: “Sí”. Así es que sonaron las notas de un blues pegajoso como “Stormy mend by blues”. El clímax era inequívocamente de un gran club en sábado por la noche. La banda de Norman Beaker suena como un reloj suizo y ello ayuda muchísimo cuando se quiere convertir un auditorio en esto que comentamos. Pero es que escuchar el solo del saxo tenor que ejecutaba Kim Jun Nishikawara, con el acompañamiento destacado del Hammond B3 era irresistible. Y por si ello era poco, luego fue ese mismo Hammond que tocaba con una maestría asombrosa David John Baldwin, el que tomaba la voz cantante. La temperatura humana del auditorio se había incrementado de manera notable. La jugada culminaba con el riff del líder Norman Beaker, que sacó sonidos deliciosos de su Fender Stratocaster.

Norman Beaker.

Al principio relatábamos que era sábado en la noche; un día de la semana marcado para la diversión. Y el público que llenó el auditorio del Parque Almansa vino, como cada jornada de Jazz San Javier, dispuesto a ello. Por eso no querían que aquella fiesta acabase. E inevitablemente, todo tiene un principio y un final. El de este concierto –al menos, de manera oficial- también había llegado. Lo anunció Chris Farlowe agradeciendo el que, palabras textuales, “este magnífico festival nos haya dado la oportunidad de estar aquí”. Con “Out of time” llegó ese fin. Pero tan sólo fue un punto y aparte, para que Farlowe y la banda que lidera Norman Beaker respiraran un poco, recobraran fuerza y regalaran los bises.

David John Baldwin.

De momento, una vez regresaron al escenario, las notas de “Rock and roll soldier” elevaron la fiesta hasta el cielo. El personal se movía al compás que marcaba Farlowe y la banda de Norman Beaker, aunque durante todo el concierto apenas habían tenido un momento de sosiego. A pesar de guardar todavía una excelente voz, 71 años “pesan” en un concierto aunque te muevas de manera más moderada. Y Chris Farlowe y la banda que lidera el guitarrista Norman Beaker (que tampoco es un chiquillo) volvieron a despedirse del público que les acompañó en Jazz San Javier. Pero esa noche de sábado no era una más, porque tenía la misión de clausurar la XIV edición de este festival. Lo que se traduce en que el personal no estaba por la labor de marcharse pronto (si es que a la una y media de la madrugada, se le puede calificar así para el final de una jornada que se había iniciado a las 21:45 horas del día anterior). El caso es que tanto insistían, que los músicos regresaron al escenario para regalar –ahora sí- la última pieza de su primera visita a Jazz San Javier: “Miss your fever”. El auditorio dio por bueno tanto derroche de generosidad en una banda “tan veterana”, con otra salva de aplausos y silbidos de reconocimiento a un concierto magistralmente ejecutado para despedir a los músicos británicos.

Chris Farlowe.

En definitiva, un magnífico, brillante y gran cierre del XIV Festival de Jazz de San Javier con dos formaciones que supieron captar a los casi dos mil espectadores que llenaban el aforo del auditorio del Parque Almansa. La noche, en lo meteorológico, acompañó bastante (ya sabemos que la humedad, por estas tierras, es una constante difícil de erradicar). En los rostros del público se adivinaban satisfacciones y tristezas al tiempo. Lo primero, por tan brillante cierre para un festival al que ese público sigue aupando hacia lo más alto (22.000 asistentes, a las doce noches de esta edición así lo atestiguan en tiempos de crisis). En cuanto a la tristeza, se mostraba porque todo lo bueno se acaba y la XIV edición ya había echado el telón. Pero como reza el refrán: “Que nos quiten lo bailao”. El director del mismo, Alberto Nieto, nos comentaba que si no hay contratiempos presupuestarios está preparando una XV edición que no se olvidará. Si tengo que hacer honor a la verdad, me lo creo a piés juntillas porque nunca nos hemos sentido defraudados. De la misma manera, el deseo de no haber defraudado al lector que, amablemente, se ha asomado a este blog para seguir la evolución de estas crónicas. Un deseo de quien las ha escrito. Muchísimas gracias a todos, por su curiosidad y, en cualquiera de los casos, a los que son seguidores del blog, mi agradecimiento por su fidelidad. El blog va a continuar describiendo las sensaciones que producen la música. También estará pendiente y atento (aunque ésto último, no siempre lo consigo) a cualesquiera otras manifestaciones de la Cultura, además de la música. Y se lo contaremos con la misma pasión que ponemos en todo. De momento, les dejo con esta crónica de la clausura del XIV Jazz San Javier.

Todas las fotos de esta crónica, así como las del resto de Jazz San Javier son obra de MARTA PINILLA ALDARAVÍ, fotógrafo oficial de JAZZ SAN JAVIER.

Grandioso, Chris Farlowe.

EL TRASBORDADOR HIROMI Y LA CONTAGIOSA ALEGRÍA DE LOS PETERSON

2011-07-26T17:16:00.002+02:00

Hiromi transmite su vitalidad al auditorio

La penúltima jornada de Jazz San Javier en su XIV edición, nos ha dado la oportunidad de volver a disfrutar y, sobre todo, comprobar la evolución de la pianista japonesa, Hiromi, que presentaba su nuevo disco en el mercado titulado “Voice”. Después, como suele ocurrir en cada doble jornada, decorado totalmente diferente y, si cabe, más festivo, para acoger a otro guitarrista que regresa a esta cita veraniega en San Javier: Lucky Peterson. Dos grandes, cada uno en su parcela, para otra noche de sábado en el auditorio del Parque Almansa sede de Jazz San Javier, en la que los aficionados fueron transportados en un transbordador al espacio para, más tarde, regresar a la tierra del blues.

Hiromi es una pianista que en San Javier se ha hecho de querer y respetar. Cada una de sus visitas a este escenario ha sido un descubrimiento y, como indicaba anteriormente, los aficionados y la crítica hemos podido comprobar sus evoluciones musicales que cada vez más, nos han mostrado a una Hiromi grandiosa en sus concepciones, en sus creaciones y en sus ejecuciones. Nunca, en sus visitas, ha repetido grupo aunque siempre mantiene el formato de trío. En esta ocasión, le acompañan el gran bajista neoyorkino, Anthony Jackson, y el baterista londinense (forma parte del grupo Toto), Simon Phillips. Y apareció en el escenario, como en las ocasiones anteriores, de manera modosa. Se sentó sobre el piano, respiró, se frotó las manos suavemente y atacó el tema que da título a su nuevo disco: “Voice”. Fue la primera gran ovación de la noche de un auditorio que le es, insisto en ello, muy fiel.

Anthony Jackson

Con su también acostumbrada y sencilla manera de dirigirse a este público, Hiromi expresó sentirse muy feliz de regresar a San Javier para poder regalar su música. A continuación, nos presentaba a su nuevo trío con el que continuó el concierto a través de “Now or never” (“Ahora o nunca”), que provocó nuevos aplausos en los solos de cada uno de estos grandes músicos. Hiromi sabe combinar las piezas de un concierto y así, después de dos temas rítmicos, nos dejó otro algo más relajado titulado “Delusion”, con el que el público reiteró su entrega (en los solos y al final de la pieza) con otro largo aplauso.

La delicadeza y sensibilidad también son características de la pianista japonesa

Prácticamente todo el concierto que nos ofreció Hiromi estuvo formado por las creaciones de su nuevo disco, como “Flashback”. La pianista japonesa es un verdadero torbellino musical. Lo demuestra de manera natural constantemente y así la han calificado algunos de sus profesores en la Bercklee, como el bajista Richard Evans o Ahmad Jamal. Su formación clásica transpira en cada composición de Hiromi, pero no solamente ésta; también fluyen otras corrientes musicales en las que la pianista ha ido desarrollando su trayectoria. Según ella misma ha indicado, el componer es lo que le apasiona y cada lugar de los que visita le sugiere una música.
Una pieza tan clásica como la “Sonata para piano” de Beethoven, Hiromi la convierte en una balada de jazz de las que podemos escuchar en cualquier club del mundo. Un disfrute en toda la extensión de la palabra, pero es que Hiromi se escapa de toda lógica colocándose a años luz de lo razonablemente normal. Verla interpretar es contagiarse de su alegría, de su actitud vital. Y el auditorio del Parque Almansa lo ha hecho en cada ocasión que Hiromi ha pisado su escenario. Para corroborar lo que les cuento, la pianista japonesa interpretó un solo que dejó al respetable ensimismado.

Simon Phillips demostró su capacidad creativa durante casi diez minutos

Hiromi y Anthony Jackson atentos a las evoluciones de Phillips

El final a este concierto del trío de Hiromi lo puso “Dancando no paraíso”, tema de su primer disco y con el que la intérprete y compositora japonesa culminaba otro concierto pletórico y sorprendente para propios y extraños. Y más sorprendidos quedamos todos cuando creyendo que el concierto había terminado, el baterista Simon Phillips inició un solo por espacio de nueve minutos y medio, que puso al público en pie; incluso se escucharon aclamaciones para Phillips como “¡Máquina!”, que el respetable avaló con sus aplausos. Con el retome de la pieza a ritmo de salsa, la actuación finalizó con todo el auditorio puesto en pie, aplaudiendo y reconociendo la inmensa categoría de estos tres músicos y pidiendo, insistentemente, su regreso inmediato al escenario para continuar disfrutando de esa maravilla de la naturaleza. No tuvo que hacerse de rogar demasiado, porque interpretar es energía para esta pianista nacida en 1979 en Shizuoka, Japón. Regresó al escenario haciendo unas fotos con su máquina compacta al auditorio, sonriendo y haciendo gestos con los dedos de “sois los mejores”, que el público acogió con la misma simpatía con la que Hiromi hacía sus fotos. Y una vez cumplido su deseo, el piano volvió a sonar con el acompañamiento de Anthony Jackson al bajo eléctrico de seis cuerdas, y la batería de Simon Phillips. La pieza escogida fue “Summer rain”, con la que la pianista japonesa colocaba un broche espectacular a un concierto que se confundía con el firmamento. Demasiado para una noche en la que todavía no había parado el frenesí.

Anthony Jackson, Hiromi y Simon Phillips

Porque la segunda parte de esta penúltima jornada de Jazz San Javier volvió a los terrenos del blues con el también regreso, por tercera vez en San Javier, del que denominan el “Príncipe” del género: Lucky Peterson. Con unos pocos años más y bastantes kilos ganados en ese tiempo, Lucky Peterson ya puso al personal sobre el foso nada más pulsar las primeras teclas del Hammond B3. La fiesta estaba, pues, asegurada y no digamos el espectáculo puro y duro que este guitarrista, organista y cantante proporciona en cada uno de sus conciertos. Si además el auditorio está predispuesto de antemano, pues el resultado final casi está asegurado.

Lucky Peterson animando al auditorio de San Javier

Esas primeras notas y preguntas sobre “Are you ready?” de Peterson ya predispusieron al personal para entrar en materia. Así es que comenzó a sonar “Lost the right”, que arrancó los primeros pasos de baile y las palmas de acompañamiento. Sin apenas respirar, Lucky Peterson atacó “Darling forever” desde el Hammod B3 sacándole esos sonidos que tan sólo este tipo de instrumento proporciona, para crear un “clímax” singular y único en el mundo. El ambiente ya estaba caliente y en ese instante, Lucky Peterson se decidió por la guitarra y arrancó de sus cuerdas excitantes notas de blues, que enervó más si cabe al auditorio. Tanto entusiasmo se vio premiado con un paseo de Peterson por las gradas, haciendo parada en una de las localidades que habían quedado vacías al agolparse muchos aficionados en el famoso foso. Desde allí, Lucky Peterson cantaba sin micrófono al público que seguía animándolo y participando con él de su espectáculo. Y fue en ese instante cuando su esposa, Tamara Peterson, apareció en el escenario contestando a las “plegarias” musicales de Lucky. Se pueden imaginar cómo fue el recibimiento que este auditorio de Jazz San Javier dispensó a Tamara.

Tamara Peterson aclamada por el público

Ya en el escenario ambos, el show podía desarrollarse con todos sus protagonistas en escena para continuar con más blues a través de “Trouble”, “Dust my broom”, “I’m back again” y, en fin, la locura colectiva en plena efervescencia. El repertorio se iba confeccionando sobre la marcha, en función de cómo respondiera el público. Pero ya se sabe que en San Javier todo es posible, en cuanto a lo positivo. Esto es, que a este público “no se le puede tocar las palmas”, porque se arranca y de qué manera. Y viendo los resultados obtenidos hasta ese momento, los Peterson y los chicos de su banda -el baterista Raúl Valdés, y el bajista Mike Nunno- decidieron continuar con un pequeño homenaje a Stevie Wonder, a través de “Signed, sealed, delievere I’m yours” y “Sir Duke”.

Lucky Peterson entre el público dirigiendo el concierto

La locura. ¡Y sábado en la noche! El personal no tenía prisa alguna. Así es que sonaron otras piezas, hasta llegar al final apoteósico con otro recuerdo para un dúo musical que marcó un punto y aparte: Ike & Tina Turner. El tema no podía ser otro que “Proud Mary”. Lucky y Tamara hacían el dúo principal y el público los coros, desde el lugar del auditorio en el que se encontraran. Fue una comunión solidaria entre músicos y público. “Os queremos. Gracias. Adiós” dijeron por sus micrófonos. Pero lo he destacado unas líneas atrás: era sábado en la noche y sobraba el tiempo. Allí nadie se movía y sí se aplaudía y silbaba con insistencia, para que regresaran al escenario a seguir esta fiesta del blues, de la música que nos estaban regalando Lucky y Tamara Peterson con su grupo.

Raúl Valdés y Mike Nunno son la sección rítmica

Y vaya si volvieron. Porque los Peterson han sido muy generosos en sus dos anteriores visitas a Jazz San Javier. En consecuencia, ¿por qué no lo iban a ser en esta tercera ocasión? Pues como era de esperar, su vuelta se realizó con las notas de “Smokestack libation” y, para culminar, homenaje también a Michael Jackson.

La sensual Tamara Peterson

En resumen, una noche sensacional en la que los aficionados tuvieron dos partes diferentes pero de fuertes emociones y mayor altura musical. Primero con la pianista nipona Hiromi, que volvió a “entregarse” literalmente a este público de Jazz San Javier con un concierto sorprendente (personalmente creo que es de lo mejor que ha pasado en esta XIV edición del festival), en el que ha reiterado su progresión constante en la composición y ejecución de su música. Después de esta exquisitez musical, la diversión y el espectáculo en estado puro con Lucky y Tamara Peterson que cubrieron todo el auditorio del Parque Almansa con una lona musical que resguardaba al público del más mínimo indicio de aburrimiento y decepción. Menos mal que tenemos siete días por delante, para que lleguemos a la jornada de clausura y los cuerpos y mentes pueden recuperarse de tantas buenas y brutales sensaciones.Les prometo contárselo, como de costumbre, porque si esta noche ha sido “bestial” (y me permitirán este calificativo), la de la clausura no anda muy lejos. Sus protagonistas serán el septeto parisino, Pink Turtle, y el cantante inglés Chris Farlowe, con The Norman Beaker Band. Procuren descansar y recuperarse, para ese momento. Yo lo estoy haciendo.

Todas las fotografías son obra de MARTA PINILLA ALDARAVÍ

Lucky y Tamara Peterson supieron alegrar al público con su música

LA ELEGANCIA DE SCOFIELD Y LA ENERGÍA DE ERIC BURDON & THE ANIMALS

2011-07-26T14:17:00.003+02:00

El cuarteto de John Scofield

La décima noche del XIV Festival de Jazz de San Javier fue otra de las dedicadas a la guitarra y más concretamente, al homenaje que este año el festival rinde al desaparecido Gary Moore. Ya hemos tenido a Lee Ritenour, Albert Lee o Elvin Bishop. El guitarrista de esta décima jornada en Jazz San Javier era John Scofield. La segunda parte de esta noche mágica, en la que el auditorio del Parque Almansa registró otro lleno, estuvo dedicada al cantante inglés, Eric Burdon & The Animals, que recibió el Premio del Festival por toda una vida dedicada a la música. Fue una noche en la que los aficionados salieron más que satisfechos, con un recuerdo para toda su vida.

El guitarrista John Scofield llegaba a San Javier precedido de una expectación por parte de los aficionados, ya que era su primera visita a este festival. Y lo ha hecho con la maestría que suele poner en todas sus actuaciones, pero también con un cuarteto “de lujo”. Mulgrew Miller, al piano; Scott Colley, en el contrabajo; y el baterista, Bill Stewart. Cualquiera de los cuatro tiene el suficiente empaque como para liderar un grupo, aunque los cuatro tienen una característica común: les gusta la improvisación y mezclar en ella todo tipo de música. Y vaya si dieron muestras del por qué están considerados entre los mejores, con la primera pieza de Scofield titulada “Ten taken” que sirvió, entre otras cosas, para terminar de acomodar al público en sus localidades.

Mulgrew Miller

Una vez que todo estuvo ajustado, Scofield y sus amigos atacaron “sin piedad” un clásico del gran Charlie Parker, “Steeplechase”, que colocó a cada cual en su sitio y arrancó los aplausos durante y después del tema. Tras ello, Scofield presentó al grupo y expresó el agrado de los cuatro músicos por poder tocar jazz en San Javier. También invitó a que los aficionados que lo desearan podían hacerse con su último cd –se podía adquirir en el vestíbulo de la entrada-, tras lo que presentó otra pieza de su cosecha; una balada titulada “Simply put”, que repartió un poco de tranquilidad tras el rítmico tema de Parker.

Scott Colley

John Scofield posee un largo historial como guitarrista, ya que desde los doce años está dedicado a ella. Como muchos jóvenes de su tiempo sus preferencias se localizaban en el blues y rock. Pero cuando conoció el jazz le gustó tanto, que se trasladó a la Beklee de Boston para estudiar guitarra de jazz con dos de los mejores de los 60: Jim Hall y Mick Goodrick. Y pronto se dieron cuenta otros músicos de su manera de tocar; de cómo asimilaba todo lo que se le enseñaba con rapidez. Su primera oportunidad fue con el vibrafonista, Gary Burton, y después con Gerry Mulligan y Chet Baker. Pero el baterista Bill Cobham fue quien le invitó a sumarse a su grupo de jazz-rock en 1975. Después tocaría con el gran Charles Mingus y con el grupo del teclista George Duke, hasta recalar en el grupo de Miles Davis, con el que Scofield descubrió que se podía hacer música funky e improvisarla a la vez. Ello abrió unas fronteras infinitas para Scofield, como demostró en su siguiente pieza: “Slinky”.

Como todo músico, John Scofield ha ido madurando con el paso de los años como se puede comprobar a través de sus discos, entre los que el público recuerda con mayor agrado “Time on my hands” o “Quiet”. El concierto que Scofield ofreció en San Javier tuvo una base más jazzística de lo que acostumbra a interpretar en otros escenarios –el formato mismo de cuarteto, así lo atestiguaba- dejando más de lado la fusión (aunque tuvo sus momentos rockers) y dedicándose más a la guitarra de jazz (si se quiere denominar así, para que el lector se pueda hacer una idea), como el camino que este guitarrista escogió para su primera visita a Jazz San Javier. Otra muestra de lo que indico fue el tema “Woody ‘n You”, esa preciosa balada de Dizzy Gillespie que grabó junto a Coleman Hawkin y dedicada al clarinetista, Woody Herman quien, por cierto, nunca la grabó.

Y de nuevo, otra pieza de Charlie Parker: “Relaxin’ at Camarillo”. Otro motivo para que el público reconociera la maestría del cuarteto que lidera John Scofield, así como una pieza en la más pura tradición del jazz norteamericano, que compuso en 1932 Víctor Young para Bing Crosby (quien le puso la letra y la grabó) titulada “I dont stand a ghost of a chance with you”

John Scofield

Bill Stewart

Con “Groove elation” finalizaba su concierto John Scofield recibiendo los aplauso de las más de dos mil almas que llenaban el auditorio del Parque Almansa, que pedían más. Y hubo más, con una pieza titulada “The Guiness Spot”, que el auditorio también supo premiar como mereció el estupendo concierto que ofreció John Scofield y su cuarteto de grandes estrellas del género, como son Mulgrew Miller, al piano; Scott Colley, en el contrabajo y el baterista, Bill Stewart. Ellos hicieron posible que se pudiera ver y escuchar, repito, al John Scofield más jazzístico. Gracias por habernos dejado ese recuerdo imborrable.

Eric Burdon & The Animals

La segunda parte de esta décima jornada tuvo otro tinte; otro decorado pintado con fondo de blues y rhythm & blues británico. Su protagonista, Eric Burdon & The Animals. Historia viva de la música pop y rock contemporáneos que a pesar del protagonismo que The Beatles dieron a la década de los 60 del pasado siglo XX, otros nombres como Eric Burdon también tuvieron sus parcelas de éxitos y de gloria. Y por ello, Jazz San Javier le ha otorgado en esta su XIV edición, el Premio del Festival a toda una vida.

Detalle del Premio del Fetival y Símbolo del Mar Menor

The Animals iniciaron el concierto con los primeros acordes de “When I was Young”, que dispuso al auditorio a disfrutar durante las dos próximas horas de viejos y queridos temas con la fuerza que siempre ha dado Burdon a sus interpretaciones. Sin mediar respiro alguno, Burdon y su grupo atacaron “Don’t break me down”. El público ya se mostraba entregado y tras un breve momento para secarse los primeros sudores, otro de sus éxitos indiscutibles a ritmo de “reggae”: “Don't Let Me Be Misunderstood”. Bueno, el auditorio comenzaba a echar chispas y los aficionados ya conformaban el coro de estos Animals.

Y llegaron más piezas que iban subiendo la temperatura del auditorio, tales como “San Francisco nights”, “Before you accuze me” o “Boom, boom/Let it rock”. El foso –que durante la primera parte había quedado inmaculado-, se llenó de aficionados que deseaban acercarse a Burdon y sus chicos. Como buen “bluesman”, no podía faltar uno de los más emblemáticos blues del añorado Ray Charles: “I believe to my soul”. Con una entrada del pianista, Red Young en el más puro ambiente sureño, esta pieza de Ray Charles sonó tremenda.

Eric Burdo y Billy Watts

El repertorio parecía escogido para la ocasión. Por eso llegaron otras piezas como “It’s my life” o “Try to get to you”, que acabaron por incrementar esa temperatura humana hasta un nivel difícil de soportar. Pero en las anteriores visitas de Eric Burdon & The Animals a Jazz San Javier siempre ha ocurrido algo parecido, porque sus seguidores conforman varias legiones en esta parte del Levante español muy fieles al cantante británico. Y como Eric Burdon vino dispuesto a arrasar atacó otro tema “bestial” para la ocasión, tal y como andaba esa temperatura humana: “High mountain, deep river”. Bueno, aquello ya se había disparado y la fiesta comenzaba a ser grandiosa. Y entonces apareció ella anunciada por una guitarra acústica: “La casa del Sol naciente” (The House of the Rising Sun). Y le siguió “You’ve me floating”. Un colofón muy apropiado, para una noche que fue muy especial para Eric Burdon & The Animals.

Terry Wilson

En ese punto, el director del festival, Alberto Nieto, y el alcalde de San Javier, Juan Martínez, hicieron entrega del anunciado Premio del Festival. Eric Burdon se mostró contentísimo y agradecido en el escenario del Parque Almansa, como se puede comprobar en la fotografía. Y, naturalmente, el bis después de esto no iba a ser una sola pieza. Burdon, en esta su segunda visita a San Javier, se ha mostrado como un torbellino gozando de una voz en perfecto estado de revista. Y también sus actuales Animals compuestos por Red Young, en los teclados y Hammond B3; Billy Watts, en las guitarras; Terry Wilson, bajo; y un baterista con mucha escuela: Brannen Temple. Unos Animals mucho más compactos y contundentes que en la anterior visita (y no es que los que les precedieron fueran peores).

Red Young

Brannen Temple

Pues, lo dicho. Que una vez recogido el Premio del Festival, Burdon y sus Animals regresaron al escenario para derrochar otros 15 minutos de ritmo y frenesí musicales, con tres piezas que colocaron la guinda a un pastel que supo a gloria divina. “Down and out”, “Sky pilot” y “Tell me why “acabaron con el más pintao de los que allí se habían dado cita. Eric Burdon se mostró amable y simpático con una parroquia que no mostraba ningún equívoco sobre su ídolo, al que despidieron con una salva de aplausos y los más afortunados, los del foso, estrechando su mano. Bueno, algunos de los que estaban en las primeras posiciones junto al escenario.

Alberto Nieto, Eric Burdon y Juan Martínez, Alcalde de San Javier

En suma, una décima noche en Jazz San Javier para guardarla como “oro en paño”, con un primer concierto para auténticos aficionados al género a cargo del elegante John Scofield Quartet. Después, la fuerza y el espectáculo de toda una leyenda viva de la música británica: Eric Burdon & The Animals, que nos proporcionaron dos horas de placer musical, baile y recuerdos imborrables para los más de dos mil aficionados que, literalmente, llenamos el auditorio y foso del Parque Almansa. ¿Se puede pedir más? Probablemente, pero lo vivido en esta décima jornada no nos lo quita nadie. Y en menos de 24 horas, un terremoto japonés llamado Hiromi, nos hará temblar con su nuevo proyecto que acerca a Jazz San Javier. Tras esas sacudidas nos llegará un vendaval de blues, a cargo del guitarrista y cantante Lucky Peterson. ¡Menuda noche nos espera! Hay quien duda de su “aguante” hasta el día 30; fecha de la clausura de esta XIV edición. Les prometo cuidarme y contárselo.

Todas las fotografías son obra de MARTA PINILLA ALDARAVÍ

Eric Burdon dominador de la escena

DOKY CREÓ AFICIÓN. LILA DOWNS PUSO LA TRADICIÓN.

2011-07-19T22:18:00.002+02:00

El pianista danés, Niels Lan Doky.

Jazz San Javier presentó una noche de sábado deliciosa, a través de los conciertos que ofrecieron en su XIV edición, el trío del pianista danés Niels Lan Doky, y de la cantante mejicana, Lila Downs. Dos conceptos de música absolutamente diferentes, pero ambos con su encanto y enganche que procuraron al auditorio del Parque Almansa poco más de tres horas de sumo placer musical.

La primera parte de esta novena jornada de Jazz San Javier estuvo dedicada al piano; instrumento que en este festival se mima bastante, como también al jazz europeo. Una nueva muestra de ello ha sido el contar con el trío del pianista danés, Niels Lan Doky, al que acompañaban dos jóvenes talentos de 21 y 18 años respectivamente: Jonathan Bremer, en el contrabajo, y el baterista Niclas Bardeleben. Lan Doky es un consumado músico que durante sus 29 años en Nueva York y Paris ha sabido moverse por diversos círculos del jazz. Tan es así, que los nombres más destacados del género en Estados Unidos han contado con su concurso en infinidad de ocasiones. Niels Lan Doky presentó un concierto basado, sobre todo, en su más reciente disco titulado Human Behaviour (La condición humana), abriendo su actuación en San Javier con “Home sweet home”, para continuar con “Poem for a Dolphin”.
Todos los temas que fueron conformando este concierto son obra del pianista danés. De este disco -que fue presentado el pasado primero de julio de este año, en el Festival de Jazz de Copenhague-, Niels Lan Doky extrajo casi todas sus creaciones para su nueva visita a San Javier. Como “Contemplation from a mountain top” o el que da título al disco, que contiene aires exóticos y una melodía que te atrapa sin remedio.

Jonathan Bremer.

Niels es una persona muy didáctica y así se comportó durante su actuación, explicando brevemente cada tema que interpretaba. Tras esa pieza más rítmica, un tiempo para la balada con “The miracle of you”, en la que Bremer y Bardeleben (ambos músicos muy jóvenes, como indicábamos anteriormente) reiteraban su exquisitez para interpretar con un comportamiento como al recordado Tete Montoliu le gustaba: acompañar, no molestar.

Y tras ello, una original versión del inmortal tema de Gershwin “Summertime”, de su ópera Porgy & Bess, cuyo peso melódico central corrió a cargo del contrabajista, Jonathan Bremer, que volvió a arrancar grandes aplausos del público. Como quiera que el ambiente fuera propicio, el trío atacó otra pieza conocida del grupo Coldplay titulada “Yellow” con lo que Niels Lar Doky proporcionaba un poco de ritmo y otro poco de sosiego musical.

Niclas Bardeleben.

La música clásica está presente en todo pianista y la de Juan Sebastián Bach, mucho más. Por ello, no nos extrañaba que Lan Doky se recreara sobre una popularísima pieza del compositor de las célebres Cantatas, en un resultado que ha titulado “Jesus joy of man’s desiring” que resultó espectacular y a los más veteranos aficionados nos trajo el recuerdo del pianista francés, Jacques Loussier, que ya en la década de los 60 llevó a cabo un trabajo muy serio de la música de Bach adaptada al jazz.
Con “Rough edges”, el trío de Niels Lan Doky llegaba al final, en un concierto que fue sencillamente de matrícula y de los que crean afición. Pero estábamos en San Javier y su público siempre pide más después del programa oficial. Y el trío, como siempre ocurre, concedió un bis que, como él mismo explicó, se trataba de un medley o popurrí de varias de sus piezas en la que se incluía, para finalizar, una adaptación de los “Recuerdos de la Alhambra”, de Tárrega, que su padre interpretaba a la guitarra y que Lan Doky ha transcrito para piano. Además de ésta, también escucharíamos “Where the ocean metes the shore”, un “Interludio” para piano y “The woman from London”, que forma parte de su disco “Regreso a Dinamarca”. Con esta mezcla de temas, el trío del pianista danés, Niels Lan Doky culminaba un concierto sensacional que, sin ninguna duda, también va a pasar a formar parte de los más recordados por los aficionados que cada noche se dan cita en Jazz San Javier.

Niels Lan Doky Trío.

La segunda parte de esta novena jornada tuvo otro decorado claramente bien diferente. Poco que ver con el jazz, aunque podía entrar en esos terrenos, en algún momento. Se trataba de la gran Dama de la Canción Latinoamericana, la mejicana, Lila Downs, que presentaba todo un espectáculo de la más tradicional música mejicana, que inició con “El relámpago”. Después, Lila se dirigió al público para agradecer el poder compartir con otros músicos este espacio que es Jazz San Javier abrir la mente y llegar hasta un estado espiritual. Tanto, dijo Lila Downs, como el que proporciona, subrayaba, la mujer que cura con “Aguas de rosas”.

Lila Downs comienza su concierto en Jazz San Javier.

Lila también es una cantante muy dada a comunicarse con el público y por ello, sus explicaciones previas a cada pieza de las que interpretaba nos situaban en el marco que fueron creadas. Es el caso de “Yo envidio el viento” que según Lila, se da entre la frontera entre Méjico y Estados Unidos; el lugar, destacaba, donde se acuna la envidia. Una pieza que mezclaba las dos influencias musicales de Lila Downs.

Las raíces de esta mejicana nacida en Heróica Ciudad de Tlaxiaco, Oaxaca (Méjico) hace casi 43 años son las de sus padres; un profesor norteamericano, Allen Downs, que viajó hasta Méjico para rodar un documental. Allí conoció a la cantante, Anita Sánchez (su madre), de la que se enamoró. El fruto de ese amor fue Lila Downs, que con el tiempo se iba a convertir en una de las voces latinoamericanas más importantes. Su trayectoria es dilatada y ha transcurrido entre Méjico, California y Minnesota, éstos dos últimos en Estados Unidos. Tras licenciarse en Canto y Antropología, Lila regresó a su Méjico querido y se dedicó a cultivar y preservar las tradiciones cuyo fruto, se refleja en sus once discos y las actuaciones que lleva a cabo por toda América Latina y Europa.

Derramando el mezcal, durante la canción dedicada a esta bebida tradicional mejicana.

“Comalito” fue otro de los temas que interpretó en San Javier y que formará parte de su nuevo disco (próximo a salir al mercado) “Pecados y Milagros”. Pero Lila Downs celebra en esta gira que realiza por España y el resto de Europa, el milagro de la vida al haber sido madre por primera vez y tras haber perdido toda esperanza sobre ello. Un aspecto que según ha declarado estos días la propia cantante, “le ha hecho ver la vida de otra manera y creer en la vida misma”.

Una muestra de sus influencias norteamericanas la dejó a través de “Minimun Wage”, tras una grandiosa interpretación vocal con “La martiniana”. Luego seguirían “Mezcalito” –canción dedicada a la prima hermana del tequila: el mezcal- y las tradicionales “Cucurrucucu Paloma” o “La cucaracha”, ésta última con una muy original versión.

El ambiente creado durante el concierto acompañaba a cada canción.

El grupo que arropa a Lila Downs está formado por Paul Cohen (su esposo), al saxo y clarinete; Rafael Gómez, en la guitarra (con claras influencias de Carlos Santana); Carmen Staaf, en el acordeón, piano y voces; Carlos Henderson, bajo; Yayo Serka, batería y percusión; Antonio Ximénez, trompeta, y el trombonista, Norman Hogues. “Cumbia del mole” o la espiritual “La llorona” nos situaron totalmente entre los pueblos y ciudades de Méjico. Y el concierto acababa con una pieza muy rítmica –que sirvió para presentar al grupo- titulada “Perro negro”.

El auditorio insistió acentuadamente, para que Lila Downs y su grupo regresara al escenario y ofrecer alguna canción más, lo que hicieron casi sin que tuvieran que rogar mucho más. Y de qué manera, con un bolerazo titulado “Un poco más”, que derramó por todo el auditorio un halo romántico provocando que las parejas allí presentes se abrazaran e incluso algunos, se arrancaran a bailar. El público pedía canciones concretas y Lila se mostraba halagada por ello. Por eso se arrancó con “Tacha La Teibolera”, para complacer esas peticiones.

Lila Downs expresa con sus letras, su música, su voz y sus expresiones.

En resumen, esta novena jornada en Jazz San Javier tuvo dos partes bien distintas. La primera, para hacer afición al jazz con el pianista danés, Niels Lan Doky. En la segunda parte, los ritmos más tradicionales de Méjico se hicieron los dueños del auditorio del Parque Almansa, con la magnífica voz de Lila Down, que cautivó a este público que casi llenaba la sede de este festival.

Dentro de siete días, Jazz San Javier regresa con dos conciertos antológicos sobre el papel. El guitarrista John Scofield y su cuarteto, para dar paso después a Eric Burdon y sus Animals, que recibirá el Premio del Festival de esta edición, a toda una carrera musical.

Todas la fotos son obra de MARTA PINILLA ALDARAVÍ.

La magnífica banda que acompañó a Lila Downs.

DELICIAS DE JAZZ Y AROMAS DE CAMPOS DE ALGODÓN

2011-07-17T14:29:00.001+02:00

René Marie interpretanto uno de sus primeros temas

Noche, una vez más, de contrastes en los conciertos programados por Jazz San Javier. Una primera parte a cargo de la cantante norteamericana René Marie y su trío, para deleitarnos con una actuación que nos haría captar todas las sensaciones que su música ofrece. Después, una segunda parte que nos llevó de vuelta al blues, con uno de los guitarristas del género más destacados del momento: Joe Louis Walker. Noche, pues, típicamente de San Javier con una no menos importante entrada de aficionados. Por cierto que esta jornada comenzó con media hora de retraso, debido a la tardanza en llegar de René Marie. El motivo fueron los enlaces aéreos, que estuvieron muy cerca de que la cantante y su grupo no pudieran llegar al festival. Menos mal que en esta ocasión, la fortuna estuvo de parte de la organización y aunque con un pequeño retraso para la apertura de puertas, finalmente pudimos disfrutar la música de esta gran voz femenina del jazz.

El concierto se inició con una pieza de su álbum Experiment In Truth titulada “Turn the page”, que sirvió como primera muestra de su capacidad vocal, al tiempo que conectaba rápidamente con el público quien le daba sus primeras muestras de cariño y, sobre todo en esta noche, su comprensión. Ello sirvió, al tiempo, para que los músicos calmaran su estado anímico ante las circunstancias adversas con los aviones y los consiguientes nervios de no saber si llegaban a tiempo.

Kevin Bales

Pero este público de San Javier “sabe estar” en cada momento y así lo demostró. “White Rabbit” fue ya una demostración del cuarteto al completo, con la que esa conexión que solemos citar en estas crónicas –músico y público- se completaba perfectamente. René Marie se dio cuenta de ello e inmediatamente atacó, en español, “Angelitos Negros”; viejo tema que en España popularizó el recordado Antonio Machín y que René Marie incluye en su álbum “Voice Of My Beatiful Country”. La reacción no pudo ser más esperada: el auditorio terminó rendido y aplaudiendo incluso antes de que finalizara el tema.

Kevin Hamilton

René Marie nos demostró que, en todo momento, sabe dominar un concierto y aprovechó esos instantes de “euforia” del personal, para presentarnos a su grupo compuesto por el pianista, Kevin Bales; el contrabajista, Kevin Hamilton; y Quentin Baxter, en la batería. Tres pedazos de músicos donde los haya, que tras presentar René otro de los temas de su disco Serene Renegade titulado “Rufast daliarg”, nos dejaron otra muestra más de sus capacidades y creatividad. A estas alturas del concierto, los cuatro músicos ya se encontraban muy a gusto y como en casa.

Quentin Baxter

La cantante norteamericana contó la historia del río Colorado, para argumentar la siguiente pieza “Colorado river song” (La canción del río Colorado), durante la que René Marie también hizo una demostración de su dominio del “scat”, en la que imitaba a una trompeta con sordina. Pero también a destacar la sutileza del baterista, Quentin Baster, con las escobillas, creando ese “climax” perfecto de club de jazz. Ya saben. Fue absolutamente genial.
Otro contratiempo que tampoco paralizó a René Marie fue que una fase del fluido eléctrico quedó momentáneamente interrumpida y la cantante y su grupo continuaron como si tal cosa. Como la recuperación lleva su tiempo, René indicó a los del sonido que dieran la vuelta a los monitores de los que disponía en escenario (que sí funcionaban), para que el público pudiera escucharla. Y el auditorio la arropó al unísono agradeciendo el gesto y su profesionalidad. Hacia mitad del tema, se recuperó el sonido de sala y el concierto regresó a lo que tenía que ser. El tema que nos interpretaba –y que finalizó- era “O Senandoah” y en el que René Marie lleva todo el peso de la canción. A su término, también los músicos supieron premiar al público por su paciencia y comprensión, así como a los técnicos de sonido. Pero esto, a los habituales de Jazz San Javier, no nos extraña tanto porque sabemos que somos como una gran familia.

René Marie dejó extasiados a los aficionados

En la recta final de su actuación en Jazz San Javier, René Marie nos ofreció “Voice of my beatiful country Suite”, perteneciente a su más reciente disco del mismo título, con tres de los números de esa suite: “América the beautiful”, “My country tis of thee” y “Lift ev’ry voice and sing/Star-spangled banner”. Fue el zénit de un concierto delicioso, exquisito y repleto de sensibilidad. Tan es así, que el auditorio entero puesto en pie pidió un poco más y René y su trío accedieron. El público reiteró su cariño, afecto y entrega con otra larga ovación repleta de aplausos. Por parte de la organización, obsequio para René Marie de un precioso ramo de flores como premio por su esfuerzo y entrega ante una jornada que en los contratiempos e imprevistos quiso ser el contrapunto, sin apenas lograrlo. René es una Dama del Jazz y una señora en lo personal.

René Marie agradeció las atenciones que la organización le dispensó y el cariño del público.

Joe L. Walker, Vicent Leggiere y Amar Sundy

La segunda parte, como hemos adelantado en el comienzo de esta crónica, el concierto nos devolvió a los terrenos del blues. Su protagonista fue el legendario guitarrista de San Francisco, Joe Louis Walker, que llegó arropado por otros dos guitarristas de gran solvencia: Murali Coryel y Amar Sundy. Junto a ellos, la sección rítmica con el bajista, Vicent Leggiere, y el baterista, Dorian Randolph. Con esta formación, Walker apareció en escena atacando el batería “I’m not ressing around”, que sirvió para presentar a la banda. Joe Louis Walker, nacido en 1949, es una de las leyendas vivas del blues. Sus comienzos fueron hacia los 16 años, bebiendo de las fuentes de grandes bluesman como Pete Johnson, T-Bone Walker o Amos Milburn. Más tarde se encontró tocando junto a nombres tan dispares en la música norteamericana como John Lee Hooker, Thelonius Monk, Steve Miller o Jimi Hendrix. Pero si de alguien fue un amigo casi hasta su muerte, ese fue Mike Bloomfield, con quien compartió casi una cuarta parte de su existencia.

Murali Coryel, hijo del gran Larry Coryel.

Walker y su banda suenan de “escándalo” (es un halago), como demostraron desde el comienzo con una primera serie de piezas tituladas “If you don’t love me”, “Sahraoui” o “You’re gonna make recry”; ésta última nos sonó más a “soul” de los 60 ya que la voz de Walker y los coros de Murali Coryel (hijo del no menos conocido Larry Coryel) crearon ese ambiente. Tras ello, el propio Coryel en un entendible español (como su padre lo hace en sus conciertos), se dirigió al auditorio para dar las buenas noches y presentar otra pieza más rítmica: “Please please baby”.

Joe Louis Walker durante su concierto apoteósico.

Tras confirmar Walker con el público que “todo estaba bien”, Coryel presentó su tema escrito y dedicado a Jimi Hendrix (cuando su padre se lo presentó siendo mucho más joven) titulado “In the room with Jimi”. Obviamente, el tema tuvo tintes más rockeros (al estilo Hendrix) que de blues y Joe Louis Walker, en el “riff” se encargó de refrendarlo con su Gibson. A todo ello, la sección rítmica aportaba el gran cuerpo que la pieza precisaba para recordar al gran Jimi Hendrix, con un Vicent Leggerie contundente en su guitarra de bajos, a pesar de no inmutarse mientras saca las notas de sus cuatro cuerdas. Pero tal vez fue Murali Coryel con el “wah wah” (una de las características más acusadas del sonido Hendrix) el que definió ese estilo que perdura entre nosotros en el recuerdo.

Dorian Randolph

De vuelta al blues más pegajoso, con “Tell me why”, Walker y sus compañeros de viaje retomaron el motivo central de sus conciertos haciendo bailar a muchos de los presentes y terminando de llenar el foso del escenario. Pero el asunto aún no estaba todo lo caliente que deseaba Walker y, mucho menos, el público. Así es que atacaron, con un “vicioso” solo de guitarra de Joe Louis, el tema “Sugar Mama”, que dedicó, de manera especial, a las señoritas presentes. En un momento de la pieza, Walker dejó su Gibson y atacó con un solo de armónica recreando con ello el ambiente que se puede respirar en un club sureño el sábado en la noche. Y como en aquél, allí eran todos uno; público y músicos respondían en su parcela, cuando les tocaba. Pero Walker quiso ir más allá y bajó al foso, deslizándose por las gradas, saludando a varios de los allí presentes, entre ellos a René Marie y sus músicos. Faltó un micrófono inalámbrico, para que todos pudieran escuchar bien los matices armónicos que Walker arrancaba en cada momento. De regreso al escenario, retomó su guitarra para acabar la pieza. El delirio era absoluto en todo el auditorio, que aclamaba a esta banda que lidera el veterano guitarrista de San Francisco.

La diversión fue del público y de los músicos, como se puede apreciar en Sandy y Leggiere.

“Slow Down GTO” y “One Time Around” fueron la “puntilla” para rematar un concierto que supo a “gloria divina”, a blues de campos de algodón y viejos clubes del Sur estadounidense. Y es que Joe Louis Walker posee esa vieja escuela que amasa –y muy bien, por cierto- el góspel, blues o soul que le hacen inequívocamente maestro de la más pura y tradicional música del pueblo negro norteamericano.

Walker saludó a René Marie que se había mezclado entre el público.

El público pidió más de manera insistente y el músico y su banda accedieron. Otra pieza más en esa línea de pureza terminó por colocar al auditorio a sus pies. ¡Qué barbaridad de concierto y de músicos!

En definitiva, una noche para disfrutar de buen jazz vocal con René Marie, que supo salvar las dificultades de los vuelos de avión y la falta de energía eléctrica momentánea, con su exquisitez y estupenda voz. Y al revés de lo que reza el refrán, “después de la calma llegó la “tempestad” de Joe Louis Walker y su banda, para adentrarnos en el blues más clásico y apasionante. Habrá que tomarse un respiro, asimilar lo de esta noche, para recobrar fuerzas y poder abordar otros dos conciertos tan espectaculares y de alto contenido, como los que ofrecerán el trío del pianista danés, Niels Lan Doky, y la cantante mejicana-norteamericana, Lila Downs, que debuta en Jazz San Javier.

Las fotografias son obra de MARTA PINILLA ALDARAVÍ.

Joe L. Walker en plenitud de forma.

CHICAGO CONQUISTÓ A SAN JAVIER

2011-07-14T10:56:00.001+02:00

Rober Lamm, líder y fundador de Chicago

Pasado ya el ecuador de esta XIV edición de Jazz San Javier, los aficionados más veteranos han tenido la ocasión de rejuvenecer 30 ó 40 años (depende de la edad actual). Los responsables de ello han sido los componentes del grupo norteamericano, Chicago, que han escogido San Javier para ofrecer su primer concierto en España, después de 44 años sin visitar nuestro país. Tan sólo tres de sus siete fundadores continúan en la formación que ha llegado a España y que, a pesar del tiempo transcurrido, sigue conservando aquel sonido que desde 1969 les catapultó a las primeras posiciones de las listas de éxito.

Los actuales Chicago están conformados por Robert Lamm, en la voz y teclados; Lee Longhnane, trompeta; James Pankow, trombón; Ray Hermann, saxo y flauta; Jason Scheff, bajo y voz; Keith Howland, guitarra; Lou Pardini, teclados y voz; Drew Hasker, percusión; y el baterista, Tris Imboden. Con “Make me smile” (Hazme sonreír) -en un medley de varias de sus canciones de éxito de aquellos primeros años de la década de los 70- dieron comienzo a un repaso de sus mayores éxitos a lo largo de 32 álbumes que recogen el compendio musical de este mítico grupo del denominado jazz-rock.

De izquierda a derecha, James Pankow, fundador. Ray Hermann y otro fundador de Chicago, Lee Loughnane

Así, los que fuimos seguidores de aquellos éxitos –y aún hoy conservamos ese regusto- pudimos recordar piezas como “Baby what a big surprise”, “Old days”, “Along comes a woman”, “Wake up sunshine” o “Beginnings” –que fue presentada por Robert Lamm, como una canción que todos conocíamos- hicieron que las dos mil almas que abarrotaban el auditorio del Parque Almansa aplaudieran al unísono, corearan como una sola voz y se movieran al compás de aquellas canciones que muchos años atrás fueron iconos para ellos.

Keith Howland

En efecto. Cuando el público ya se había entregado de manera inequívoca, Lee Loughnane anunció “Call on me”, que subió más, si cabe, la temperatura que se registraba en el auditorio. Y a ésta siguió “(I've Been) Searchin' So Long”, tras presentar Robert Lamm al grupo, varias piezas más de su amplísimo repertorio hasta que llegó su primer éxito en 1969: “I’m a man”. Los recuerdos de otros tiempos se agolpaban en las mentes del público. La gente bailaba en sus localidades. Algunos no pudieron reprimirse y saltaron al foso, para seguir el ritmo de esta especie de “jam” que Chicago hizo sobre el tema y en el que el batería, Tris Imboden, y el percusionista, Drew Hasker, tuvieron sus cinco minutos de gloria, en un dúo perfectamente coordinado que culminó el público en un estallido de aplausos y silbidos premiando a ambos. La guitarra de Keith Howland recogió al resto del grupo para retomar la melodía central.

Tris Imboden

Drew Hasker

Aquello era el séptimo cielo, la locura colectiva de un público que había vuelto a sus 20 ó 25 años. Pero no solamente estaban los más veteranos de sus fans, sino que dos o tres generaciones (como en otras ocasiones ha ocurrido en San Javier) se habían dado cita con Chicago, para disfrutar a tope de una música que le gana al tiempo y por la que, efectivamente, parece que ese tiempo no pasa por ella. James Pankow dijo “sois un público maravilloso, de verdad”. Y sin pausa para el respiro, la música continuó sonando y dejando sensaciones que permanecen desde hace mucho tiempo.

Lou Pardini

Ray Hermann protagonizó un solo con el saxo soprano que, al igual que al resto de sus compañeros, el público premió. Lee Loughnane y James Pankow eran los que más animaban un concierto que estuvo perfecto en todo. Y otro icono de Chicago se esparció por todo el Parque Almansa coreado por los aficionados: “If you leave me now”. Además de conservar aquel sonido que les hizo merecedores de estar entre los mejores grupos que ha dado Norteamérica, Chicago se muestran como profesionales auténticos; alejados de las leyendas que envuelven a otros “divos”, cada uno de ellos son naturales y cercanos. Tal vez este aspecto, también sea el que les mantiene en los escenarios con tanto éxito como antaño.

Tras casi dos horas de concierto ininterrumpido, Chicago regresó al escenario ante el clamor del auditorio para sobrepasar los 120 minutos. Y ofrecieron dos bises antológicos: “Free” y “25 or 6 to 4”. Aquello fue el zénit y los cuerpos no se sabe muy bien si podían resistir tanto frenesí. La noche, además, acompañó con una suave brisa que por estas tierras tan calurosas y húmedas se agradece.

En el capítulo de las anécdotas les comento que escuché a algunos aficionados quejarse del sonido sin matices, que estaban dando los técnicos del grupo norteamericano (el sonido que ofrece el festival de San Javier, no intervino porque Chicago lleva todo lo necesario). La verdad es que este festival también se caracteriza por el magnífico sonido que da; tanto en limpieza, como en matices. Y eso, el aficionado habitual de Jazz San Javier lo nota.

En definitiva, una noche para guardar por los siglos de los siglos en la que un grupo de excelentes músicos que forman Chicago, nos confortaron algo más de dos horas de nuestra existencia con su música y cariño humano. ¡Que Dios los bendiga!

Las fotografias son obra de MARTA PINILLA ALDARAVÍ.

El grupo Chicago, durante su exitoso concierto en Jazz San Javier

FRAGANCIAS DE FLOR DE LOTO Y ROMERO, HASTA QUE APARECIÓ EL BLUES

2011-07-13T14:04:00.000+02:00

Sexta jornada de Jazz San Javier, en otra noche de contrastes musicales y de exotismos. La primera parte dedicada más al jazz y las fusiones con una parcela importante para la música hindú, a cargo del cuarteto del pianista catalán Jaume Vilaseca y la invitación del músico Ravi Chary. El segundo concierto nos trasladaría a otro escenario diametralmente opuesto aunque no tan alejado de estas primeras bases. Nos referimos al guitarrista norteamericano, Elvin Bishop, que dejó un insistente “perfume” de blues en el Parque Almansa, sede del festival de San Javier.

El concierto que nos ofrecieron el cuarteto de Jaume Vilaseca con Ravi Chary creo no equivocarme si afirmo que ha pasado a la historia de Jazz San Javier, como uno de los más originales que han dado estos catorce años de historia del festival. La actuación se abrió con una pieza titulada “El nuevo mundo”, a cargo del cuarteto que lidera el pianista Jaume Vilaseca; Víctor de Diego, al saxo y flauta; Dick Them, contrabajo y bajo eléctrico; y el baterista y percusionista, Ramón Díaz. Tras este tema que sirvió para romper el hielo, Vilaseca dio las buenas noches y agradeció la asistencia y el que este festival les hubiera contratado para tocar en este marco ya que, según el pianista catalán, San Javier es uno de los más importantes de los que se celebran en España. A renglón seguido presentó a su invitado; el músico hindú, Ravi Chary, con quien el cuarteto grabó su disco “Mumbay” (que es como realmente se llama la ciudad de Bombay) a raíz del cual, la colaboración entre ambas culturas musicales ha dado unos magníficos y enriquecedores frutos como se pudo comprobar de inmediato, con los temas “El hotel” y “Camins y boires”, donde la fusión del jazz con la música de la India nos trasladaba a paisajes exóticos evocando, en algunos momentos, el flamenco. Y no es de extrañar si tenemos en cuenta que los primeros gitanos procedían de ese país, en sus migraciones hacia el continente europeo.

Con “Circles”, se despedía, momentáneamente, Ravi Chary dejando una magnífica y gratificante sensación entre el auditorio. En ese momento del concierto, Jaume Vilaseca retomaba con su cuarteto un rumbo más jazzístico con “Habanera” (viejo tema de uno de sus primeros discos editado en 2002) y una novedad en terrenos del bossa titulado “Laberintos”, que centró el concierto hacia el cuarteto sin olvidarnos del ambiente creado por el sitar de Ravi Chary.

Después de este punto y aparte, Vilaseca volvió a llamar a Ravi Chary al escenario, para retomar las fusiones musicales a través de “Cañitas”; una pieza nítidamente flamenca, a la que Chary añadía una combinación riquísima y difícil de superar y cuyas estructuras no son desconocidas para el músico hindú. Tan es así, que se permitió un solo de “scat” flamenco, cuan si de un cantaor flamenco se tratara. El público supo premiar tanto derroche de imaginación y conocimientos musicales del quinteto. Con esta pieza acabaron su concierto, pero el público –que ya se sabe que siempre tiene la razón- pidió su regreso para un bis o los que fueran posibles y el quinteto de músicos accedió a ello.

“Pirata” fue una pieza que nos colocaba, con sus sonidos, en el siglo XXI. Ravi Chary sabe aplicar muy bien los avances tecnológicos a su sitar obteniendo sensacionales resultados sonoros. La pieza sirvió para mantener un diálogo a tres entre el piano, el sitar y el saxo de Víctor de Diego que resultó interesante. Al finalizar, el auditorio puesto en pié premió con un largo aplauso a estos cinco músicos que les hicieron pasar poco más de hora y cuarto de magníficas sensaciones musicales; de evocaciones a las Mil y Una Noches, a tierras lejanas a las nuestras pero a la vez, cercanas y entrañables. Todo un mundo de contrastes hermosos. Y mi enhorabuena al cuarteto de Jaume Vilaseca que junto a otros músicos españoles que ya han desfilado por este festival, en ésta o anteriores ediciones, nos están demostrando el alto nivel que España posee en cuanto a músicos sobradamente preparados, bien sea en el jazz o en otras tendencias de la música. Con este personal ¿quién necesita, como antaño, traer a otros músicos de fuera de nuestras fronteras, si no es para que colaboren en nuestros conciertos? Lo dicho, aquí hay mucha materia de primera.

La segunda parte de esta sexta jornada (ecuador de esta XIV edición de Jazz San Javier) tuvo un ambiente, sonido y decorado muy diferente aunque no perdió del todo la base y el espíritu de este festival. Su protagonista, el guitarrista norteamericano Elvin Bishop y su grupo compuesto por el veterano Ed Earley, en el trombón de varas y percusión; Bob Welsh, guitarra y piano; Steve Willis, teclados, acordeón y armónica; Ruth Davies, contrabajo eléctrico, y el también veterano baterista, Bobby Cochran.”Stealin’ Watermelons” fue su pistoletazo de salida para los muchos aficionados que rápidamente saltaron al foso del auditorio, para estar más cerca de su ídolo y animar más, si cabía, esa fiesta del blues.

Con este grupo repleto de músicos con muchos kilómetros a sus espaldas, Bishop planteó un concierto sin complicaciones que se movió por los terrenos del blues con absoluta libertad y agilidad. Las canciones fluían rápida y calculadamente, mientras el público bailaba, aplaudía o coreaba cada tema. Piezas como “Next time you see me”, That’s my thing”, “Half way out the door” o “What the hell’s going on” hacían las delicias de los casi dos mil aficionados que se dieron cita con Bishop y su grupo.

“Another Mule Kickin' in Your Stall”, un instrumental, “Booty Bumpin'”, “Groove back”, “My dog” o “Party till’ the cows come home” iban subiendo de temperatura el ambiente del auditorio y provocando el delirio de un público entregado a esta veterana banda que lidera el guitarrista nacido en California. Pero el concierto estaba lejos de acabar, porque Bishop y sus músicos se mostraban a gusto con este auditorio y tenían ganas de derrochar energía musical. Y así, los temas siguieron llegando hasta lo más hondo de cada uno de los que llenaban el foso o bailaban de pie junto a sus butacas. Sin piedad alguna, las notas de “Calling all cows”, “Rock my soul” o “Blues with a feeling” se esparcieron por todo el Parque Almansa para que la fiesta fuera total. Tan es así como les relato, que hasta el cuarteto de Jaume Vilaseca, Ravi Chary y su esposa, se mezclaron con el público agolpado en el foso bailando y coreando los temas con ellos. Hasta en dos ocasiones tuvieron que regresar al escenario (por cierto, sin apenas dar tregua a los aficionados), para alargar esos minutos de sumo placer y diversión.

En definitiva, una noche de ensueño con la música del cuarteto que lidera el pianista catalán, Jaume Vilaseca y su invitado, el hindú Ravi Chary, que nos hizo “flotar” para viajar a otras tierras de fantasía y aventuras dejando en el aire fragancias de flor de loto y romero, hasta que esa nube se disipó y regresamos a la tierra, para trasladarnos a una auténtica fiesta del blues con el grupo del guitarrista norteamericano, Elvin Bishop. Mi consejo es que descansemos todo lo que podamos después de tanto frenesí, porque llegan a Jazz San Javier los componentes de Chicago; un grupo que es toda una leyenda del denominado “jazz-rock”. Y para ello hay que estar “en plena forma”. Lo contaré todo. Seguro.

Todas las fotos son obra de MARTA PINILLA ALDARAVÍ.

¡QUÉ NOCHE DE JAZZ EN SAN JAVIER!

2011-07-12T13:59:00.004+02:00

El Festival de Jazz de San Javier acogió este viernes, 8 de julio, una de sus noches de puro jazz con dos estilos diferenciados. La primera parte dedicada al jazz vocal, con la norteamericana Carla Cook acompañada del trío del pianista catalán, Albert Bover. La segunda parte de esta noche de puro jazz estuvo dedicada a la recapitulación que sobre las décadas de esta música y sus estilos llevó a cabo el trompetista Wynton Marsalis y la Lincoln Center Jazz Orchestra.

El trío de Albert Bover abrió un concierto que ya desde los primeros compases, se presumía que estábamos ante un escenario clásico de este género. Un primer tema instrumental a cargo del pianista catalán y sus compañeros de formación, como son Dee Jay Foster, en el contrabajo, y el baterista, Joan Terol. Tras esta introducción a través del tema de Thelonious Monk “Monk’s dream”, el escenario del Parque Almansa acogió a la cantante norteamericana, Carla Cook, que atacó sin mediar palabra “Exaltly Like You”. Con el ambiente ya caldeado, Carla Cook y el trío de Albert Bover dejaron claro que venían a hacer pasar al auditorio un magnífico rato, con un concierto estructurado para ello como lo demostraron con “The more I see you”.

Carla Cook comenzó a cantar desde muy niña. Como muchos cantantes negros, el “godspell” fue su primera base en la iglesia metodista pero conforme fue creciendo y estudiando música, Carla Cook se fue apasionando por la música de jazz y más tarde, no sólo por el América Standars sino por el pop, la música clásica o la de Brasil, como dejó constancia en dos temas de Dorival Caymmi y Milton Nascimento titulados "Lile a lover" (O cantador) y "Salt song" (Cançao do sal).

Tras ello dio las gracias al público por su presencia y presentó “Estaté” (“Verano”), en una versión muy original de este éxito de 1960, que levantó los aplausos del auditorio. Tras una balada, de nuevo el swing con una pieza del Duque Ellington: “Tulip or Turnip”. Tal y como se desarrollaba el repertorio que Carla Cook había escogido para su primera visita a Jazz San Javier, se puede afirmar que los aficionados que denominamos “pata negra” disfrutaban no sólo del calor de la noche marmenorense, también del “climax” que la cantante de Detroit y el trío del pianista español Albert Bover estaban creando.

Con “Oh Gee”, Carla logró que el público siguiera el ritmo con sus pies desde sus butacas, mientras el trío de Bover ponía la música de fondo. Era increíble cómo, una vez más, la comunicación músicos-público se había logrado y así se hizo patente por parte del respetable con una larga ovación que venía a reconocer la calidad vocal de Carla Cook y la del trío que la acompañaba.

Tras este frenesí rítmico, Carla Cook regresó a la balada con el tema que diera título a su tercer disco: “Simply Natural”. Cook estudió música junto a su amiga Regina Carter (que ha visitado dos veces Jazz San Javier), a la que ha invitado en varias ocasiones para grabar sus discos o intervenir en alguno de sus conciertos. Dicen que Cook es una fiel continuadora de la escuela que creó la Gran Dama del Jazz, Ella Fitzgerald. Sobre todo en el “scat”, donde Carla Cook se mueve magníficamente y lo hace, porque tiene voz y facultades para ello (no se olvide que esta técnica es difícil y hay que tener un alto dominio). Con “Where or when” y “Simply Natural” finalizó su concierto aunque el auditorio pedía más. Y los músicos concedieron. Así es que regresaron al escenario y Carla nos regaló un precioso tema titulado “Walk Bach blues”, que fue el broche con el que el público quedó más que encantado de poder disfrutar de todo un clásico concierto de jazz. Y añado que Carla Cook está llamada a ser una muy firme candidata a ocupar en un futuro próximo, un lugar muy destacado en el jazz vocal. Espero verlo, para contarlo.

La segunda parte de esta jornada para auténticos aficionados al jazz tuvo otros tintes diferentes a los que Carla Cook había dejado sobre el escenario. La Lincoln Center Jazz Orchestra, con Wynton Marsalis al frente, ofreció un concierto que hacía un recorrido musical muy diferente y que, directamente, nos introducía en el mundo de las big band; de las diferentes corrientes que esta música ha tenido y tiene con el paso de los años. El auditorio estaba repleto y todos sabíamos el por qué. Los conciertos de la Lincoln y Marsalis no son iguales. En cada visita, los aficionados hemos podido descubrir facetas y movimientos que no se habían dado en la anterior.

Una vez ya en el escenario del Parque Almansa, Marsalis hizo las presentaciones y anunció el primero de una serie de temas que conformarían un concierto único, divertido y muy ilustrativo, además de grandioso. “Inner urge” fue el principio de once piezas variadas en las que la Lincoln Center Jazz Orchestra repetiría su maestría interpretativa, su alegría y diversión. Un tema de Monk, “Light blue” fue la continuación y preparación, para abordar “For The Masses”, pieza dedicada a una obra del pintor Stuart Davis, en sus tres partes: “The Mellow Pad”, “Garage lights”, y “New York”, que describían musicalmente a la perfección esos ambientes, como Davis lo hizo con sus dibujos y pinturas.

El público que ya estaba absolutamente entregado, se vio más animado con “The mooche”, pieza de Duke Ellington, que hizo levantar a muchos de sus asientos. Y tras ello, el primer movimiento de la Suite “Vitoria”, compuesta en su momento por Wynton Marsalis a ese festival y la ciudad que le da nombre. A continuación, la sorpresa de la noche. Wynton anunció la presencia de Carla Cook, para que interpretara junto a la Lincoln otro clásico de Ellington: “In the mellow tone”. Por un momento (salvando las naturales distancias) cerré los ojos y parecía estar escuchando a Ella Fitzgerald con la orquesta de Duke. La gente estaba extasiada y sólo le faltaba poder saltar al escenario y saludar a cada uno de los integrantes de la Lincoln.

Pero aquello aún estaba lejos de acabar. Porque faltaban todavía piezas que pondrían los pelos como escarpias. Para seguir, una de Chick Corea: “Wigwam”. Después, “Bearden (the block)”, en la que Wynton Marsalis hizo como en los campos de algodón los trabajadores durante su faena, el guía que iba marcando cada canción de trabajo. Fue todo un espectáculo que no defraudaba a ninguno de los presentes. El programa oficial finalizaba con “Straight up & down”, un bop trepidante en el que se dio espacio al saxo alto, trompeta y trombón. Y, en efecto, el concierto de la Lincoln Center Jazz Orchestra en San Javier había finalizado, aunque eso no era todo.

Y no lo era, porque los aficionados y habituales de Jazz San Javier saben que Wynton Marsalis volvería a aparecer tras su insistencia, en formato de septeto, para regalar “Snake rag” e introducirnos en los clubes de Nueva Orleans. Y después, “Weary blues”, en la que Marsalis tuvo más protagonismo con su trompeta. Fue el delirio colectivo, para que les voy a decir más. Una vez en camerinos, se dio la anécdota de la noche; al menos, de la que fui testigo presencial y la cámara del fotógrafo de conciertos, Goio Villanueva. Marsalis –casi en la misma puerta y rodeado de otros componentes de la orquesta- felicitaba a la chica del saxofonista Ted Nash, por su cumpleaños. Y lo hacía como mejor sabe: tocando con su trompeta una versión libre de “Happy birthday”. ¡Lástima, no haber tenido a mano una grabadora!

La otra anécdota en camerinos fue la firma por parte de Marsalis, de un documento al efecto para apoyar que no se pierda el Festival de Jazz en la Calle, de Murcia capital. Marsalis le indicó a Cristóbal, representante de la Asociación ZARANGOJAZZ que coordina toda esta campaña, que sigan en esa lucha para que no se pierda ese festival. Por cierto, se recogieron 200 firmas de los aficionados que acudieron a San Javier, en las afueras del auditorio. Lo dije en una ocasión y me reafirmo en ello: Marsalis es grande en todos los sentidos y acepción de la palabra.

En resumen, noche para los grandes aficionados al jazz con dos conciertos diferentes pero complementarios tal y como se comprobaría durante los mismos. El jazz vocal, con Carla Cook y el trío del pianista catalán, Albert Bover. Después, la grandiosidad de una gran banda como es la Lincoln Center Jazz Orchestra, con Wynton Marsalis. Jazz en estado puro. Y que nos dure muchos años.

Las fotos del festival son obra de MARTA PINILLA ALDARAVÍA.
Las de la recogida de firmas en la Mesa de ZARANGOJAZZ y las de Wynton Marsalis en camerinos con el representante de ZARANGOJAZZ son obra de GOIO VILLANUEVA.

JAZZ BOHEMIO Y VANGUARDISTA, A LA VEZ QUE ELEGANTE

2011-07-11T20:51:00.004+02:00

Jazz San Javier ha celebrado la cuarta jornada de su XIV edición en plena semana, con dos conciertos que ofrecieron diferentes ambientes jazzísticos. El primero, nos situó en un escenario francés ya que su protagonista también lo es. Nos referimos al, para mí, gran acordeonista Ludovic Beier y su cuarteto. La segunda parte de esta cuarta jornada colocó un escenario más a la “americana” pero a la vez, con una elegancia y distinción poco frecuentes en los tiempos que corren. El veterano pianista Ramsey Lewis y su Banda Eléctrica fueron los encargados de la puesta en escena.

Si el Festival de Jazz de San Javier tiene aspectos que lo distinguen de otros, uno de ellos es que apuesta por los nuevos valores, como lo viene demostrando ya en esta su XIV edición con Sergio Monroy y Raynald Colom. En esta ocasión, lo ha reiterado con el acordeonista francés Ludovic Beier y su cuarteto, conformado por Christophe Cravero, en el piano; Diego Imbert, contrabajo, y el baterista, Stephane Hachard. A Beier, nacido en 1978 (cuenta, pues, con 33 años), le gusta el jazz desde muy niño ya que varios de sus ídolos han sido Chick Corea, Miles Davis, George Benson o George Duke. Y también desde muy joven, Ludovic Beier comenzó a componer como demostró en su concierto de San Javier con un repertorio propio.

Abrió su actuación con “Chilltimes”, que daba título a su disco de 2007, para a continuación dar las buenas noches agradecer al auditorio su atención y presentar a su grupo. A renglón seguido, otra pieza de ese disco: “Waltz for Richard”, dedicado a su compatriota Richard Galliano. Aunque físicamente se parezca a éste último, Ludovic Beier ha aprendido de Galliano pero no sólo de él. Conserva ese toque “mussette”, pero su repertorio es mucho más amplio y fresco (algo lógico por la edad) que el de Galliano.

El sonido de la “Costa Oeste” norteamericana ha sido una predilección de Ludovic Beier desde siempre, por ello no es de extrañar que su amplio repertorio -a pesar de su juventud- esté impregnado de esas y otras influencias. Muestra de ello fue “Yellow cab blues”. Y después dejó el acordeón para con la accordina de botonera interpretar una preciosa balada titulada “Sometimes we change”. De vuelta al acordeón de botonera, Beier fue desgranando un concierto que se movía entre la “mussette” y los clubes neoyorkinos. Por ello, no nos sentíamos “perdidos” cuando sonaron piezas como “Panamathan”, “Fall memories”, Paris nord” o “Vanillia Express”.

Mientras escuchábamos a Ludovic Beier era inevitable no tener presente –y mucho más en Jazz San Javier, donde ha venido en dos ocasiones- a Richard Galliano. Pero al decir verdad, la frescura musical de Beier pronto nos hizo meternos de lleno en su concierto y disfrutar de él, a cada pieza que sonaba. Sin duda, Ludovic Beier tiene bien ganado su sitio en el jazz, como lo corroboró con “Absenthe”, “Bluesette” o “Brooklyn Heights”.

Tras volver a presentar al grupo, Ludovic Beir interpretó él solo el clásico de Django Reinhart, “Nuages”, al que Beier dedicó un disco en 2009 adaptándolo a los ritmos brasileños. Mientras finalizaba con las últimas notas aparecieron, de nuevo, los integrantes de su cuarteto para continuar con otro tema de ese homenaje a Reinhart de 2009.

Cuando parecía que todo había finalizado, el auditorio insistió en pedir un poco más y Ludovic Beier y su cuarteto regresaron al escenario del Parque Almansa para regalar una versión muy original y exótica del clásico “Caravan”, de Ellington, que significó el toque final para que el auditorio quedara satisfecho y entregado a esta realidad futura del jazz europeo que, dicho sea a propósito, cada año mejora en cuanto a calidad y cantidad de músicos incluidos los españoles, naturalmente.

La segunda parte de esta cuarta jornada del XIV Jazz San Javier tuvo otro ambiente más en la línea clásica del jazz norteamericano. El pianista de Chicago, Ramsey Lewis, puso elegancia y distinción a una noche típica de verano a orillas del Mar Menor con su singular estilo. Desde siempre me ha gustado Lewis, tanto por sus composiciones como por su manera de tocar el piano que parece como acariciar las teclas.

Desde su primer éxito en 1965 con el disco “Wade in the Water”-pieza con la que abrió su regreso a San Javier-, Ramsey Lewis se ha venido dedicando a crear temas más en contacto con el funk y el pop que para un público netamente de jazz. La disparidad de sus tríos así lo atestigua, además de sus creaciones musicales. Precisamente en este 2011, Lewis lleva a cabo una gira bajo el título de The Sun Goddes Tour” (La gira de la Diosa Sol) con su Banda Eléctrica con la que Ramsey Lewis desarrolla un quinteto polivalente que igual se mueven en el más puro estilo jazzístico, que después te pueden dejar “boquiabierto” tras escucharles en terrenos “funky”, para los que los teclados y sonidos electrónicos tienen su inevitable protagonismo. Valga como ejemplo piezas de su más reciente disco titulado “Taking another look”, del que Lewis nos dejó en Jazz San Javier “The way she smiles” y “Betcha by golly wow”.

Esta Banda Eléctrica de Ramsey Lewis está formada por el guitarrista, Henry Johnson; Tim Gant, en los teclados; Joshua Ramos, en el contrabajo (por cierto, qué bien lo toca), y el baterista, Charles Heath. En las baladas, Ramsey se mueve como pez en el agua y hace gala de su elegancia y saber estar, como reiteró en “Close your eyes and remember”. A sus 76 años, el pianista de Chicago sigue en forma como dejó constancia en esta su segunda visita a Jazz San Javier. Cuando se observan sus dedos deslizándose sobre las teclas del gran cola Steinway & Son, aunque no se sepa tocar ese instrumento sus dedos parecen instruirte de manera sencilla y eficaz. Con un repertorio más que escogido, Ramsey Lewis dejó algunas de las piezas que ya entonces conformaron su concierto, “Love songs”, pero impregnándolas de una concienzuda puesta al día que, no obstante, no le han hecho perder su personalidad ni encanto.

Piezas adaptadas de The Beatles (de las muchas que ha adaptado a su sonido) como la del álbum “Revolver”, “Here, There And Everywhere”, dan una idea muy exacta de los terrenos por los que se ha venido moviendo Ramsey Lewis a lo largo de su dilatada trayectoria musical. Durante este concierto pudimos observar cómo el cuarteto está muy atento a las evoluciones de su líder, pero si de los cuatro hubo uno que “coqueteaba” musicalmente con Ramsey ese fue el guitarrista Henry Johnson.

Tuvieron que llegar los bises, para que el repertorio más “funky” viese la luz del Parque Almansa, tal y como se había adelantado en el programa. Como si de una segunda parte de este concierto se tratara, esta Banda Eléctrica del pianista Ramsey Lewis nos ofreció la otra cara de su repertorio que se ajustaba más a lo anunciado en el programa del XIV Jazz San Javier. Fue en ese momento del concierto cuando todo el auditorio acabó por animarse del todo y la imaginación de cada cual voló hacia espacios diversos, a través de “Sun goddes”. Si Joshua Ramos fue buenísimo con el contrabajo, con el eléctrico de cinco cuerdas repitió magisterio mientras que el teclista Tim Gant hacía la voz principal a la que acompañaba con los coros el propio Ramsey.

El segundo bis fue una pieza entre la primera y segunda parte fusionadas, que terminó por “embobar” a un auditorio que a pesar de encontrarse en un miércoles no daba tregua a este quinteto que lidera el pianista de Chicago.

En resumen, una noche para disfrutar del jazz con esos dos escenarios diferentes –jazz de acordeón y “mussette”, con ribetes de “Costa Oeste”, frente a la elegancia, distinción y un poco de “funky”- que nos presentaron el cuarteto del acordeonista francés, Ludovic Beier, y el pianista norteamericano Ramsey Lewis y su Banda Eléctrica. Con noches así, ¿quién piensa en marcharse a la cama? Y quedan más por llegar.

Las fotos, como es habitual en Jazz San Javier, son obra de MARTA PINILLA ALDARAVÍ.

DOS MÚSICOS, DOS MANERAS Y EL JAZZ DE FONDO

2011-07-06T14:01:00.000+02:00

La tercera jornada de Jazz San Javier deparó a su auditorio dos conciertos bien diferenciados en los conceptos y repertorios, aunque no exentos de las líneas básicas en las que los músicos de jazz se suelen mover. La primera parte estuvo protagonizada por el trompetista catalán, Raynald Colom y su grupo compuesto por Vicent Macian, saxo tenor; Marco Mezquida, piano; Tom Warburton, al contrabajo; el percursionista, Roger Blavia, a la percusión y el baterista, Marc Ayza. El segundo concierto de la noche corrió a cargo del trío del pianista jamaicano, Monty Alexander, que en este regreso a Jazz San Javier lo hizo acompañado de Hassan Shakur, en el contrabajo, y Obed Calvaire, a la batería. Dos maneras de ver y entender la música de jazz, con la diferencia añadida de la juventud de Colom y la veteranía del sesentón Alexander.

En ese primer concierto del tercer día de Jazz San Javier, el trompetista Raynald Colom comenzó con fuerza su actuación a través de una de sus creaciones: “Ouverture”. Una vez bien ensamblado el sexteto, Raynald Colom y sus músicos atacaron “Morning sunrise”, pieza que según explicó posteriormente el propio Colom está dedicada a su hijo de siete meses de edad. Tras una breve salutación al auditorio, Colom presentó otra composición de su cosecha, “El baka” –que dedicó a todos los damnificados por el terremoto de la ciudad murciana de Lorca, a los que dio muchísimo ánimo-, en la que el contrabajista Tom Warburton protagonizó una excelente entrada, antes de que el resto del sexteto se incorporara. Raynald Colom da espacio a cada uno de sus músicos, como dejó demostrado a lo largo de todo su concierto de San Javier.

Después de la intensidad de sus tres primeras piezas en las que se dejaban asomar retazos del estilo “free” y un concepto muy actual de estructurar los temas, Raynald Colom nos regaló una preciosa balada de Van Heuser titulada “I thounght about you”, en la que hizo una demostración de su dominio con la trompeta y de cómo ha asimilado lo aprendido de maestros como Wynton Marsalis, entre otros, y a la que arrancó preciosas y delicadas notas que fueron adornadas por los toques sosegados de escobillas en la batería, así como otro sutil solo del pianista Marco Mezquida, sin olvidarnos del contrabajo de Tom Warburton. Una pieza que resultó exquisita y adecuada para el momento del concierto en la que se interpretó, provocando los clásicos aplausos del respetable en cada uno de los solos.

El veterano percusionista Roger Blavia llevó a cabo un sugerente solo de introducción para “La llegada”, otra pieza de Colom, en la que se dejaban sentir líneas de Cannonball Adderley entre otras influencias. Esta fue otra de las composiciones para el sexteto, en las que cada uno tuvo su momento de gloria con una perfecta ejecución. Tema que cerraba este concierto del catalán Raynald Colom y su sexteto, que como tal llegaban por primera vez a Jazz San Javier. Pero el público, que es la máxima autoridad en estas lides, pidió un poco más y el sexteto no se resistió a ello. De vuelta al escenario del Parque Almansa, Raynald Colom y su grupo regalaron una pieza más dedicada, según explicó el trompetista, al gran contrabajista argentino afincado en Barcelona, Horacio Fumero, que ha sido su mentor, y con el que el sexteto culminó un concierto bien estructurado y mejor ejecutado. Creo coincidir con varios colegas, cuando afirmo que Colom es el futuro hecho ya realidad en el panorama del jazz español. A pesar de que su último trabajo en disco, “Evocación”, está dedicado a la fusión del flamenco con las tendencias del jazz, en San Javier Colom desarrolló un concierto más jazzístico que de fusión. Mi enhorabuena más sincera.

La segunda parte de este tercer día en Jazz San Javier tuvo un decorado distinto, con una manera diferente de entender la música pero sin dejar las mismas bases pero con otro tiempo. Era Monty Alexander y su trío conformado por Hassan Shakur, en el contrabajo, y Obed Calvaire, a la batería. Su aparición en escena fue uno a uno comenzando por el baterista, seguido del contrabajista y finalmente, por fin, Monty Alexander con atuendo elegante y a la vez informal. Como no podía ser de otra manera, un calipso con tema del trompetista Blue Mitchell titulado “Happylypso/Fungii mama” para abrir un concierto que se presumía, como así fue, de primerísima calidad. Una pieza sobre la que Monty Alexander iba introduciendo fragmentos de otros temas clásicos del amplísimo repertorio del Book Jazz, como lo demuestran los 12 minutos que duró este primer tema.

Sin apenas respirar, el trío atacó una segunda pieza del amplio repertorio del recordado Frank Sinatra creada en 1957 por Jimmy Van Heusen con letra de Sammy Cahn titulada “Come Fly With Me”, que tampoco pudo escapar limpiamente de su partitura original, ya que los conciertos del pianista Monty Alexander se caracterizan, precisamente, por ser improvisados y en cada una de las composiciones que se interpretan introducir fragmentos de otros temas igualmente conocidos. En consecuencia, los repertorios de cada concierto de Monty Alexander no están decididos de antemano, si no que dentro de una amplia lista y en virtud al climax que se cree entre el auditorio y los músicos, así se van desgranando. Y esto es, exactamente, lo que ocurrió en Jazz San Javier la noche del pasado 2 de Julio.

El público –que se había entregado desde la primera nota musical- respondía en perfecta comunión con los músicos y Monty Alexander hacía lo propio echando más carne en el asador, cuan si un concienzudo “chef” de alta cocina se tratara. Un poco de sal para ir condimentando ese menú tan exquisito que el jamaicano preparaba fue su creación “Renewal”. No faltaron, en consecuencia, ritmos “reggae” como buen jamaicano y músico que formó parte de The Skatalites, el primer grupo que acompañó al también recordado Bob Marley. Dos temas del que fuera rey indiscutible de esa música como fueron “No woman, no cry” y “Running away”, en una recreación intensa de Monty Alexander que en cada una de las piezas que deja sonar parecen temas nuevos.

En el ecuador de este concierto de regreso a Jazz San Javier, Alexander y su trío continuaron aliñando ese menú plato a plato. “Hope”, magnífica pieza de su álbum “Goin’ Yard” editado en 2009 dejaba otra muestra inequívoca del talento y entrega de este pianista, que ha acompañado a los más granado del jazz desde que llegara a los Estados Unidos a finales de 1961. El público, que no cesó durante toda la actuación de animar al trío y congratularse por tan enorme concierto, demandó mucho más del Monty Alexander que una vez regresaron al escenario, atacaron el clásico “Sweet Georgia Brown” y el tema de Duke Ellington “Things Ain't What They Used To Be”, con el que ya parecía haber finalizado su actuación.

Pero el auditorio parecía no tener ni prisa por marcharse ni vivienda donde pernoctar. Así que, una vez más, volvieron a sus instrumentos para regalar una versión de “Banana boat”, con la melódica; instrumento que suele utilizar en casi todos sus conciertos. Este clásico calipso fue la excusa perfecta para que el público pasara a formar parte del trío. Una versión ésta en la que, como en otras de las piezas del concierto, Monty Alexander iba introduciendo cortos pasajes de otros temas como unos acordes de “Berimbao”, de Baden Powell. Aún habría otro bis, con un clásico de Nat King Cole sobre el que, como no, se recrearon los tres músicos que capitanea Monty Alexander, a los que el auditorio despidió con un más que agradecido y ganado aplauso y vítores, muestra inequívoca del imborrable recuerdo que el pianista jamaicano dejó en esta su segunda visita a Jazz San Javier.

En definitiva, noche de auténtico jazz con dos decorados diferentes cuyos protagonistas fueron Raynald Colom y su sexteto en una línea más clasista si se quiere aunque con pinceladas más actuales y ribetes de “free” para, en la segunda parte, dar paso a la maestría y genialidad del trío que lidera Monty Alexander. Ambos hicieron de esta tercera jornada una de las que más se recordarán, seguro, de esta XIV edición de Jazz San Javier. Tan sólo llevamos tres jornadas y el cuerpo ya anda "destrozado" con tanta emoción y "sinvivir" musical. Espero sobrevivir a ello y llegar hasta el 30 de Julio, fecha de la clausura. Os lo contaré. Seguro.

Como es habitual, las fotos son de MARTA PINILLA ALDARAVÍ.

FUSIONES Y DINAMITA MUSICAL EN JAZZ SAN JAVIER

2011-07-06T13:20:00.001+02:00

La segunda jornada del XIV Festival de Jazz de San Javier nos ha vuelto a presentar dos conciertos de contrastes musicales, a cargo del pianista gaditano Sergio Monroy y su grupo, en la estela que otros músicos andaluces marcaron hace años (dicen que Monroy es un continuador de Chano Domínguez, gaditano como él), con bases en el flamenco y en torno a él desarrollando jazz, blues y otras tendencias. Frente a ello –y no muy alejado de las fusiones, pero en otros estilos-, el guitarrista norteamericano, Lee Ritenour y su banda, en la que como invitado especial de esta formación ha regresado el pianista y compositor, Dave Grusin. Fusiones que como ya adelantara el recordado Dizzy Gillespie en 1977 conformarían la música de un, entonces, futuro no muy lejano, como el paso del tiempo así lo ha confirmado.

Sergio Monroy apareció en el escenario del Parque Almansa en solitario, para ofrecer una primera pieza titulada “Cavando en mis adentros”, con la que dejó una muestra de su calidad como pianista y compositor. Con los últimos acordes aparecieron en el escenario los integrantes de su grupo conformado por Óscar Lago, en la guitarra española; Alejandro Benítez, en el bajo; Juan Sainz, en la batería; Israel Katumba, percusión y la voz de la cantaora, Reyes Martín. Una pieza ya con todo el grupo titulada “Ni pa ti, ni pa mí” sirvió para que el pianista de Cádiz presentara a sus compañeros de viaje y nos contara que llegar hasta un festival como el de San Javier ha sido un sueño que parecía no cumplirse, aunque como se podía comprobar ya era una realidad. Monroy indicó que agradecía al festival el que se haya contado con su concurso, al tiempo que mostró su esperanza en que el auditorio disfrutara con lo que denominó “esta especie de flamenco-jazz que hacemos por Cádiz”.

A renglón seguido, otra pieza en la que Reyes Martín dejó muestra de su poderío, a través de “Mozamo”. Siguió un magnífico tema más en la línea jazzística que flamenca aunque sin olvidarla, titulado “El aire de la plaza”, para que regresara la cantaora a las tablas e interpretar, primero con el piano, “Celos de mi soledad”, y continuar con “Cuando diga jazz”.

De nuevo Sergio Monroy se dirigió al público para anunciar un recuerdo al bajista Alfonso Gamaza, ya fallecido y que además de amigo de todo el grupo formó parte de él. Era como una dedicatoria a través del tema “De garabato”. Tras presentar a la banda, ésta atacó “A-4” en una magnífica fusión de estilos con bases flamencas que te iban describiendo los paisajes tan diversos que se pueden ver, cuando se transita por esa autovía que une Madrid con Cádiz y viceversa, que el auditorio premió, puesto en pié, con un largo y caluroso aplauso.

Sin abandonar el escenario, Sergio Monroy y su grupo dejaron “Puro, el aire”, con la que se despidieron del público que les premió con otro largo aplauso. Sin duda, las maneras musicales que el pianista gaditano mostró en San Javier le auguran un buen futuro, aunque no estará exento de encontrarse con las dificultades propias que conllevan toda carrera musical y mucho más, en este mundo del flamenco-jazz. Se puede afirmar que Sergio Monroy es el continuador de ese estilo que ya exploraron sus predecesores.

La segunda parte de esta también segunda jornada del XIV Jazz San Javier tuvo un decorado absolutamente opuesto, aunque igualmente se movió por la fusión. Sus protagonistas fueron la banda del guitarrista californiano Lee Ritenour, con la incorporación del pianista y compositor Dave Grusin. Puro fuego musical el que dejaron sobre las tablas del Parque Almansa estos cuatro músicos, en toda la extensión de la palabra. Cada una de las biografías de los componentes de este grupo tienen una dilatada trayectoria, que abarca desde las grabaciones personales hasta las que han realizado para otros nombres de la escena norteamericana o sesiones de estudio grabando bandas sonoras originales para películas y series televisivas.

La guitarra de Lee Ritenour sigue siendo una de las más demandas y queridas por muchos músicos, como volvió a demostrar en esta su segunda visita a Jazz San Javier. Un concierto que comenzó con uno de sus temas conocidos con su trío, “Etude”, para dar entrada a Dave Grusin y, ya los cuatro, abordar algo más de hora y media de auténtico disfrute, con un amplio despliegue de un más que generoso magisterio por parte de esta formación. Una versión magnífica del clásico de Jobim, “Stone flowers” (que integró Santana en su álbum “Caravanserai”), levantó las pasiones de un auditorio que había acudido a este segundo día del XIV Jazz San Javier, dispuesto a entregarse por completo al “climax” que Ritenour y sus amigos iban a crear en este mítico auditorio del Parque Almansa.

Así fueron sonando piezas como “Wes bound”, del añorado West Montgomery; “Stolen moments” o “Lay it down”. Dave Grusin interpretó al piano una pieza española, para regresar a otro tema de Antonio Carlos Jobim: “Double Rainbow”. Y una pieza más del amplísimo repertorio de Lee Ritenour y compuesta por Dave Grusin, “Mountain dance”, para llegar al final del concierto aunque ahí no había acabado todo. Y no lo hizo, porque el auditorio puesto en pié y aplaudiendo y silbando sin descanso pretendía que los cuatro músicos norteamericanos no lo tuvieran aún. Así que Lee Ritenour, guitarra; Dave Grusin, piano y teclados; Melvin Davis, bajo de siete cuerdas y de cinco, y el baterista, Sonny Emory regresaran al escenario para regalar alguna pieza más con la que el público acabó acompañando con palmas y coros, extasiado y más que satisfecho. Como diría un castizo de la zona, “un pedazo de concierto”.

En resumen, noche de contrastes y fusiones musicales en un festival, el Jazz San Javier, que continúa en su línea de posibilitarnos grandísimos conciertos, como los vividos en esta segunda jornada de su XIV edición. Todavía nos quedan por delante "bendiciones" musicales como Monty Alexander, Ramsey Lewis, Carla Cook, Wynton Marsalis y la Lincoln Center Jazz Orchestra, Elvin Bishop, Chicago o John Scofield y Eric Burdon. A éste último, se le hará entrega del Premio del Festival a Toda una Carrera Musical. Lo iré contando poco a poco, para que se pueda ir asimilando. ¡Menudo mes de Julio y Jazz!

Como es habitual, todas las fotos de XIV Jazz San Javier son obra de Marta Pinilla Aldaraví

DISCULPAS ACEPTADAS, PERO...

2011-07-01T12:22:00.000+02:00

El diario LA OPINIÓN DE MURCIA de este viernes, 1 de Julio del presente año, publica una carta abierta del señor Martínez Abarca al director del Festival de Jazz de San Javier, Alberto Nieto. En tres puntos, Martínez Abarca pide disculpas por haber suscitado la polémica y la contestación inmediata del director de este festival, ya que su intención era justo todo lo contrario. Esto es, el elogiar esta cita anual

En su segundo punto, se aclara que el "diego" es que este festival es abierto y da cabida a una serie de músicas transversales y de ahí su gran riqueza. Que nunca pretendió ser un erudito en esta música porque, al igual que indicaba Elvis Presley, él tampoco la entiende ni la escucha.

Y en su tercer punto, el señor Martínez Abarca deja nítido que no tiene nada que reprochar a la programación del Jazz San Javier; al contrario, una vez más, desea que continúe por donde hasta ahora lo ha hecho. Y otras consideraciones más, que los lectores de este blog pueden seguir pinchando aquí.

Como yo no tengo nada que ver con la organización del festival, no puedo por menos que aceptar esta rectificación o, mejor, aclaración del autor de la polémica. Ahora bien. Si lo que realmente quería expresar del festival es lo que hoy publica en el diario murciano, ¿Por qué no lo hizo así desde el primer día y nos hubiéramos ahorrado el gasto de tantas "calorías", con lo que está cayendo?

Cuando los tiempos "no son propicios para la lírica" es mejor no usarla. Porque si se hace en tiempos como los que vivimos en estos momentos, se puede caer en una provocación inmediata. Y eso es clarísimo porque los que se esfuerzan día a día ven ese lirismo como una ofensa o amenaza. Y, repito, no hay por qué "tocar las pelotas" a nadie ni "joder la marrana" (dicho popular de la huerta de Murcia) sin motivo alguno. Gracias, señor Martínez Abarca, por su aclaración y sinceridad. Ya ha comprobado usted que en estos tiempos, la ironía hay que aparcarla porque produce efectos "podo deseables". Un saludo muy cordial.

A PALABRAS SORDAS, OÍDOS NECIOS

2011-07-01T00:09:00.002+02:00

Con un entusiasmo inhabitual, me he leído y releído el artículo de José Antonio Martínez Abarca sobre el Festival de Jazz de San Javier publicado en el diario LA OPINIÓN DE MURCIA del pasado día 28 de Junio del año en curso. Lo primero que he de decir es que, como crítica, no me ha parecido tal; más bien, una exposición de sus anhelos musicales. De lo que le gustaría que fuese ese festival.

Para hacer una crítica de jazz, sea o no constructiva –a mí, siempre me gustan las constructivas-, hay que poseer un amplísimo nivel de audiciones, un notable número de visionados y asistencias a conciertos sobre esta música y haber leído más sobre su Historia y desarrollo. Dentro de esos capítulos, el señor Martínez Abarca encontrará cómo lo que se denomina Jazz ha ido evolucionando, sumando tendencias y estilos. Como ejemplo europeo cercano, un festival ( el de Montreux, Suiza) que hace unos años se componía de 24 días consecutivos y que se ha visto reducido en esta edición de 2011 a 16 (supongo que la crisis también ha dejado un “recado” en su organización), pues que denominándose de Jazz tiene diversos apartados dentro de esa gran carpa que seguimos llamando Jazz. Y éste ha sido el festival más importante del Viejo Continente, desde el que después se han distribuido muchos de sus participantes hacia otros escenarios. Hoy, gracias a las iniciativas públicas o privadas o ambas a la vez, los festivales de esta música han crecido en cantidad y calidad.

Por ese festival suizo han desfilado en el tiempo, músicos tan dispares como Santana, Wynton Marsalis o Paco de Lucía, por citar sólo tres casos. Voy más lejos. En la presente edición aparecerán, durante esos 16 primeros días de julio, nombres como George Benson, Sting, Santana, Chick Corea y su “Return To Forever”, Paul Simon o Deep Purple con una Orquesta Sinfónica. Lo puede comprobar a través de su página oficial en internet.

Lo que quiero decir con este ejemplo, señor Martínez Abarca, es que en Jazz San Javier esa música es la que ha primado por encima de otras, desde su primera edición allá por 1998. Por entonces, los asistentes a aquella primera cita éramos unos pocos (tal vez, porque los aficionados de verdad también escaseábamos, o porque otro festival de músicas junto al mar acaparaba público porque entonces era o quedaba “muy chic” el asistir a esa cita y “que te vieran”). No lo sé. Lo cierto y verdad es que al año siguiente, el cartel de San Javier creció un poquito y también lo hicieron los aficionados. Y en la tercera edición, no contentos con haber podido traer a músicos de la talla de Dennis Rowlan, Roy Haynes, Louie Bellson (fallecido en febrero de 2009), Jeff Jerolamon, Arturo Sandoval, Dave Weckl, B.B. King, Chick Corea, Gary Burton, Terence Blanchard, Raimundo Amador, Antonio Serrano, Ximo Tébar, Pedro Ruy Blas o Larry Martin, San Javier nos regala personalidades como The Blues Brothers, Elvin Jones, Clarence "Gatemouth" Brown (fallecido en septiembre de 2005), Herbie Hanckock, Kevin Mahogany, Chano Domínguez, George Benson o Lonnie Smith que, supongo, no son nada sospechosos de no “militar” en las filas del jazz. Y así, en todas y cada una de las catorce ediciones de San Javier en las que viene “regalándonos” un desfile de las figuras más destacadas de este género (no han podido venir todas las que son, pero sí lo son todas las que han venido). Y como se habrá observado -aunque no se citen todas las acaecidas-, los que asistimos cada edición al auditorio del Parque Almansa hemos tenido la enorme suerte de poder haber visto y vivido las últimas giras de algunas de estas figuras del jazz, porque un año o dos o cinco después fallecieron.

Como aficionado, aún retengo en mi memoria conciertos grandiosos como el de los pianistas, Dave Brubeck, McCoy Tyner o Chick Corea, sin olvidarme de los dos que he tenido ocasión de verle a Herbie Hanckock, o el que constituyó todo un magisterio por parte de Jordi Sabatés . De cómo he disfrutado con el “blues” de “Gatemouth” Brown, Lucky Peterson, Poppa Chubby o B.B. King. Y todo ello sin olvidarme de los excelentes músicos españoles que cada año han pasado por este festival, para mostrarnos su “mayoría de edad” en este difícil y heterogéneo estilo como es el jazz. Citaré al más veterano de todos: Pedro Iturralde. En definitiva, que no sé dónde ha visto usted, señor Martínez Abarca, que el de San Javier lo único que tiene de jazz es el nombre. Porque si repasamos las programaciones de cada año comprobaremos que precisamente en jazz y blues son los apartados en los que más músicos han participado. Por cierto, lo que denomina “banda descabezada” (perdone, si no le he entendido bien el calificativo) a Creedence Clearwater Revival (con la ausencia, por fallecimiento, de Tom Fogerty y la de su hermano John que estaba "a lo suyo"), le informo que no fue en el Festival de Jazz de San Javier donde participaron, si no en el denominado “Pecata Minuta”, que englobaba todas aquellas actuaciones o conciertos que se celebraban sueltos y la Corporación que presidió José Hernández, los englobó en ese festival. Por lo demás, le aseguro que desconozco si usted es un habitual de Jazz San Javier, porque no le he visto ninguna de las noches de las trece ediciones ya celebradas, como tampoco en la única que se lleva del festival 2011. Pero ello, tampoco quiere decir nada; simplemente, que no le he visto por este estupendo auditorio.

En consecuencia, señor Martínez Abarca, hable usted de lo que realmente tenga extensos conocimientos porque lo que es de Jazz (a pesar de que usted aboga por el más ortodoxo y puro del mundo mundial) -y refiriéndome siempre a su artículo sobre el Festival de San Javier-, nos deja mucho que desear. Por cierto, ya que ha mencionado la “pureza” del jazz, le aconsejo el concierto que ofrecerá el próximo día 8 de Julio en San Javier, Wynton Marsalis & Jazz at Lincoln Center Orchestra bajo el título "Música de las Décadas"; un recorrido por las diversas corrientes que han ido conformando este gran mundo musical del Jazz. Puede constituir para usted y muchos otros aficionados poco introducidos aún en esta parcela, toda una clase práctica de la evolución de esta música hasta nuestros días. Se lo recomiendo, con sumo respeto y delicadeza.

Como murciano y, supongo, amante de esta música, también le pediría que defienda y pida explicaciones a nuestras autoridades locales de Murcia, ante el suspendido –y no anunciado previamente- Festival de Jazz en la Calle que debía haberse celebrado en los días del pasado mes de mayo del año en curso. Era su XXXI edición, lo que deja a las claras ser el más longevo de los que se celebran en esta Comunidad Autónoma. Esa actuación municipal, según entendemos muchos aficionados y músicos, sí que ha sido una acción para criticar y pedir explicaciones que no se han dado al ciudadano. Entre otras muchas, el saber si, finalmente, este festival se reanudará o pasará a formar parte de los recuerdos. Anímese, señor Martínez Abarca, y haga algo constructivo por sus paisanos aunque usted considere nuestros gustos musicales de “haiga y botijo”. Muchas gracias, señor.

EL XIV JAZZ SAN JAVIER YA ESTÁ AQUÍ

2011-06-26T21:01:00.003+02:00

La XIV edición de Jazz San Javier echó a andar este sábado, 25 de Junio, con las actuaciones del trío del guitarrista mallorquín, Biel Ballester que invitó al violinista rumano Costel Nitescu, y el grupo que lidera el guitarrista británico Albert Lee, Hogan’s Heroes.

El director del festival, Alberto Nieto, indicó en la presentación de la noche que esta cita veraniega con el jazz y su colateral “está sobreviviendo en medio de una tremenda crisis, como si de un transatlántico se tratara en medio de una tormenta”. Nieto dio las gracias por su fidelidad a los muchos aficionados que, año tras año, continúan asistiendo a los conciertos de Jazz San Javier y engrandeciendo, con ello, este festival.

El denominado “jazz manouche” o “gypsy jazz” es el hilo conductor de la música que practica el trío del mallorquín, Biel Ballester, que completan Graci Pedro, a la guitarra rítmica, y el contrabajista argentino, Leandro Hipaucha. Dos piezas del propio Ballester, “Uphill to Tibidabo” y “Ted & Rodrigo on the air” fueron su bienvenida a un público que se mostró caluroso en su acogida. Después, Biel Ballester presentó “Prelud Dancourt”, en homenaje a la plaza parisina en la que se venden las guitarras con las que se ejecuta ese jazz.

Una vez calentado el ambiente, Ballester presentó a su invitado: el violinista rumano afincado en Paris, Costel Nitescu, quien ya visitara –al igual que el mallorquín- Jazz San Javier. “Atomic gypsy swinging” sirvió para que el ya cuarteto se acoplara e iniciar, así, una muestra maravillosa de esta especialidad del jazz nítidamente europeo, a la que dieron tintes mediterráneos en piezas como “Per na Colo”. A ellas siguieron “Danube”, el clásico de Django Reinhardt, “Blues Clair”, o “Xun shop blues”.

Con “Minor destillerie” y “Jungle rumba” dieron por acabado su concierto -en esta su segunda visita a Jazz San Javier- el trío de Biel Ballester y el violinista Costel Nitescu. El auditorio se mostró entregado con el cuarteto de músicos y así pidieron, con cierta insistencia, que regresaran al escenario para que regalaran algún tema más. El guitarrista se excusó por la tardanza en aparecer, pero no querían importunar en el comienzo de la siguiente actuación. Otra pieza inmortal del recordado Django Reinhardt , “Swing 48”, puso el punto y final a una interpretación impecable de la que el público se quedó con ganas de escuchar más piezas.

El segundo concierto de esta jornada inaugural del XIV Jazz San Javier tuvo tintes absolutamente contrarios y bien diferenciados, a cargo del guitarrista inglés, Albert Lee & Hogan’s Heroes. Música con muchos aires vaqueros de sábado por la noche en el club, que no obstante gustaba al respetable. Unas primeras piezas como “Two step two”, “Travelling prayer” o “Livin it down” colocaron al auditorio en otro ambiente bien distinto al que minutos antes se había creado con el “jazz manouche”.

Albert Lee está considerado como el mejor guitarrista del modelo Telecaster de la marca de guitarras eléctricas FENDER. Sus intervenciones en grabaciones y conciertos con otros grupos y solistas del rock y pop, tanto inglés como norteamericano, son numerosísimas y le han hecho merecedor de ser merecedor de ese galardón. Valga como ejemplo sus visitas a Jazz San Javier formando parte de los Reyes del Ritmo que lidera el ex bajista de Rolling Stones, Bill Wyman.

Albert Lee se inició a muy temprana edad en el piano, antes de decidirse por la guitarra. Por ello emuló sus primeras enseñanzas en Jazz San Javier, interpretando al piano un tema de John Stewart titulado "Runaway train" que levantó, además de pasiones, a muchos de los asistentes de sus butacas.

Durante unos cien minutos, los Hogan’s Heroes capitaneados por Albert Lee derrocharon parte de su potencial musical en un más que agradable concierto de quien ya es una de las leyendas vivas de la música británica. Por su parte, Hogan’s Heroes es uno de los grupos más afamados de Estados Unidos debido, entre otros aspectos, a que invitan a tocar con ellos a primeras figuras de la música como Eric Clapton, Lonnie Donegan, Willie Nelson o Emmylou Harris.

En suma, una primera noche del XIV Jazz San Javier para los contrastes musicales entre "gitanos" y "vaqueros", que animaron al auditorio a pesar de esa diferencia de estilos. Pero esto no ha hecho más que comenzar y hasta el próximo 30 de Julio, los conciertos con estilos contrapuestos irán conformando las crónicas personales de los que cada noche se dan cita en el Parque Almansa y que, como indicaba al principio, continúan fieles a este festival y dispuestos a disfrutar en todos los sentidos con el jazz, blues o rhythm & blues. La proxima jornada será el viernes, 1 de Julio, con el regreso del guitarista norteamericano, Lee Ritenour, al que acompaña una leyenda del género: Dave Grusin. Antes, el pianista gaditano, Sergio Monroy, dejará ambientes de fusión entre el flamenco y las tendencias jazzísticas de ayer y de hoy. Ambos conciertos prometen posibilitar una estupenda noche veraniega de música y mejor ambiente. Lo contaré con todo detalle.

Todas las fotos de esta crónica son obra de MARTA PINILLA ALDARAVI.

ADIÓS, MIGUEL. ADIÓS.

2011-06-26T20:40:00.001+02:00

Es un “viejo” rockero; viejo por lo veterano, que no por su estado de ánimo, su alma y su mente. Después de casi medio siglo luchando, trabajando duro, conquistando y otorgando parcelas de la música; innovando en el “show business” español del espectáculo en directo, aunque él nunca se “forró” de pelas con la música porque le ha gustado reinvertir parte de lo ganado en nuevos proyectos, su etapa de grandes escenarios parece tener un fin calculado, hasta cierto punto. Por segundo año consecutivo, el “Bye Bye Ríos. Rock hasta el final”, visita las ciudades españolas a las que no llegó durante 2010. El final será en América Latina. Una gira de despedida a lo grande, como nos tiene acostumbrados. Es Miguel Ríos.

Su concierto de Murcia fue una conexión absoluta entre las algo más de seis mil almas que se dieron cita en la Plaza de Toros de la capital murciana y el cantante granadino. Una vez más, la comunión público-artista se celebró y de qué manera tan estrecha. El propio Miguel Ríos dijo por el micrófono que “cuántas caras conocidas” de esta tierra, a la que amo y debo tanto (en su viaje hacia Madrid, allá por principios de los 60, Miguel hizo un pequeño alto en Murcia).

Sus temas de siempre sonaban por el coso taurino -transformado para la ocasión, en “rockódromo” para un rey del género-, con la misma frescura de años atrás. Los años pasan para todos, pero parece que no tanto por sus canciones algunas de ellas con una vigencia absoluta. Y todo ello, con una banda que arropa al mejor Miguel Ríos de todos los tiempos y a la que incorpora una sección de vientos (tal vez, porque la añoranza de la riqueza musical de una big band está presente) que imprime más contundencia y matices al sonido de esta despedida que nadie quiere creer. Y todo ello, con esa voz singular y hecha golpe a golpe, como aquellos versos de Machado que cantara durante el principio de los 70; cuando el “Himno a la Alegría” le había catapultado en medio mundo y Miguel Ríos ya se preparaba para iniciar una carrera de largo recorrido que, ahora, intenta culminar con mucha dignidad y mayor calidad. Esa calidad que te dan los años de trabajo y experiencias de todo tipo; de subidas y caídas, con las que Miguel Ríos ha ido aprendiendo el negocio del espectáculo y de la vida misma. Los murcianos no querían que se fuese, por ello tuvo que hacer dos largos bises antes de finalizar este concierto de dos horas y media de duración y del que, seguro, sus seguidores no se van a olvidar mientras vivan.

Un día antes, Miguel se acercó hasta un pueblecito a orillas del río Segura, Blanca, para inaugurar una exposición colectiva de fotografías sobre su trayectoria en la música que ha coordinado Domingo J. Casas como comisario de la misma, en la Fundación “Pedro Cano” de esa población. Momento que aprovechamos, para un reencuentro de dos viejos amigos que hablan sobre la vida y la música.

Pregunta.- ¿Es ésta una retirada a tiempo?

Respuesta.- Si, sí, sí. Estoy convencido de que cada vez más, los refranes tienen sentido y el de “retirarse a tiempo es una victoria”, en mi caso, creo que una verdad absoluta.

P.- ¿Cuántas historias, sean o no de carretera, tiene en su baúl? Porque desde 1961 a hoy han sido muchísimos kilómetros de todo.

R.- La verdad es que sí tengo un buen montón de “historias”. Pero lo realmente interesante ahora, no va a ser rememorar el tiempo pasado sino, de alguna manera, revivir algunas de mis etapas, de las cosas que he vivido. Yo tengo tres elementos importantes para la memoria. El primero es la música, como un hilo conductor importantísimo de la memoria. Al escuchar ahora mis discos (antes nunca lo he hecho, porque he ido aprendiendo de lo que otros iban haciendo), te puedes acordar de dónde, cuándo y por qué hiciste una canción o un texto. Y eso te lleva a recordar donde vivías, cómo era tu casa, cómo era la sociedad en aquel momento o qué problemas acuciaban a esa sociedad. Otro hilo conductor es lo visual que, como en el caso de Blanca con estas fotografías, te retrotrae a tiempos pasados. Y el tercer hilo conductor (impresionante para todos nosotros) es Internet. Cuando navego me entero de cosas que yo he ido diciendo con el paso de los años, a través de publicaciones que se han colgado en la red. Con Internet, las posibilidades de ampliar el conocimiento de toda tu vida son inmensas porque, hasta ahora, he vivido mi vida de una manera lineal y con Internet tengo la posibilidad de recrearlo. Y hay otro aspecto que también ayuda: la Literatura. Existe lo que se ha dado en llamar “licencia literaria”. Esto es, el contar las cosas que fueron verdad pero adornadas desde el punto de vista de cómo pienso que las viví. Es decir, que las viví de una forma pero hoy las recuerdo de otra. Y ese “engaño” es muy interesante porque mi vida, ahora, es menos plana que entonces. Hay muchas razones –y algunas, no confesables- por las que se deja de cantar. Y para mí, una de ellas es que esta música no es para viejos. En esa línea, me acuerdo mucho de los consejos de mi madre que era una gran fans de Antonio Machín, con quien hice amistad ya que coincidíamos en “bolos” y viajes. Y un día, la llevé a que viera a Machín en Granada y al terminar pensé que me diría: “Hijo mío, no sabes lo que te agradezco que me hayas dado la oportunidad de ver a Machín en directo”. Y no fue así. Me dijo: “Hijo mío, no te vayas a hacer viejo en un escenario, porque es la cosa más fea que existe”. Quiero decir con ello, que me he inventado espectáculos y escrito canciones, pero no soy un músico. Si fuera un músico estaría toda la vida en esto, porque el músico tiene la libertad de morirse sobre un escenario ya que se parapeta tras su instrumento. Pero un cantante, cuando llega el solo de guitarra o de un saxo, ¿qué hace? ¿Saltar? La verdad es que saltar a los 70 es muy complicado y difícil. Por eso puedo continuar haciendo cosas para la música; cantar gratis para ONG’s, como el concierto que se ha programado el 22 de julio en el Castillo de Lorca, a favor de los damnificados del terremoto que ha asolado esa bella ciudad. Ahora me interesa no ser profesional y vivir como “amateur”, como “amante de”, sin perder ese maridaje con la música. Me están ofreciendo varias cosas; una de ellas, me quieren pagar para que hable de música. ¡Fíjate! Lo haré alguna vez, como esa experiencia que ha llevado a cabo en Málaga Héctor Márquez, con “La música contada”. Ya han desfilado por ese espacio como 500 personas de diferentes “status” como Iñaki Gabilondo, a contar las canciones de su vida y hablar de eso sí que es factible.

P.- Hace poco más de un mes, se convocó por las redes sociales en Internet una manifestación por las calles de las ciudades españolas que, posteriormente, desembocó en lo que se ha dado en llamar el “Movimiento 15 M” aglutinando a personas de toda clase de ideología o religión, pero con un denominador común: la indignación. Como cantas en una de tus emblemáticas canciones “ésta es una generación límite” o la clase política y financiera “se ha pasado del límite razonable”.

R.- En mi álbum “60 MP3” escribí una canción con Luis García Montero que se llama “El blues de la insatisfacción”, en la que hablaba del tío que lo tiene todo, pero que no está satisfecho porque ve mucha desigualdad y ello no le deja estar satisfecho. Cuando observo lo que está pasando es inconcebible que se haya tardado tanto en reaccionar por una parte de la sociedad. El motivo se localiza en el desengrase de la actitud de contestación de los jóvenes, porque desde el Poder y la sociedad establecida se les ha indicado que “lo tienen todo y no han tenido que luchar por nada”. Ese mensaje los ha contagiado durante un tiempo, hasta que se han dado cuenta de que es mentira porque, en realidad, no tienen nada. Los que en los 60 éramos jóvenes y luchábamos por cambiar las cosas (tanto en lo político como en la manera de ver y entender la vida); en definitiva, de tener acceso a la libertad, sin tener que dar cuenta a nadie. La lucha, entonces, era fácil porque se hacía contra cosas establecidas como la intransigencia, la dictadura o la doble moral. Hoy los jóvenes parecía que lo tenían todo y que podían continuar de por vida en la casa de los padres. Y claro, se preguntan ¿qué futuro es ese? La verdad es que entiendo todo lo que está pasando, porque me rejuvenece. Pero van a tener problemas para mantenerlo porque es un movimiento –el pacifismo y la no violencia-muy “blanco” y existe mucha gente con muchos intereses “muy bastardos” que van a procurar que ese movimiento se transforme en uno más “intervenido” para romper, precisamente, ese romanticismo que ahora tiene. En mi opinión, lo que no han hecho bien los poderes no establecidos –pero que mandan en el Planeta- es la medición del grado de marginalidad que se está registrando, porque se les ha escapado lo que en las máquinas aparece como el “grado de error”. Se les ha escapado ese error y no se puede eternizar esa marginalidad. En España, cinco millones de parados se pueden revolver; probablemente no todos pero si lo hacen 300.000, esa es una cantidad muy importante. Todo comenzó a raíz de un libro, una especie de panfleto, que escribió Stéphane Hessel (uno de los redactores de la Declaración Universal de los Derechos Humanos de 1948), quien en ese libro titulado “¡Indignaos!” hacía un llamamiento para protestar de manera pacífica contra los abusos de los poderes fácticos. Y si ese “panfleto” ha movido lo que se está viendo, merece la pena continuar escribiendo sobre ello.

P.- Estamos en unos momentos en los que el mundo (ese mundo global) atraviesa por un estado muy delicado. Pareciera como si las catástrofes, las desigualdades, los malos entendimientos, la esclavitud quisieran todos juntos apoderarse del ser humano y de su hábitat natural. Un claro ejemplo ha sido el terremoto y, sobre todo, el tsunami en Japón que ha descubierto la caja de los truenos: la enorme peligrosidad de la energía nuclear. Ya cantaste al respecto en uno de tus discos por los 80. Ahora más que nunca ¿hay que ser antinuclear?

R.- Yo creo que sí. La verdad es que esa parcela está mejor reflejada en “La huerta atómica”, un disco que hicimos por 1975 cuando vivía junto a la base aérea de Torrejón de Ardoz, con la pretensión de que saliera una obra sinfónica (con principio y final), al estilo de los trabajos que hacían grupos como Génesis de obras conceptuales. Lo nuclear es como una especie de mentira. Según los expertos, no es la energía más barata ni la más cara ni la más contaminante mientras esté controlada. Pero cuando ocurre lo que ha sucedido en Japón, sí es cierto que es la más peligrosa y contaminante porque sus efectos duran muchísimos años y los perjuicios se multiplican por miles, sobre los beneficios. Frente a esto (y haciendo uso de las nuevas tecnologías), hoy podemos abastecernos de energías naturales y, encima, a precios tiraos. De hecho es tan barato, que las eléctricas ya no quieren que continúen las plantas de energía solar porque les pueden llegar a cerrar el negocio. Si entras en Internet, te puedes informar de la cantidad de inventos que existen, de investigaciones culminadas, que nos indican que hay alternativas a la gasolina para mover los coches. Por ejemplo, si montas en un taxi se puede ver que para arrancar lo hace con gasolina, pero inmediatamente entra en funcionamiento un motor eléctrico que se va autoabasteciendo. Y entonces te preguntas ¿Por qué esto no lo ponen en todos los coches? Lo que quiero explicar con ello es que antes se intuían los “lobbys”; hoy se sabe a ciencia cierta que existen. Lehman Brothers crearon las “falsas cuentas” de Grecia y cobraron un pastón por ello, por buscarle la ruina a un país. Ahora, la gente en Grecia se ha echado a la calle para decirle al mundo que, por favor, les dejen comer algo y que no les aprieten más. Vivimos un momento apasionante, por un lado, porque se están cayendo muchas caretas; pero al mismo tiempo, tenebroso. Estoy convencido de que el capital va a concluir que por este camino, no hay gente que consuma y van a intentar llegar a un equilibrio. Pero no por una cuestión de querer salvar a la Humanidad, sino por salvarse ellos y poder continuar obteniendo un gran beneficio. Mientras, se les ha olvidado que la gente puede estallar.

P.- En esta gira (al menos en su primera parte, durante 2010) contaste con el concurso de algunos compañeros de camino; unos más veteranos que otros. ¿Cómo ves, desde tu perspectiva que te han proporcionado los años en los escenarios y fuera de ellos, a los nuevos músicos españoles. A esa “nueva ola”?

R.- Desde siempre me he interesado por conocer cómo se mueve el mundo del rock. Creo que ahora mismo hay mejores músicos que nunca; mejores bandas. La gente toca mucho mejor; tiene mucho más sentido como, por ejemplo, los murcianos de M-Clan. Si hubieran nacido en Estados Unidos, Carlos Tarque sería un ídolo mundial porque canta de una manera increíble. Esto en cuanto a los más o menos establecidos. Pero la gente que todavía está en embrión, les escuchas por los locales de ensayo tocar y lo hacen con un conocimiento de causa increíble. Todo ello, porque ya hay una tradición y una escuela de rock. En esto ha ocurrido como en la Literatura, que el nuevo escritor escoge su estilo por los libros que ha leído y que le son afines. En la música ha ocurrido lo mismo. En el concierto de Gredos tocó conmigo un chaval que se llama Salam (que estaba con el Mago de Oz) y toca que alucinas de bien con tan sólo 22 años. El único problema es que hay más músicos que oídos para escuchar. ¿Qué está ocurriendo entonces? El personal no tiene tanto tiempo para escuchar todo lo que se edita. Tiene que elegir y esto, antes, era muy fácil cuando, por ejemplo tú, desde la Radio prescribías o informabas con tu criterio de que ese disco era bueno, regular o malo. Hoy la gente está huérfana de estas guías y tiene que bajarse de Internet todo lo que sale y almacenarlo en un compartimento de enorme capacidad, donde nunca escuchas nada y, en consecuencia, no respetas nunca nada porque no te ha costado ningún trabajo. Antes, cuando se prescribía, se creaba un interés por seguir ese disco que habías escuchado en la Radio; lo seguías hasta la tienda de discos (hoy ya no hay, apenas, tiendas de discos ni discográficas), te lo comprabas y le dabas un valor. Cuando pagas algo, le das una valoración. Hoy, con el “gratis total”, ya no se da valor a las cosas; una canción o disco te puede conmover o gustar, pero al no pagar nada por él no lo valoras. Y como la materia del ser humano es tan mala, que pensamos que lo que es gratis no vale nada, eso está siempre en el subconsciente. Por eso, a los músicos jóvenes les está costando tanto trabajo abrir camino, porque no tienen a quien convencer. Mira, otro ejemplo que viví. Mi hija Lúa fue a un concurso de bandas que se celebraba en Londres y que, el año anterior, había ganado un grupo murciano que se llama Second. Cuando les escuché, me gustaron mucho y me preguntaba por qué esa banda española no la conocía con la calidad que tenía. Llegas a la conclusión de que en este tiempo, te tienes que hacer experto en redes para ir conociendo la novedad. Y esto es así, porque es el tiempo que nos ha tocado vivir.

P.- Hace unos años (a pesar de que siempre que has podido, lo has hecho) volviste a Granada, a tus orígenes, para fijar buena parte de tu residencia anual. ¿Siempre fue uno de tus propósitos?

R.- Es cierto. Granada es como la tierra de promisión. Cuando te iba mal pensabas “es que como estoy en Granada…”. Cuando las cosas te han ido bien pensabas “Que se enteren en Granada…”. Bien. Pasados los años, te das cuenta que lo que más odiabas de Granada ahora es lo que más te atrae. Porque ahora cuando vuelvo, lo que quiero es una ciudad a la medida humana. Antes me fascinaba Madrid y pensaba que nunca podría dejarla. Mantengo una casa y tengo que viajar a Madrid con frecuencia, pero cada vez me es más hostil, más cuesta arriba y cada vez te cuesta más ver a los amigos, porque hay que ir de una punta a otra de Madrid. Para mí, Granada tiene un sentimiento espiritual. Es recuperar la luz, el sentido del tiempo. Luego tiene sus “cosillas”, como toda capital, pero es una buena ciudad para ir cumpliendo años, sí.

P.- El que suscribe (y el entrevistado creo que lo sabe) siempre ha mantenido que Miguel Ríos tiene la voz perfecta para interpretar “baladas”, pero no como las que le arreglaban en los tiempos de Hispavox –que también, en aquel momento-, sino del estilo de “No estás sola”. ¿Te sientes cómodo en temas como ese?

R.- Me gusta la balada y me encuentro a gusto en ella. Lo que pasa es que hubo un tiempo, cuando grababa con Hispavox y me arreglaba los temas Rafael Trabucchelli, en el que las grabaciones se hacían con 30 músicos (entre ellos, violines) y reproducir eso en los conciertos en directo era imposible. El “Himno a la alegría” no pude incorporarlo a los directos, hasta que salió el mellotrón; un teclado que imitaba los instrumentos de cuerda de una orquesta. Te producía un cabreo inmenso el que la gente pagara por escucharte en directo el último éxito discográfico y no pudieras tocarlo y, encima, no pudieras explicarle a la gente que no podías tocarlo porque no tenías los instrumentos adecuados para que sonara, al menos, parecido al disco. Durante mucho tiempo, lo pasé muy mal por esa circunstancia. Luego, cuando tomé las riendas de mi trayectoria buscamos hacer los temas con menos músicos y que sonaran bien.
“Santa Lucía”, por ejemplo, no quería que se incluyera en el “Rocanrol bumerang”. Si no es porque Carlos Narea y Tato Gómez se empeñaron, la balada de Roque Narvaja no hubiera aparecido, porque habían más temas y creía que la gente pensaría que era un “moña”; en los vinilos no podías pasarte de un cierto minutaje por cara, porque entonces el conjunto no sonaba bien, etc. Y luego fíjate cómo se ha convertido en casi un himno. Las canciones que canta la gente son aquellas en las que se oye cantando. Y cuando escuchas una canción interpretada por miles de personas, se hace más grande que tú y piensas que ha cumplido una función. Lo más importante es el nexo creado entre público y cantante.

P.- ¿Por esas líneas puede continuar las apariciones esporádicas de Miguel Ríos en el futuro? Uno piensa que la experiencia con la Big Band fue magnífica y tuvimos ocasión de ver otras dimensiones de Miguel Ríos poco conocidas hasta aquel momento.

R.- Ahora está carísimo el pagar 16 ó 20 músicos. El “mono” me lo quito cuando hay un concierto benéfico en Granada y viene la Big Band de allí a acompañarme en tres o cuatro temas. Y me encanta. Eso siempre está ahí. Lo que no quiero es hacer giras y meterme de nuevo en sus incertidumbres; si llueve o no, si vendrá o no la gente. Esas incertidumbres me han perseguido durante estos 50 años. Pero el cantar es emocionante y eso no lo voy a perder.

P.- Volviendo a otro de los asuntos que tiene “cabreado” al personal: el canon y los derechos de autor de la SGAE. ¿Por qué ha suscitado tanto embrollo este asunto? Y en segundo lugar, los músicos (o parte de ellos, que creo son bastantes numerosos) quieren desbancar a la cúpula de la SGAE. Denotan mucho descontento con la política y dirección de Teddy Bautista y su equipo. Ellos también parecen estar indignados ¿Por dónde va Miguel Ríos o no le interesa mucho este asunto? Hay mucho ruido de fondo, ¿no?

R.- ¡Vaya que si lo hay! El otro día me encontré a Luis Cobo “Manglis” y no me dijo que se presentaba a la Presidencia de la SGAE. He visto su vídeo en Internet y está muy bien. También opta Miguel Hermoso. Todas estas propuestas nos están llegando a través de los correos electrónicos que cada uno tenemos en la SGAE, que ha facilitado mucho bastantes tareas que se desarrollan por parte de los miembros como los Premios de la Música, etc. Creo que hace tiempo que se debía haber producido un cambio de personas, pero ahora es el momento de que la SGAE se incorpore a este tiempo. El equipo de Teddy Bautista ha realizado un trabajo muy bueno en la modernización. De hecho, yo votaré a ese equipo porque hay gente como Víctor Manuel San José y otras personas muy válidas. Pero mi opinión de cómo se gestiona la Sociedad General de Autores de España es que el equipo que gane esas elecciones va a tener que explicarle a la sociedad mucho mejor cómo funciona la institución, porque la política de comunicación de la SGAE ha sido peor –si ello es posible- que la de Rodríguez Zapatero. Porque mira que es difícil no tener un lenguaje que llegue a la gente, cuando manejas tantísimo dinero e información. Y pienso que se tenía que haber practicado una actitud didáctica de cómo y por qué se hacen las cosas, además de haber reconocido sus propios fallos ya que la autocrítica es lo primero que hay que tener y practicar en la vida. Sinceramente creo que la dificultad que hay en entender la SGAE tiene que ver mucho, con lo que antes te indicaba del “gratis total”. Esa es una práctica que se ha instalado en la música, haciéndole un daño terrible. No sé, exactamente, cuantos puestos de trabajo (directos e indirectos) se ha cargado el “gratis total” en la música. Han desaparecido las tiendas de discos; los locales donde tocar están absolutamente cuestionados. Todo lo que hay alrededor de la industria discográfica, los programas de radio especializados han desaparecido prácticamente y se ha optado por las “radio fórmulas” que, curiosamente, evita el tener trabajadores porque se graban para distribuir y sólo hace falta la persona que emite esa grabación. Todas estas circunstancias han ido en contra de la creación y del desarrollo de la música también como industria. En el respeto por el creador, la SGAE ha actuado bien pero lo ha explicado muy mal.

P.- ¿Qué ha significado para ti el autobús, además de ser un magnífico “blues”?

R.- Recuerdo los primeros años de mi carrera cuando iba en tren a los contratos. Donde llegara me esperaba una orquesta que sonaba muy diferente a los arreglos originales. Después cuando empecé a tocar con mis propios músicos viajábamos en furgonetas con el equipo detrás. La llegada del autobús significó la mayoría de edad para las bandas de rock en este país. La confraternización y el poder compartir experiencias y canutos nos hicieron mejores músicos. Ahora se ha vuelto a las estupendas furgonas que son más ágiles y rápidas.

P.- ¿Por qué el rock’n’roll es un boomerang, además de porque siempre vuelve?

R.- Esta canción es de 1980. Por entonces se notó una vivificación del movimiento rockero, que había estado en sordina desde el espejismo de los sesenta, con bandas como Los Brincos y Los Bravos. Esa canción habla de mi deseo de que lo que yo empezaba a ver en los conciertos, sobre todo en La Noche Roja, se materializara y el rock volviera para seguir contado la historia de una juventud que no acababa de creerse que era el motor del país.

P.- La de Miguel Ríos ¿ha sido una “manera de vivir”, de ser y estar?

R.- Pues sí. Creo que he tenido mi propia personalidad y mi discurso ha intentado reflejar la forma en la que entendía el mundo, mí tiempo. Nunca he intentado pontificar y siempre he mantenido muy frescas mis dudas, pero, al mismo tiempo, he procurado alimentar las menos contradicciones posibles. En un tiempo tan incoherente y falto de compromiso he procurado no taparme.

P.- Y ¿todo lo has tenido que hacer a pulmón, sin respirador o botellas de oxígeno que te ayudaran?

R.- No, siempre que he podido he aceptado la ayuda de la amistad. Mira, yo no soy ni un héroe, ni un santo, ni tampoco soy el que va a tirar la primera piedra por estar libre de pecado. Pero conscientemente nunca he engañado a nadie. Todavía puedo mirar a los ojos limpiamente.

P.- Y después de “Bye Bye Ríos”, ¿qué? ¿Otros proyectos más sosegados o menos frenéticos?

R.- Me gustaría aprender a vivir sin estar de la Ceca a la Meca, entendiendo por la Ceca casa de la moneda y Meca lo que todo el mundo sabe, casa de la religión. O sea que me gustaría sin pasta ni dios, sin ataduras quiero decir. Ayudando y ayudándome a pasar el tiempo que vendrá con la máxima dignidad posible.

Todas las fotos de este reportaje y entrevista son obra de GOIO VILLANUEVA

OCHO AÑOS DE FESTIVAL BELLUGA

2011-06-14T11:52:00.000+02:00

Tal y como se puede leer en este programa de mano, el VIII Festival Belluga regresa a su escenario natural (nunca mejor utilizado este adjetivo) de la emblemática plaza murciana, cuyo marco inigualable y joya del barroco español, el imafronte de la Catedral, constituye de por sí todo un espectáculo para los sentidos.

El Ayuntamiento de Murcia y la Fundación CAJAMURCIA reiteran así su compromiso con esta cita veraniega, que nos procura un cartel interesante para este Verano 2011 al que se puede acceder de manera gratuita. Desde el día 5 al 13 de julio próximos (ambos inclusive), los murcianos y visitantes de la ciudad podremos disfrutar de cuatro propuestas diferenciadas que nos atenuarán -seguro que sí- las elevadas temperaturas que suelen registrarse en Murcia por esas fechas del año.

Para comenzar, el martes día 5 de julio pisarán el escenario de Belluga la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, con el concierto "Tchaikovsky. Música para Danza". El programa estará compuesto por "La bella durmiente", "Cascanueces" y "El Lago de los Cisnes".

El jueves, 7 de julio, un "Concierto para Voces y Cuerda" a cargo de la Coral Discantus y el Quinteto Diapasón, con Ariel Hernández, como solista, y la dirección de Ángel Luis Carrillo. El programa es muy atractivo, con piezas clásicas del "gospel" tales como "Oh, happy day", "Swing Low", "Swing Charriot", "Joshua fit the battle of Jericho" o "Got down", entre otros muchos clásicos de este género de los espirituales negros norteamericanos.

El ecuador del ciclo llegará el lunes, 11 de julio, con un Concierto Sinfónico a cargo de la Sección de Cuerda de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia con Darling Dyle, como concertino y director, que interpretarán obras de Nielsen, Grieg o Vivaldi (entre otros), bajo el título de "Serenata Nocturna".

Y para el cierre, Danza Española a cargo de la Compañía Antonio Najarro que, dentro del epígrafe "Jazzing Flamenco", presentan una fusión de estilos que transcurren por el jazz, el blues o el propio flamenco en una coreografía que ha concebido el titular de esta compañía de danza, cuya dirección musical corre a cargo de Fernando Egozcue.

La cita de todas estas propuestas de música y danza será a partir de las 22 horas (diez de la noche), con acceso libre al recinto hasta completar aforo. En suma, que algunas de las noches murcianas de la capital se harán más llevaderas merced a esta propuesta que desde hace ya ocho años, la Fundación CAJAMURCIA y el Ayuntamiento de Murcia decidieron poner en marcha. Una iniciativa que se agradece en lo cultural y en la oferta de ocio y tiempo libre veraniego.

THE MUSIC MEN: UN ANIVERSARIO CON MUCHOS AMIGOS.

2011-06-05T23:13:00.003+02:00

El pasado viernes, 3 de Junio del año en cuso, un veterano grupo murciano denominado THE MUSIC MEN celebraron el X aniversario de su reencuentro musical, tras 30 años de separación. Y este feliz aniversario quisieron celebrarlo con algunos -de los muchos que poseen- amigos, cosechados a través de los tiempos musicales. Ciertamente no estuvieron todos los que son, pero sí eran todos los que subieron al escenario de "El Ventorrillo de las Peñas Huertanas". La cita, sobre el papel, prometía y cumplió su finalidad.

The Music Men es un grupo que nació allá por 1968, en el seno del colegio de los Hermanos Maristas del Malecón murciano. Sus componentes iniciales mostraban todo el entusiasmo propio de cinco jóvenes quinceañeros que como otros muchos, se sumaban a la enorme eclosión que The Beatles y otras formaciones británicas (fundamentalmente) o norteamericanas estaban causando en todo el mundo de la música moderna. Y aunque The Beatles eran los que más marcaban aquellas tendencias, The Music Men se decantaron más por formaciones como Rolling Stones, Canned Heat, Jimi Hendrix o el mismísimo "Rey del Soul", Otis Redding, entre otros. Es decir, que fueron definiendo más lo que sería su futuro estilo musical aunque fuera a fuerza de versionar los éxitos de aquellos su ídolos.

The Music Men fue uno de aquellos grupos que calaron entre los jóvenes murcianos, como lo demuestran sus actuaciones en diversas matinales de pedanías cercanas a la capital o en su participación en una iniciativa pionera como fue "Los Superpops", que desarrolló la extinguida Radio Juventud de Murcia y que llevó a cabo en las tablas del Teatro Romea (por cierto, una pena que después de cuatro años -ya vamos para cinco- permanezca aún cerrado por unas obras que durarían una temporada solamente). Pero lo que nos ocupa es la historia y el aniversario de The Music Men y es lo que continuamos contando.

Los estudios de cada uno de aquellos jóvenes inquietos, musicalmente hablando, produjo que la mayoría tuviera que salir de Murcia y el grupo se deshizo en 1970. José Luis García "JASI", se marchó a Granada para cursar sus estudios de Aparejador (entonces, hoy Arquitecto Técnico); Pepe P. Caparrós y Jesualdo Breis hicieron lo propio en Sevilla, ciudad en la que cursarían sus estudios de Ingeniería. En definitiva, que el grupo con esa realidad no podía continuar. Pero pasaron 30 años y cuatro de sus cinco componente iniciales decidieron, allá por el año 2000, que revivían a The Music Men y así lo hicieron. Y hasta la fecha. Diez años durante los que la música de estos "men" murcianos ha vuelto a invadir los escenarios de las salas, baretos y locales del panorama regional.

Y llegados a este punto, The Music Men decidieron celebrar esta primera década de su reencuentro, con una parte de los muchos amigos que pasaron -en algún momento de su trayectoria- por la formación (como el que suscribe, que fue su batería en un concierto celebrado antes de la separación en la también desaparecida sala de verano "Nairobi") o fueron pieza clave, precisamente, de esa su historia. Como indicaba unos párrafos atrás, no estuvieron todos los que son pero sí eran todos los que allí se dieron cita. Y fue bonito y hermoso. Los años pasan por todos los que pisamos la Tierra, pero se lleva bien como demostraron con un concierto que pasó de las dos horas. Como antaño, Pepe Pérez Caparrós (voz solista) hacía de "Maestro de Ceremonias". José Luis García "JASI" (guitarra solista y voces), de director de la cosa. Antonio Carrión (guitarra rítmica y voces) está casi como siempre y no digamos del bajista del grupo, Jesualdo Breis. Y la batería ha sido el instrumento que más "music men" ha tenido en esta formación. El último tras el reencuentro es Pepe "Hatman" Navarro; "Pepito Flash", para los más allegados (Los Flash fue otro grupo murciano de la época).

Y sonaron canciones con nuevos aires como "Green river", "Jumpin' Jack Flash", "On the road again", o una composición de José Luis García "JASI" titulada "What do you think about", en la línea musical que siempre ha caracterizado a The Music Men. Más tarde llegaron los Friends. El primero en aparecer fue Antonio Fenollar (guitarra y voz), que interpretó una vieja canción que en los 60 cantaba con José Luis: "Let it be me". Un poco antes, Mamen y Lourdes hicieron su aparición en el escenario para conformar los coros femeninos. Después, un viejo amigo de estudios en Sevilla: David Galindo (voz y guitarra).

La noche y el concierto también fueron propicias para las sorpresas, como la que nos produjo la aparición de Coco García (guitarra y de qué manera) e hijo de José Luis García "JASI", quienes mantuvieron un "duelo de cuerdas" a través del conocidísimo "Hey Joe", que compusiera el no menos recordado Jimmy Hendrix. Coco García está llamado a ser uno de los guitarristas españoles más destacados, si su carrera musical no se ve interrumpida por otra u otras circunstancias. Espero comprobarlo.

Y por fin, dos baterías y percusionistas igualmente conocidos del mundillo musical murciano: Pepe "Mike" Riquelme y Pedrín Sánchez, éste último del grupo Los Marañones. Con ellos, las notas de "Evil ways" se desplegaron por todo el recinto y empujaron, de manera definitiva, a los pocos rezagados que aún no bailaban al ritmo de la música.

En definitiva, que fue una noche mágica e inolvidable para una mayoría; mucho más, para The Music Men que a partir de ese concierto son mucho más "Hombres Musicales" y afortunados de contar con tantos amigos. La noche acompañó en lo meteorológico (tal vez, un poquito de fresco de más para las fechas del año en las que estamos) y en lo musical. El reencuentro, también, de muchos de nosotros fue otro más que agradable y entrañable motivo de haber acudido a la cita convocada por The Music Men. ¿Qué más se puede pedir? Felicidades, muchachos.

El reportaje fotográfico es una "obra de artesanía" (nunca mejor utilizado ese término, como consecuencia de la pobre iluminación con que se "adornó" el concierto. De ahí, el blanco y negro) del maestro Goio Villanueva a quien agradezco tanto esfuerzo por lograr fotos acordes con su prestigio. No obstante (teniendo en cuenta lo de la falta de iluminación), no han quedado mal del todo ¿verdad? Gracias, Goio.

NOS DEJÓ EL PADRINO DEL RAP

2011-05-31T10:09:00.000+02:00

Gil Scott-Heron, el artista que sentó las bases del rap en los 70 con el tema 'The revolution will not be televised', ha fallecido en Nueva York a causa de una neumonía. Considerado por muchos como "el Bob Dylan negro", Scott-Heron ha sido una influencia fundamental en los mayores artistas del hip-hop, así como un referente en la utilización de la música para denunciar las injusticias sociales.

Gilbert Scott-Heron nació en 1949 en Chicago, Illinois. La separación de sus padres hizo que su vida transcurriera primero en Tennessee y posteriormente en el Bronx, lugar donde realizó sus estudios secundarios. Su talento para la escritura le valió una beca, que le abrió las puertas de la Universidad Lincoln de Pennsilvania. En 1969 escribió sus dos primeras novelas: 'The Vulture' ("El Buitre") y 'The Nigger Factory" ("La Fábrica Negra"), que obtendrían una gran acogida.

En 1970 edita su primer disco, "Small Talk at 125th and Lenox". El vinilo encierra los temas centrales del discurso de Scott-Heron: la superficialidad del consumismo y la televisión, el racismo de los medios o el abandono de las ciudades del interior. "The revolution will not be televised" ("La revolución no será televisada") será la canción fundamental en su carrera como músico, cantante y escritor.

Esta obra fundamental de Heron -"The revolution will not be televised" ("La Revolución no será televisada")- es una canción de "spoken word" ("palabra"), en la que denunciaba la frivolidad de los medios de comunicación que dejaban de lado los temas realmente importantes. Esta composición es considerada como la pionera del rap, influyendo a artistas que llegarían más tarde tales como Public Enemy, Eminem o Kanye West.

"Pieces of a Man", publicado en 1971, supone la aproximación de Scott-Heron a las estructuras musicales más convencionales, alejandose del estilo "recitado" de su primer trabajo. Para este álbum, el artista utilizó instrumentos eléctricos, saxofón, flauta, piano y la ayuda de su habitual colaborador, Brian Jackson. "Pieces of a Man" marcaría el estilo de los siguientes discos de Gil Scott-Heron, en los que la música siempre fue el vehículo para lanzar el mensaje social del artista.

El estilo vocal de Scott-Heron era más próximo a la declamación que a la canción en sí. Así lo definíó en su momento, el bajista Ron Carter: "Gil no era un gran cantante, pero su voz hacía que hasta un susurro sonase con dinamismo. Tenía el tipo de voz que hubiese querido Shakespeare".
Scott-Heron era consciente de su título de "Padrino del Rap", pero insistía en que los artistas del hip-hop debían tener un mensaje social en lugar de perpetuar los tópicos del gremio: "Necesitan aprender música", declaraba en una entrevista. "No es lo mismo hablar por encima de una melodía que integrar tus palabras con esa melodía. Con toda su jerga y sus coloquialismos no dejan que veamos a la persona, sino sólo la pose del personaje".

Siempre consciente de los problemas de la sociedad, Scott-Heron llevó su mensaje proactivo desde sus discos hasta sus libros. También fue un pionero en las actividades benéficas, realizando conciertos -en 1979 en el Madison Square Garden- en contra de la energía nuclear, así como la lucha contra el apartheid que reflejó en temas como "Let me see your I.D.", editado en 1985.

En 2010, Scott-Heron publica "I'm New Here", su último álbum y el primer disco que grababa en más de quince años. Este regreso a los estudios de grabación tendría una excepcional acogida entre crítica y público, siendo calificado como uno de los mejores discos de la década.

Los contínuos problemas de Scott-Heron con las drogas llegaron a su punto álgido en 2001, cuando ingresa en prisión por posesión de cocaína. Comienza entonces una sucesión de recaídas y condenas penales, que durarían casi una década. Enfermo de SIDA durante varios años, Heron contrajo una neumonía durante una gira por Europa, de la que no consiguió recuperarse. Gil Scott-Heron fallecía el pasado 27 de mayo de 2011, en el hospital "Saint Luke" de Nueva York.

Numerosos artistas y músicos han mostrado su pesar por la muerte de Scott-Heron, dejando mensajes de condolencias en la Red. El rapero Eminem declaraba: "Gil Scott-Heron descanse en paz. Influyó en todo el hip-hop". Por su parte, Chuck D, fundador de Public Enemy, manifestaba en una red social: "Si hacemos lo que hacemos, y de esta manera, es gracias a ti".

Desanse en paz. Valgan estos dos vídeos, "The Bottle" y "We Almost Lost Detroit ", como muestra de su paso por la vida y la música.

LA FOTOGRAFÍA DE GOIO VILLANUEVA

2011-05-30T14:39:00.006+02:00

Goio Villanueva

El fotógrafo Goio Villanueva cuelga estos días dos extraordinarias exposiciones, que vienen a ser un mínimo compendio de su extensísimo trabajo en conciertos de música (fundamentalmente, de jazz). La primera de ellas se puede ver en la sala de Murcia capital "La Puerta Falsa", en la que a través de 21 fotografías se puede descubrir el "alma" de los músicos que en ella aparecen. Nombres como Dave Holland; Michel Camilo; Johnny Winter o Winton Marsalis conforman esa selección que ilustra estos días las paredes de esta mítica sala de conciertos de la capital murciana en la que, sobre todo, se puede escuchar música de jazz en directo.

En su segunda exposición, Goio Villanueva nos deja ver otra parte de su obra fotográfica pero con paradas especiales en secciones dedicasas a voces femeninas o algunas de las "Leyendas Vivas" del jazz. Con un total de 69 impresionantes fotos (número interesante donde los haya), Villanueva deja ver a través del ojo de su cámara (prolongación de su visión del concierto) y de su rápido dedo en el disparador de la misma, la magia de cada instante del músico que no necesariamente está interpretando una pieza en su concierto. Parte de esta obra está realizada en las pruebas de sonido que como el propio Goio Villanueva indicó durante la inauguración, "es uno de los momentos más tensos para el artista, porque está perfilando al máximo lo que más tarde venderá al gran público". Esta otra muestra del artista fotográfico, se puede ver hasta el día 31 de mayo, en el bajo de unos amigos, en Orihuela (Alicante), situado casi al lado de la Casa de Miguel Hernández.

En ambos casos, se aconseja visitarlas para comprobar que con una fotografía también se puede disfrutar, además de revolucionar nuestros sentidos.

Todas las fotos que aparecen en este artículo son obra de Cristina Rives

EL SILENCIO DE LOS CORDEROS

2011-05-27T00:50:00.002+02:00

Anagrama del Festival de Jazz de Murcia

El músico y poeta, Sebastián Mondéjar, ha denunciado en su blog la suspensión del XXXI Festival de Jazz de Murcia (denominado en su momento JAZZ EN LA CALLE) por parte del Ayuntamiento de Murcia (responsable directo de su organización absoluta), sin que la Administración Local murciana haya dado explicación alguna sobre el motivo o motivos que le han llevado a no celebrar esta edición.

Mi amigo Sebastián no es el único -ni una minoría de la sociedad murciana- que se ha visto sorprendido por este hecho. Pero sí ha sido (no conozco cualquier otro artículo o comentario publicado al respecto ) el primero que ha escrito sobre el asunto. Y de qué manera tan expresiva, rotunda y demoledora sin perder la compostura. Porque, en efecto y estoy absolutamente de acuerdo con él, cómo ha dado la nota el Consistorio capitalino con su silencio "tenor".

Tal y como he comentado en el blog de Sebastián, hacia principios del mes de abril pasado, un "pajarito" me pió que el Jazz en la Calle no se celebraría este año. Naturalmente, el pajarito tan sólo pió el hecho pero no los motivos. Para hacer las cosas como es debido, me dispuse a hablar con el responsable directo: el concejal del ramo, Rafael Gómez. No pude hacerlo porque, en aquel momento, "no se encontraba en su despacho. ¿Quién le llama y sobre qué tema desea hablar con él?, contestó su secretaria. Soy Andrés Garrido, periodista (él me conoce, por mi actividad en RNE hasta mi prejubilación) y deseo hablarle sobre el Festival de Jazz. Mi número de teléfono es..." Hasta ahí, la conversación de mi primer y único intento de esclarecer si se iba a celebrar o no el festival y si la respuesta era negativa, el por qué.

Como quiera que me conozco el "percal" un poco, me propuse que si en un plazo de DIEZ o DOCE DÍAS -todo lo más- no me atendía, mi decisión sería denunciar la suspensión del evento y mostrar mi absoluta crítica del "silencio de los corderos" al respecto. Porque uno puede estar atareado en un momento dado y demorarse un poco en contestar a esa llamada. Pero no prestar atención, no ya a un triste periodista si no a un ciudadano y el resto de la comunidad vecinal de la que forma parte, que desea conocer si va a poder disfrutar un año más de su festival de jazz eso, insisto, es de mala educación y de no saber muy bien cuál es la función de un político. Todo ello, claro está, suponiendo que la citada secretaria le comunicase mi mensaje (y no tengo por qué dudar de una funcionaria ya que conozco muy bien lo exquisitamente que llevan a cabo su trabajo y más, en el ayuntamiento de Murcia). Espero no estar proporcionándole la "excusa perfecta" al aludido dirigente municipal, porque entonces ya tendríamos que utilizar otros calificativos más duros.

Los cargos públicos como el de un concejal son elegidos por los ciudadanos. Y su responsabilidad, entre otras y en una escala importante, es la de servicio a esa comunidad para la que se le ha elegido. Y en esta ocasión, el político ha brillado por su ausencia y, a tenor de lo comprobado, ha hecho dejación de sus funciones para con la comunidad de vecinos. ¿Tan ocupado andaba el señor concejal, para no haber podido llamar a este triste periodista? ¿Asuntos importantes de Estado le tenían absorto que ni tan siquiera pudo dedicar 15 minutos, para explicar públicamente que no se iba a celebrar el festival de jazz y los motivos?

Reza (y es una estrofa que me ha gustado desde siempre) un gran éxito de Bob Dylan que "...la respuesta está en el viento". Y nunca mejor utilizada la frase, porque lo que es la sociedad murciana nos hemos quedado sin respuesta, compuesta y sin festival de jazz en la calle. Y nos sentimos huérfanos y sin tutores de la Cultura en este municipio. Porque tengo que darle la razón, sin fisuras, a Sebastián Mondéjar cuando escribe: "El jazz se aprehende con los sentidos del alma en mayor medida que con los del cuerpo. El jazz congrega a un público culto, limpio, pacífico, responsable y sumamente heterogéneo. Gracias al jazz se han escrito novelas y poemas, pintado cuadros, rodado películas y compuesto bandas sonoras inmortales. El jazz ha dado al mundo a muchos de los mejores músicos de la humanidad, algunos de los cuales, no quepa la menor duda, han pasado milagrosamente por nuestro festival. A nivel personal creo, siento, veo y constato que en pocos años nos hemos venido instalando vertiginosamente en una cultura virtual, como de videojuego, una cultura de usar y tirar. Y de tirar, sobre todo, el dinero; un dinero que se le hurta a la cultura real, a la educación y al conocimiento esenciales, de uso y utilidad imperecederos. Cabría decir que existe una razón rudimentaria: es ésa la cultura que se nos está imponiendo; o, dicho de otro modo: se nos está privando de la capacidad de elegir…"

Para mí está claro que desde la llegada al ayuntamiento de la capital de sus actuales gobernantes (ahora con una reválida aprobada por una escandalosa mayoría), el Festival de Jazz en la Calle ha estado en el punto de mira del cierre definitivo. En un primer intento allá por 1995 ó 1996 (no recuerdo bien la fecha) varias voces nos levantamos contra aquella primera amenaza, logrando frenar lo que parecía inevitable. Pero desde entonces a la fecha de hoy, el festival ha ido sorteando toda una serie de zacandillas cual si de una "pista americana" (los que han prestado el servicio militar o son militares, ya saben a qué me refiero) se tratara. Y hasta este 2011, ciertamente que las había salvado con suerte y mucha dignidad. Pero llegó ese gran "cajón de sastre" que se llama CRISIS y con él, no solamente llegó el escándalo sino el motivo preciso para ¿definitivamente, concejal? acabar con nuestro longevo Festival de Jazz en la Calle de Murcia.

Adiós a 30 años de trabajo, de sueños; de gloriosas jornadas para músicos y aficionados o, simplemente, ciudadanos que gustan de la Cultura en general. Ha sido un auténtico despropósito y un absoluto desacierto de los responsables de turno. ¿Por qué Tres Culturas sí y Clásica de San Juan de Dios o Festival de Jazz en la Calle no? Como también indica Mondéjar en su artículo "¿Ha sido exclusivamente por dinero, es sólo cuestión de presupuestos? ¿La consabida crisis? ¿Y el jazz tiene que pagar las consecuencias? ¿No hay dinero, nos hemos quedado sin programador, se han echado atrás los patrocinadores? Pues en vez de actuar tan injusta y arbitrariamente cortándoles el chorro a los aficionados al jazz, recortemos un poco de aquí y de allá, consultemos a los interesados, contemos con los demás, ¡seguro que se involucran!, pero no dejemos morir un festival que ha escrito páginas gloriosas en nuestra historia cultural reciente. ¿Este año no había cien mil, ochenta mil, cincuenta mil euros para organizar el Festival de Jazz? ¿No había veinte mil? Con esa cantidad, Zarangojazz, la asociación de músicos y aficionados al jazz a la que pertenezco, se habría comprometido a colaborar, como otras veces, para coordinar y sacar a flote este año un XXXI Festival Internacional de Jazz tal vez más modesto pero no menos digno de su prestigio y trayectoria. Pero ésa era solo una posibilidad más. El festival podría haberse insertado este año, con menos presupuesto, en el XII Festival Tres Culturas. Eso sí que habría sido un gesto de tolerancia que la ciudadanía en general y los aficionados al jazz en particular habríamos entendido y aplaudido". A lo que añado, ¿Por qué?

Desconozco si mi segundo intento valdrá para algo pero, como decía aquél, que por intentarlo no quede. Señor Gómez: Le invito a que nos explique a los murcianos los motivos por los que no anunció previamente que no tendríamos Festival de Jazz en la Calle y cuáles fueron los criterios seguidos para ello, frente a la celebración de Murcia Tres Culturas. Es tan sencillo como eso. Tan sólo le pido un favor; por usted mismo, la Corporación y los vecinos del municipio de Murcia: NO REPITA DE NUEVO, EL SILENCIO DE LOS CORDEROS.

Suyo afectísimo, el periodista Andrés Garrido (y músico autodidacta).

JAZZ SAN JAVIER SUFRE SU PRIMER CAMBIO

2011-05-23T21:34:00.000+02:00

El XIV Festival de Jazz de San Javier, ya ha sufrido un cambio en su programación. Se ha cancelado el concierto de la Clayton – Hamilton Jazz Orchestra con John Pizzarelli como artista invitado, previsto para el sábado 16 de julio.

Ciertamente y para todos los aficionados es un serio revés, pero los motivos son totalmente ajenos a la organización de Jazz San Javier. A estas alturas, la búsqueda de una sustitución no es fácil y se ha optado por la cantante mejicana de origen estadounidense, Lila Downs, que presentará su próximo disco "Pecados y Milagros" que, junto a una selección de su ya amplio repertorio, conformará su paso por San Javier. Para más detalles se puede consultar la web de Jazz San Javier , donde podréis ir comprobando todos los detalles de última hora.

La verdad que la aparición, un año más, de John Pizzarelli en San Javier había motivado a muchísimos aficionados; mucho más, si tenemos en cuenta que se prometía su actuación como una de las más espectaculares de la presente edición, al estar acompañado por Clayton – Hamilton Jazz Orchestra. Una auténtica pena, pero así transcurren en ocasiones las cosas y como en años anteriores, otros conciertos se tuvieron que suspender (siempre por causas ajenas a la organización de Jazz San Javier). El resto de lo programado para ese sábado 16 de Julio queda igual a lo ya anunciado.

XIV JAZZ SAN JAVIER. ¡MENUDO FESTIVAL!

2011-04-22T21:55:00.001+02:00

El Festival de Jazz de San Javier ha presentado los doce conciertos que conforman su edición número catorce, que se celebrará en el auditorio del Parque Almansa del 25 de junio al 30 de julio de 2011. Como ya viene ocurriendo en las tres últimas ediciones, el presupuesto ha sido recortado un diez por ciento en relación al del pasado año y llega casi hasta los 600.000 euros. En esta ocasión, el festival rinde homenaje a dos músicos desaparecidos durante 2010 y que actuaron en este mismo festival: Gary Moore y Solomon Burke. Los precios se mantienen, más o menos, costando el abono de diez noches 100 euros, a lo que hay que añadir otros 56 (si se es abonado) para poder presenciar también las actuaciones de Chicago y la de Winton Marsalis y la Lincoln Center Jazz Orchestra. Como se puede comprobar, nunca tanto costó tan poco y ello sin perder un ápice de calidad. Pero vayamos por partes.

(La foto de la presentación es obra de Goio Villanueva)

Durante la presentación de esta nueva edición, la alcaldesa de San Javier, Pepa García, destacaba que este festival no sería posible sin el esfuerzo, trabajo y colaboración de muchas personas e instituciones públicas y privadas como es el caso de la Consejería de Cultura de la administración regional murciana o el INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y Música) de la administración central del Estado, que se incorpora este año como patrocinador de esta cita y con la firme decisión de continuar haciéndolo en adelante.

Pero como lo que importa son los conciertos, Jazz San Javier ha realizado un esfuerzo más para conformar un cartel que como expresaba el consejero de Cultura, Pedro Alberto Cruz, "éste va a ser un festival para los que gustan del jazz", a lo que el que suscribe añadiría "y para los que son amantes de los géneros que les rodea". Porque fiel a la trayectoria que se marcó en 1998 (año de la primera edición de esta cita musical), San Javier procura una estudiada amalgama de los estilos que giran alrededor del jazz para ofrecer en cada edición ese "poco más".

Así, se dan regresos como Lee Ritnour con el compositor y pianista Dave Grusin (un habitual de su grupo en otros tiempos), Ransey Louis y su banda eléctrica para deleitarnos con su "jazz-funk", elpianista jamaicano Monty Alexander Trío o Hiromi y su Trío Project. Todos ellos regresan con nuevos e interesantes proyectos musicales que provocarán, seguro, el deleite de los asistentes.

Pero también habrá novedades en este templo del jazz en San Javier como es el auditorio del Parque Almansa. Nos referimos a Ludovic Beier, que se coloca como un novedoso acordeonista en el paranorama del jazz; el grupo estadounidense Chicago, que tantas estupendas canciones nos ha dado en el tiempo; Joe Lewis Walker, excelente guitarrista norteamericano o el trío del pianista danés, Niels Lan Doky, la Clayton Hamilton Jazz Orchestra con el guitarrista John Pizzarelli, John Scofield Quartet, el septeto parisino Pink Turtle o la cantante de Detroit, Carla Cook, que está considerada como una seria continuación de la inigualable Ella Fitzgerald.

Un plato fuerte para esta 14 edición de Jazz San Javier serán las noches de las Big Bands. La primera regresa, una vez más, con su líder al frente: Winton Marsalis y la Lincoln Center Jazz Orchestra. Y otro regreso en esta parcela es el del guitarrista John Pizzarelli pero en esta ocasión (ya lo cité antes) como invitado de la Clayton Halmilton Orchestra, que pondrá sobre el escenario del Parque Almansa a 20 músicos en acción. Los resultados de estos dos conciertos pueden superar las espectativas previas.

Como también podemos asistir a noches "mágicas" de la música que nos regalen Biel Ballester y su trío, con la invitación del violinista Costel Nitescu, en un claro homenaje a Django Reinhart. O la fusión de estilos del pianista gaditano, Sergio Monroy. La maestría de Leny Andrade & Sambop Band, así como el que puede resultar interesantísimo concierto del cuarteto de Jaume Vilaseca con el sitar del hindú Ravi Chary.

Y luego habrá espacio para los guitarristas y la música británica, sobre todo, en ese homenaje a Gary Moore con nombres como Albert Lee & Hogan's Heroes; Elvin Bishop; Eric Burdon & The Animals o Chris Farlowe & The Norman Beaker Band. Como también habrá momentos para el "blues" de la mano de Joe Louis Walker o Lucky Peterson.

Y todo ello girando en torno a una base: el jazz. Un jazz que este año reitera sus mejores galas con nombres como Lee Ritenour con Dave Grusin; Monty Alexander Trío; Ransey Lewis & His Electric Band; Rene Marie; Niels Lan Doky Trío; John Scofield Quartet; Hiromi The Trío Project o la magnífica adaptación al género de temas del pop o el rock que llevan a cabo con amplias dósis de alegría, el septeto parisino Pink Turtle.

En suma, una edición -la número catorce- de Jazz San Javier que reitera su alto nivel de calidad y de supervivencia. Y todo ello, en tiempos difíciles para "la lírica" como los que estamos viviendo. El espectáculo está servido y nosotros no tenemos por menos que disfrutar de él.

HASTA SIEMPRE, JULIO.

2011-04-22T19:49:00.000+02:00

Mi amigo Julio Muñoz, músico, se ha marchado hacia otros escenarios que desde hacía mucho tiempo le estaban tentando. Concretamente diez años en los que ha tenido que luchar contra esa tentación durante la cual, ella no ha escatimado momentos difíles para Julio con una "estrategia" muy difícil de superar o vencer.

Pero la capacidad que siempre ha tenido Julio para codearse con las dificultades y vencerlas es una cualidad que, personalmente, me ha tenido asombrado durante todos estos años (casi 40) de amistad con uno de los mejores, de los tres mejores que he tenido en mi existencia.

Supe de su "tentación" en el mes de julio (¡qué curioso!) de 2001, a través de sus entonces compañeros de escenarios, durante la celebración de la cuarta edición del Jazz San Javier. El conocimiento de aquel nuevo reto que se cruzaba en el camino de Julio Muñoz me dejó, la verdad, bastante preocupado. El tiempo fue transcurriendo y yo intentaba ponerme al tanto de cómo mi amigo "jugueteaba con aquella tentación". Por lo que me contaban, había momentos para todo gusto; algunos para el disfrute de Julio al saberse triunfador de sus "malabarismos" para no caer en el "juego" de su oponente. Otros, no se si los que más porque para Julio el mostrarse "débil" no era precisamente una de sus facetas fáciles, la "tentación" pareciera ser la ganadora aunque, al final, comprobábamos que no era así.

Y claro está, como en toda buena "tentación" que se precie, las estrategias para llevarse a mi amigo al terreno en el que su oponente quería fueron más acusadas y difíciles de descubrir y desmoronar. Pero Julio no se achicaba y como si el ave Fénix fuera volvía a resurgir triunfante y sonriente; con esa sonrisa socarrona de quien se sabe un estratega invencible.

Todo parecía ir bien, pero era tan sólo una ilusión para muchos de nosotros. Porque aún sin querer admitirlo, los más allegados a la realidad comprobábamos cómo la "tentación" ganaba terreno y Julio cedía a sus "encantos". Finalmente, en las primeras horas del lunes, 4 de abril de 2011, mi amigo, mi hermano Julio César Muñoz Mejías decía SÍ a una "tentación" que le había estado interpretando sus "Cantos de Sirena", durante diez largos años.

Adiós, amigo y hermano. Tus nuevas composiciones y conciertos se escucharán y verán en esos otros escenarios a los que te has marchado. Y espero que esos nuevos retos resulten tan exitosos, como los que llevaste a cabo en estos otros escenarios terrenales. Algún día, nos volveremos a encontrar para recordar "viejos tiempos" y poder tocar juntos una vez más "Sunshine of Your Love".

LA MÚSICA DE KENNY NEAL NOS TOCÓ EL ALMA Y EL CUERPO

2011-04-20T20:50:00.006+02:00

El "blues" es un género de amplísima aceptación en la música y San Javier (Murcia) es uno de los muchísimos puntos del Globo, en el que esta música gusta y mucho. Por ello, no nos extrañó que el cierre del XI ciclo "Músicas del Alma" fuera toda una explosión de diversión y disfrute para todos aquellos que tuvimos la suerte de ver a la banda de Kenny Neal y su invitada E. C. Scott. Ambos plasmaron con auténtica realidad, el alma inequívoca de este género musical que después de dos siglos de sus cánticos sigue levantando pasiones.

El grupo de Kenny –guitarra, armónica y voz- estuvo integrado por su hermano Fred, al piano. Otro de sus hermanos, Darnel, en el bajo eléctrico y su sobrino Tyree, en los teclados y guitarra. El grupo lo completaba el baterista, Bryan Morris. Con esta formación, Kenny Neal apareció en el escenario de la carpa del Parque Almansa a los sones de “Blues leave me long”, una de las piezas que se incluye en su anterior disco titulado “Let Life Flow”, cuyo tema también formó parte del amplio repertorio que sonó durante más de dos horas.

“Hooke on your love” (“Enganchado en tu amor”) es el nuevo cd que Kenny Neal ha puesto en el mercado y con el que una vez más, este ya legendario músico –a pesar de su todavía juventud- consolida a la amplia familia Neal dedicada al género y a su parcela del “swamp-blues”, que nos adentra en el mismo corazón de las tierras de Louisiana o en un viaje por las aguas del Mississippi. Es “blues” en estado puro a cuyo ritmo no puedes, ni debes, dejar de entregarte porque se te pega en la piel; te atrapa sin remedio y acaba convirtiéndose en una parte más de tu ser.

“Old friend”, “Any fool wood do” o “These old blues ain’t so bad” fueron más piezas que iban conformando no sólo un concierto, sino toda una fiesta a la que no se podía faltar porque tanto Kenny y su familia como la propia E.C. Scott, te estaban invitando sin contemplaciones. E.C. Scott realizó su aparición con un tema tremendo, que te enganchaba ya desde la primera nota: “He ate the apple”.

La trayectoria de esta cantante con más de 30 años de patear escenarios es, cuando menos, muy curiosa. A los 16 años ya cantaba “gospel”, pero escuchó un “blues” y de inmediato quedó atrapada por esa música. Su madre le intentaba quitar esa “diabólica” idea de la cabeza porque esa música no podía traer nada bueno. Pero E.C. Scott no cejó en su empeño y gracias a la radio y a sus hermanas, el “blues” entró en su vida con plenitud. Lo curioso es que la cantante optó por casarse y tener familia. Cuando sus hijos llegaron a la edad escolar, E.C. Scott los reunió y les explicó que su pasión era cantar y ahora que ellos ya podían valerse retomaría su pasión. Los hijos la animaron a ello y de esa manera, el “blues” recuperó a una de sus más dulces, sensuales y sexys voces que posee el género.

Una clara muestra de lo que les cuento, es esta foto de Marta Pinilla que precede a esta línea, en la que podemos verla cantando, bailando y disfrutando junto a los espectadores. Y es que tanto E.C. Scott como el grupo de Kenny Neal supieron “atrapar” a los espectadores de inmediato que a esas alturas del espectáculo estaban absolutamente entregados a estos grandísimos artistas.

El propio Kenny se había acercado antes al público, cuando tom`´o la armónica para crear un "climax" de auténtico campo de algodón a los sones de esas notas inequívocas de una música que es uno de los iconos del pueblo negro norteamericano.

En definitiva –y como habíamos previsto-, el cierre a esta edición número once del ciclo “Músicas del Alma”, en San Javier, superó con creces las expectativas creadas a priori dejando entre este público fiel, un sensacional e imborrable recuerdo de una noche irrepetible por toda su musicalidad, entrega y mejor fiesta para los sentidos y sensaciones personales de quienes tuvimos la fortuna de participar en el mismo.

JAZZ SAN JAVIER SE CONSOLIDA MUNDIALMENTE, CON SU XIV EDICIÓN

2011-03-17T12:33:00.006+01:00

A falta de un concierto para cerrar el undécimo ciclo "Músicas del Alma", el ayuntamiento de San Javier ha presentado el cartel oficial del XIV Jazz San Javier y un avance muy jugoso de los músicos y formaciones que conformarán esta próxima edidión.

En la presentación, la alcaldesa del municipio marmenorense, Pepa García, destacó que el Festival de Jazz es una bandera de la que todos debían sentirse orgullosos. García se refirió más detalladamente, a la enorme oferta cultural que San Javier presenta durante los meses de verano, como el ya citado Jazz, durante julio; el de Teatro y Danza, Leyendas del Rock o el de Folklore, en agosto. Todo ello, subrayó la alcaldesa de San Javier, hace de esta población el Centro de la Cultura en verano en una realidad que da respuesta a algunas críticas veladas que han venido cuestinonando la importancia de esta oferta, como beneficio para el municipio.

Finalmente, Pepa García destacó el empeño que el consistorio de San Javier pone por mantener la calidad a través del trabajo, la ilusión, el entusiasmo y una complicada negociación por parte del director del Jazz San Javier, que ofrecen como resultado el mantenimiento de ese marchamo de calidad y prestigio mundial que, hoy por hoy, posee esta cita anual.

En cuanto al Presupuesto del mismo, la alcaldesa de San Javier ha confirmado que al igual que en las últimas ediciones y debido a la crisis, el Festival de Jazz ha sufrido un recorte del diez por ciento, lo que no impide -aunque están a falta de su aprobación definitiva-, el mantenimiento de precios populares que estarían entre los 12 a 15 € casi todas las noches; entre los 30 a 50 € las actuaciones especiales y en función de ello, el precio del abono para diez de las doce noches de que constará esta edición número catorce, se fijaría en 100 €, a los que habría que sumarle los precios de esas noches especiales.

Esta XIV edición de Jazz San Javier estará dedicada a la memoria de Gary Moore y Salomon Burke; ambos músicos fallecidos en el último año, que en su día actuaron en el propio festival. La guitarra será el instrumento destacado en esta edición de 2011, lo que se traduce en que buena parte de la programación estará completada por primeros guitarristas del jazz y el blues, fundamentalmente.

Los autores del cartel de este XIV Festival Inernacional de Jazz de San Javier son el diseñador, Ramón Torres (a la izquierda de la imagen que precede a este comentario) y el fotógrafo, Rafa J. Mellado (a la derecha de la misma). Un cartel que rompe con los de las últimas ediciones y que, como destacó el director del festival, Alberto Nieto, encierra todo el mundo del jazz a través de la trompeta pero también, el ambiente desenfadado y festivo que desde su nacimiento mantiene San Javier, representado en ese pantalón vaquero.

Alberto Nieto indicó que esta edición se iniciará el sábado, 25 de junio, mientras que la clausura será el sábado, 30 de julio. El avance de músicos que ya están confirmados para la próxima edición está integrado por el regreso del guitarrista californiano, Lee Ritenour y su banda, a la que se suma el compositor, arreglista y pianista, Dave Grusin. Como quiera que ya hemos indicado el protagonismo que tendrá la guitarra, Jazz San Javier confirma la actuación del cuarteto que lidera John Scofield, conformado para esta ocasión por Mulgrew Miller, Bill Stewart y Scott Colley. Elvin Bishop regresa a San Javier, tras su paso por el ciclo "Músicas del Alma", como igualmente retorna al escenario del Parque Almansa el guitarrista, Albert Lee & Hogan's Heroes.

Otra voz que, seguro, volverá a levantar pasiones como ya lo hizo durante su actuación en "Músicas del Alma" será la de Rene Marie. Intérprete querida en este festival de San Javier es la brasileña Leny Andrade, que nos visitará con Sambop Band. Una de las novedades de esta edición será la participación del septeto francés, Pink Turtle, que será uno de los dos concierto de la noche de clausura de esta XIV edición. Y finalmente, en este avance, el concurso de dos músicos que estuvieron en el XII Festival con un clamoroso e inolvidable éxito: Biel Ballester Trío, al que su une el violinista, Costel Nitescu. Ambos han creado unas ocho piezas que interpretarán en San Javier, en la que el Mediterráneo es el protagonista de sus melodías.

Y hasta ahí pudo contar Nieto. Porque el resto del cartel se dará a conocer hacia finales del mes de abril, en las instalaciones de Estrella de Levante, en la pedanía murciana de Espinardo. Lo que sí ha indicado Nieto es que habrá una o dos Big Band, así como que el "blues" volverá a tener un espacio importante en el festival. La Caixa, CAJAMURCIA, Aquagest y el Diario LA OPINIÓN de Murcia son las entidades que continúan manteniendo su apoyo a Jazz San Javier. Igualmente se confirman las emisiones en TVE y 7 Región de Murcia; las crónicas en LA OPINIÓN de Murcia y en el diario digital OPINAR.NET. Falta por confirmar su participación, RNE a través de RADIO 3. Pero además de ellos, la noticia de que el Ministerio de Cultura también lo hará económicamente, con los festivales de Jazz y de Teatro y Danza de San Javier se conocía poco después de las dos de la tarde del miércoles 16 de marzo, en la sede del consistorio, según un despacho de la agencia de noticias EUROPA PRESS. El director del INAEM (Instituto Nacional para las Artes Escénicas y la Música), Félix Palomero, ha anunciado "el apoyo económico a estos festivales" por parte de la institución que preside, tanto en el plano económico (mediante subvenciones) como de promoción.

Palomero ha afirmado que "los festivales de San Javier reúnen los parámetros de calidad y refuerzo del turismo estacional, sobre los que prioriza el Ministerio a la hora de valorar y apoyar este tipo de eventos". Además, el director del INAEM ha asegurado que "la evolución histórica y la paleta de programación da cuenta de la calidad de ambos festivales, así como la aportación que realizan a lo que se denomina en Europa turismo senior; un tipo de turismo que precisa de una oferta cultural complementaria al turismo estacional". En esa línea, Féliz Palomero ha destacado "la capacidad del Festival de Jazz de San Javier para mantener su independencia después de 14 años".

Respecto a esta colaboración, Palomero ha aseverado que este es "el inicio de una relación de apoyo entre los festivales de San Javier y el INAEM, que en este año se traducirá en subvenciones por la línea de concurrencia, pero que esperemos que se consolide en los próximos ejercicios".

Así pues, la suerte está hechada y con estas afirmaciones se deja clara la apuesta por una estrategia cultural, además de fortalecer la línea argumental que hemos venido defendiendo sobre Jazz San Javier: que está afianzado a nivel mundial, como uno de los mejores y más prestigiosos de los que se celebran anualmente. Y como ha escrito en su blog el autor de estas fotografías, Goio Villanueva, y que, con su permiso, reproduzco aquí: "...invitaros a que renombréis el calendario de esta manera, Abril, Mayo, Junio, San Javier, Agosto, Septiembre... Y, obviamente, a que visiteis este bello enclave y este magnifico festival". Pues dicho queda.